ESCENA CONTEMPORÁNEA VIII FESTIVAL ALTERNATIVO DE LAS ARTES ESCÉNICAS de MADRID Del Arte cisoria al pespunte o de la fisura al vínculo Hoy la música se concibe y hasta se construye sumando, añadiendo, comentando y hasta – literalmente – copiando. Del 28 de enero al 24 de Febrero de 2008

Sinopsis

FOTO JUANJO DELGADO

Cantos Robados nos hace un guiño que encierra toda una declaración de principios al plantearnos esa necesidad de proceso, de vagar tropezando entre cantos rodados, en un constante ir y venir, realimentado de antiguas raíces hoy transmutadas y depuradas en un atanor por el que han transitado infinidad de culturas musicales y las más atractivas prácticas vocales del laberíntico etnomundo, poniéndolas en diálogo fecundo y renovado, para poder aportar otro sabor, otro canto. En escena, una voz y el gesto de una sola cantante que interactúa con un monumental traje de fisonomías cambiantes. En la primera parte de carácter ritual e interior la cantante parece flotar arrobada en las alturas, esculpiendo el aire con voz de cristal o de trueno, de Orientes y Desorientes, de anciana matriarca o de sirena; en la segunda a pie de tierra, el ambiente es más alegre y profano. Todo ello bañado por una mirada irónica sobre la presencia de lo sagrado en lo doméstico.    

Fátima Miranda, hija de una sensibilidad etnomínimal, se pone el mundo por montera entrando a saco en el bosque de oralidades que aún lo pueblan: albórbolas bereberes, irrintzis vascos, murgas de griots y chamanes, melopeas dionisíacas, difonías mongolas, scats del jazz, yodels pigmeos, microtonos de ragas indias, gritos del teatro Nô, exabruptos del Pansori coreano o cante jondo devienen así para ella un lenguaje cargado de memorias fonéticas, evocadoras de códigos de comunicación ya extinguidos que anidan en el inconsciente colectivo. Entre Salamanca –ciudad natal de la artista, donde estudió Letras– y Samarkanda de camino a la India, donde estudió música -, entre Occidente y Oriente, entre la tradición y la vanguardia, se encuentran los campos por los que metafóricamente transitan y brotan estos Cantos Robados, cundo más rodados más robados 

Trayectoria Profesional

Licenciada en Historia del Arte, desde 1983 investiga en el campo del arte y la arquitectura contemporáneos y publica dos libros sobre estos temas. Entre 1982-89 dirige la Fonoteca de la Universidad Complutense de Madrid. Fundadora con Llorenç Barber en los ochenta del grupo de improvisación Taller de Música Mundana y de Flatus Vocis Trío, dedicado a la poesía fonética, graba dos LPs. Tras descubrir el inesperado y  precioso potencial de su voz como instrumento de viento y de percursión sobre más de cuatro octavas, al combinar técnicas vocales orientales, occidentales o de su propia invención.

Estudia con la cantante japonesa Yumi Nara, canto difónico mongol con Tran Quang Haï, canto Dhrupad de la India con varios miembros de la eminente familia Dagar y bel canto, poniendo unas y otras técnicas habitualmente consideradas incompatibles en rica y desprejuiciada convivencia con la vanguardia, aportando un lenguaje musical propio. Desde los años noventa hasta hoy crea Las Voces de La Voz, Concierto en Canto, ArteSonado, editados en CD, y Cantos Robados, conciertos-performance para voz sola. Su trabajo ha circulado por escenarios y festivales de todo el mundo, en circuitos de música contemporánea, performance, teatro, videoarte y poesía fonética.

SInopsis

ANTONIO MURGA/ LLORENÇ BARBER MONTSERRAT PALACIOS

Uno de los primeros libros que se publicó recogiendo toda una gavilla de acciones, propuestas, pensamientos de acción y música mental, fue POMELO, un libro de instrucciones de una joven japonesa, Yoko Ono, que tuvo ese raro don de la oportunidad, esto es, de vivir no sólo en el momento y lugar adecuado, sino además con la activa porosidad necesaria para aceptar osmóticamente lo más inquietante que ocurría a su alrededor, y devolverlo regurgitado en chorro de poéticas piezas, mínimas, muchas de ellas breves como un suspiro. Hoy nosotros aquí queremos presentaros una primera lectura de alguna de estas instrucciones para la acción, y no por afán arqueológico, sino de válida incitación disfrutadota, pues el de Ono es un proponer que no aspira, sino que ya ES.

“Considero que mi música es más una práctica (gyo) que una música. Para mí, el único sonido que existe es el sonido de la mente. El único objetivo de mis obras es inducir en la gente la música de la mente. No se puede controlar el tiempo de la mente con un metrónomo o un cronómetro. En el mundo mental, las cosas se despliegan y van más allá del tiempo. Hay un viento que nunca e calam (Yoko Ono)

Trayectoria Profesional

Montserrat Palacios es etnomusicóloga y cantante inficionada por las resonancias del metálico azar campanero. Es conversadora de silencios y sonidos comunales, atizadora de memorias guardadas en los paisajes, en las ciudades, y en los labios de sus gentes. Es también autora del libro de lo dicho el silencio o la certeza y el desliz sobre heterofonías vocales campesinas del norte de México (canción cardencha) y coautora del libro La mosca tras la oreja. De la música experimental al arte sonoro en España.

Antonio Murga. Ya Satie concibió un modo de componer contrapeando armonías, trozos melódicos, etc. un escribir a saltos donde el pegar una cosa a otra sin más, ya era. Algo mas tarde los más diversos dadá llevarían al colmo del “cortar y pegar” ese mundo hecho friso y superficie cuyo abc se llamó COLLAGE. Pues bien, hablar de Antonio Murga es hablar de pensamiento collage: un conformar en el que a partir del loop o anillo como premisa básica, todo es posible, eso sí fragmentariamente. Entrar en sus autoeditados CD’s es adentrarse en un bosque de referencias múltiple. De ahí que escuchar Murga es escuchar actitud crítica, como lo es también adentrarse en las avenidas de la audiovisualidad: ahí donde radio, imagen, palabra y secuencia fílmica devienen todo un fresco de estímulos en acordeón. No en vano Murga, hijo de aquel madrugador underground de los 80’, todo mail art, fanzine, sampler e intercambio, es agitador (“El Espantasiestas se llama su programa de radio más longevo), es constructor de instrumentos, de lenguajes, de denuncias y reistencias.

Duración: 1 h.

SINOPSIS

RUBÉN GARCÍA LLORENÇ BARBER ENRIQUE MORENTE

Llorenç Barber y Enrique Morente se encontraron allá por los años ’80. Un acercamiento en que la magia de la voz difónica les emparentó de inmediato. Llevan desde entonces postergando lo irremediable: el entrelace de los armónicos bucocampaneros de Barber con el constante coloreo microtonal de la voz de Enrique. Finalmente se dieron cita en el Albaicín durante el verano del 2007, y de ahí surgió esta Vozpornoche que hoy presentamos, un tropiezo de pedales de metal hechos fragua de martinete infinito. Un pespuntear de voces y resonancias de bien temperada respiración al borde de lo infinito. Un chorro forajido de improvisados entrecruces y claros que saliéndose de madre hurgan en las oscuridades eléctricas de lo bucal, ahí donde húmedas cavidades y resonadores maquinan un sonar… Por su parte, Rubén García es un abducido por la maleabilidad creativa de esa pasta sonora que conforma el vivir, ese rumie del cosmos manifestándose: sus técnicas van desde la manipulación de giradiscos o grabadores de cinta, a la captura de cualquier trozo de, multitrack o edición. Resulta increíble como los paradigmas artísticos mas definidores de una época, de un grupo humano – todo lo contrario de lo que ocurre con esas modas pasajeras y de relumbrón – van construyendo su hacer, callada y soterradamente hasta que – muchas veces – de repente se convierte en evidencia lo que nadie había mas que intuido vagamente. En música, todo eso que ambiguamente llamamos “soundscape” sería un punto de referencia ineludible: ese modo de crear que podríamos llamar paisajismo sónico, pero también, el sonido como paisaje, y que no es más que una manera de traducir esa sensibilidad mínima que canta el pasmo lírico de la humanidad entera frente a ese manifestarse de la creación mediante el sonar, y Rubén García es muestra evidente de ello.

TRAYECTORIA PROFESIONAL

Enrique Morente. Ese andar suyo voceándole al mundo que más allá de géneros, palos, escuelas y apartados, lo que de verdad deseamos es escuchar horizontes en arcoiris es demoledor: una calamidad que no nos merecemos. Alguien tendría que decirle que pare, que nos deje en paz, pues no hay relinche, sinfonía o graffiti sónico que este hombre de albas tomar no mimetice y haga suyo. Este granadino universal es la voz ágora que tartamudea con sus desmanes un modo nuevo de ser músico, de ser ciudadano comprometido, de ser hombre hambriento de libertad total (texto de Llorenç Barber)

Llorenç Barber, músico conocido por sus composiciones para ciudad, sus naumaquias o los De sol a sol (esas largas noches en vela cargando el deseo de aurora), practica también la poesía fonética, la linguofarincampanología y el canto armónico. Por otro lado, desde que en 1971 creara Actum, o en 1979 los Ensems (el festival de nueva música más veterano de España), su vís organizadora no ha tenido descanso: dirigió las actividades del Aula de Música allá cuando Madrid entraba en La Movida (1979-84), conformó el Flatus Vocis Trio, Paralelo Madrid, Nits d’Aielo i Art, y desde el inicio dirige este ciclo de música de Escena Contemporánea.

Rubén García Biólogo de formación, dirige el proyecto Eozoon (Valencia), coadyuva a perpetuar Observatori y coordina el importante ciclo Vibra en el OCCC de Valencia.

Duración: 1 hora

Sinopsis

RICARDO CLIMENT

Drosophila (2005)  está inspirada en el modo de presentar la comida de los restaurantes Kaitenzhusi, en los que el cliente escoge lo que quiere comer a medida que los platos vienen a él transportados por un pequeño carrusel o cinta sin fin. De igual manera los interpretes estructuran la composición decidiendo sobre la marcha, tomando decisiones restringidas que se les muestran en tiempo real en la pantalla del ordenador. Con todo, los materiales pueden ser estudiados con anterioridad, puesto que la cantidad de posibilidades (como en el restaurante) es muy, muy estricta. Su inspiración le llegó a partir del insecto Drosophila Melanogaster, un organismo muy usado por los genetistas como modelo porque su ciclo vital es muy corto. De igual manera, esta composición explora procesos de mutación en la danzante Drosophila quien en ficción se vuelve ciega tras ser sometido todo su genoma a bárbaros experimentos de laboratorio. En la historia, la mosca desarrolla una escucha hiperaguda. Pero los poderes supersensitivos de Drosophila se vuelven contra ella misma. Esta pieza, pues, es una representación sónicamente reconstruida de su corto ciclo de vida. Tras estrenarse en el país Vasco, esta pieza se ha escuchado en Tokio (Kunitachi Collage), Eslovenia, Reino Unido, Buenos Aires y México. 

HANS KOCH

Bandoneonbook,  pieza perteneciente a la serie Ordenadores como Instrumentos Musicales de Hans Koch. Dado el hecho de que mucha música de hoy en día se produce, sea al nivel que sea, con la ayuda de los ordenadores, surge la pregunta ¿es realmente el ordenador el que hace la música, o mas bien se trata del programa que se utiliza cada vez? Al principio Koch se centró en abrir el ordenador y desentrañar sus circuitos, hoy por el contrario se centra más en aspectos específicos del hardware que pueden afectar a la calidad instrumental, y que pueden articularse con la ayuda de programas y de interfaces.

Bandoneonbook saca provecho de un diseño muy peculiar que tienen las series de ordenadores que se alimentan de titanio: el micro, situado sobre el chasis, exactamente junto al altavoz izquierdo, se pone alegremente a retroalimentarse apenas intentas usar los dos altavoces. Esta pieza usa esa retroalimentación como fuente de sonido y la hace usable mediante la ayuda de dos filtros paralelos, controlados por un teclado que permiten conseguir una polifonía de dos voces casi independientes mientras abrimos y cerramos una tapa que modifica las dinámicas o el timbre del sonido. El instrumento resultante es quizás más apropiado para hacer bailar el tango, pero a causa de su sonido tan íntimo resulta de lo más atractivo para momentos dulces y etéreos.

Trayectoria Profesional

Hijo de Cage y Feldman, pero también de Scelci o Jenis Christof, Hans Koch gusta de hurgar en lo recóndito de la electrónica casera: secadoras, lavavajillas, viejos ordenadores, etc., así como en insólitas maneras de usar los ordenadores cotidianos, lo que le conduce a descubrir sonidos y estructuras colaterales. Con esa colateralidad, Koch interactúa, improvisa, entra en composición y hasta crea grupos interdisciplinares de músicos comprometidos y útiles como la “Oficina de Conciertos Pedagógicos”. Koch ha colaborado con gente como Sam Ashley, meter Behrendsen, Jens Brand, Bettina Wenzel. Explorar “estructuras alternativas”, así como intentar la “toma de decisiones estructurales en tiempo real” para aplicarlas a la música constituyen la base de las composiciones de Ricardo Climent. Inmediatez y analogía que llevan a este músico valenciano a hacerse con un “conjunto de microbios” de los que aislar y extraer comportamientos y mutaciones a reconstruir en el escenario de lo sonoramente interesante para ese otro bicho – también parte de la “philosophia naturales” – que es el ser humano.

Phil Niblock es un artista optosónico, esto es, alguien que viaja fértilmente en las mezcladas e interactivas aguas de lo visual y lo sónico. De alguna manera su trabajo sintetiza un hacer artístico que a comienzos de los 60 tratará de capturar mediante fotos en blanco y mucho negro la sonada alma del jazz y sus algo posesos practicantes. Más tarde – ya en los80 – filmará los gestos y movimientos que acompañan el trabajo de los humanos, una danza secuencial que entra en bucle de (im)precisas y cotidianas repeticiones, y que tiene la virtud de fascinar nuestra atención. Resumiendo Niblock convertirá en partitura viva la sucesión fílmica de lo que ocurre en el tiempo. La bizarría de sus pedales-racimo que Phil practica se enriquecen enigmática y al esparcirse, pujantes, por el espacio arquitectónico donde la audición tiene lugar.

Phil Niblock y sus pedales de infinito hervor es ya un clásico del minimalismo que, puede que por la rotundidad y redondez de su darse en optosonía ha cautivado a cuantos se han acercado a su sinestésico proponer: también a esos jóvenes del ancho mundo que llegan al llamado “sound arte” desde posturas y prácticas nerviosamente heterodoxas.

Thomas Ankersmit, tocado tanto por el free jazz como por las diversas prácticas de la electroacústica experimental, concentra su atención en explorar los timbres extremos del saxofón, en línea con el sonar electrizante de Evan Parker. Por otro lado, su música electrónica está constituida por un enjambre de microelementos electroacústicos plenos de detalle e intensidad. Unos eventos los que su hacer provoca que, si por un lado lucen esa frágil instabilidad de lo analógico, nunca pierden la precisión y exactitud de lo digital. Pocos instrumentistas son capaces mediante su respiración circular de emitir un sonido-sin-fin de tal tersura y riqueza como este artista explorador y limpio de amaneramientos, en el terreno ese central y mixto entre lo tecnológico y lo corporal

Manuel Rocha, es sin duda uno de los pioneros del denominado ARTE SONORO, no sólo en su México natal sino en toda Latinoamérica. En 1999 crea el “Festival Internacional de Arte Sonoro” en México. Una manifestación que centrará cada una de sus ediciones en temas como: Ruido, Humor y Aliento, Eso, Hábitat Sonoro, etc. Alumno de Julio Estrada y Alvin Curran, ambos músicos relacionados con las programaciones de este festival, realiza estancias en la Simon Fraser University de Vancouver, con lo que certifica su filiación con las prácticas del “soundscape”. Más tarde, ya en Europa, redacta una tesis sobre Granular Synthesis Techniques en París VIII, dirigida por Horacio Vaggione. De ahí data su primera presentación, en 1995 en un escenario, en esta misma Sala de Columnas, estrenando para nostros su Frost Clear, una música-acción para contrabajo, cinta y refrigerador.

Duración: 1 h.

Círculo de Bellas Artes
Del 4 al 7 de febrero: 17:30 horas.

4 de febrero: Mª Vázquez González: Las músicas en disolución de Llorenç Barber

5 de febrero: Mª Teresa García Sánchez: L

6 de febrero: Visionado de las películas:

• Sonar Ciudades (2006): Estreno, de Xavier Iriondo y Fernando Aguirre: Una película documental donde seguimos al músico Llorenç Barber durante la fase preliminar del concierto que ofreció en Vera de Bidasoa con motivo del Festival de Otras Músicas ERTZ.

• Sonar Orleans (2006): Estreno, de Xavier Iriondo y Fernando Aguirre. Estudio de las reacciones del público durante un Concierto de Ciudad, un lunes noche.

7 de febrero: Estreno absoluto de Dos proposiciones de Eric Meter. Visionado de las  películas de este director:

• Tauromaquia Sonoris
• Sol a sol instalación  

Información sobre los ponentes

MARIA VÁZQUEZ GONZÁLEZ. Asturiana nacida en 1981. Tras licenciarse como Profesora Superior de Música en las especialidades de Instrumento y Música de Cámara amplía su formación en la Universidad de Oviedo con sus estudios de Historia y Ciencias de la Música. Recientemente ha recibido las más altas calificaciones por su trabajo de investigación Llorenç Barber, pionero de la posmodernidad musical española en el programa interuniversitario de doctorado Música en la España contemporánea, donde actualmente realiza su tesis sobre posmodernidad española. Todo esto es compaginado con su trabajo n una línea de investigación paralela en pensamiento musical y estéticas centrada en los procesos de legitimación de las corrientes musicales.

MARIA TERESA GARCÍA SÁNCHEZ. Arquitecta titulada en las especialidades de Urbanismo y Edificación. Titulada en Piano. Tras una estancia en Milán, becada con una Erasmus, completa sus estudios en los Departamentos de MÚSICA Y ARQUITECTURA de la Universidad de Princeton, o como “Visiting Scholar” en la Escuela de Diseño de la Universidad de Pensylvania. Ha trabajado como arquitecta en el estudio de Juan Navarro Baldeweg. En la actualidad compagina su trabajo de investigación conducente a la Tesis Doctoral sobre Los conciertos de la ciudad de Llorenç Barber, con la actividad tanto profesional en su propio estudio o mbién como docente. Es profesora de Análisis de la Forma y el Espacio II del Departamento de Arquitectura de la Universidad Francisco de Vitoria.

XABIER IRIONDO Y FERNANDO AGUIRRE. Ambos son de Zarauz y nacidos en 1978. Ambos practican la música (Café Tigot, Carcáscara) y se profesionalizan como cineastas: Iriondo como operador y director, Aguirre como sonidista y montador. La fidelidad a sus planteamientos así como la austeridad identifican su hacer, tan entremezclado en música como en cine.

ERIC MEYER.- Países Bajos, 1957. Artista y cineasta, estudió música en los conservatorios de Hilversum y Arnheim, así como Bellas Artes en la Academie de Maastricht. Es miembro cofundador, así como director artístico de “INTRO / IN SITU” dos festivales en los que el “arte sonoro”, las exposiciones y los proyectos “site specific” conforman el núcleo central de su proponer. Además centra su atención en el cine, sea documental, sea de ficción. Sus películas han estado presentes en festivales tales como los de Rotterdam, Teherán, Singapur, Seúl, Utrecht, Ámsterdam, París, Bratislava, etc. Eric Meyer introdujo el muy peculiar hacer de Llorenç Barber en Holanda. De esta colaboración nació Grameer Concert, un city concert para la ciudad de Maastricht (1993), Bells and Boats (Groningen, 1996), o el Concierto SINODAL (1997), un proyecto para siete ciudades y radio sonando en simultaneidad, que nunca fue realizado.