TANNHÄUSER UND DER SÄNGERKRIEG AUF WARTBUR (Tannhäuser y el torneo de cantores de Wartburg) de RICHARD WAGNER en el TEATRO REAL de MADRID (Versión de París y de Dresde) Del 13 de marzo al 2 de abril de 2009 La función del día 17 será retransmitida en directo por Radio Clásica, de Radio Nacional de España

En la programación de Antonio Moral, se había incluido a Richard Wagner a lo largo de estos tres últimos años. La temporada pasada fue Tristán e Isolda, en ésta Tannhäuser y en el 2010 El holandés errante, que dirigirá Jesús López Cobos
 

Desde que se restauró el Real esta es la tercera vez que Tannhäuser acude a este coliseo. En 1998 fue la producción del cienasta Werner Herzog bajo la batuta de Hans Wallat (en otras reseñas es Christof Perick) – versión de Dresde (1845) - y en el 2002, la Deutche Staatsoper de Berlín con Harry Kupfer como director de escena y Daniel Barenboim como director musical, también la versión de Dresde aunque en el programa de manos e anunciaba la de París. En la etapa anterior el Teatro Real la llevó a escena en 71 ocasiones desde 1890 hasta 1921.

TANNHÄUSER (2002)

TANNHÄUSER
EL PRIMER WANGER DE LÓPEZ COBOS

La versión que nos llega la dirige Jesús López Cobos y éste será su tercer Wagner en el Teatro Real, ya que con anterioridad dirigió Lohengrin y Tristán e Isolda. Tannhäuser ocupa un lugar privilegiado en la vida de López Cobos pues al dirigirla, por vez primera, en 1978 fue nombrado Director Titular de la Ópera de Berlín

• Cuando llegué me pidieron dirigir ópera italiana. Después pasé a Mozart y vieron que me desenvolvía en el repertorio alemán. Entonces me encargaron en 1977 Tannhäuser y ello supuso mi nombramiento como Titular que duro 10 años, hasta 1990.

Para Antonio Moral – Director artístico del Teatro Real – Tannhäuser no es ópera fácil y la califica de…

• Una de las más exigentes de Wagner. Se requieren grandes cantantes y si no se tienen es mejor no montarla.

TANNHÄUSER ES UN PAPEL FASCINANTE
PARA CUALQUIER TENOR, TENGA VOZ O NO.

El tenor aleman Peter Seiffert es Tannhäuser en la versión que llega al Real y lo alterna con el heldentenor (tenor heroico, dramático) estadounidense Robert Gambill. Para Peter Seiffert

Tannhäuser es un papel fascinante para cualquier tenor, tenga voz o no. Posee muchas facetas. Entre ellas tres son muy claras: la primera es en el Venusberg, donde abunda la imaginación y la fantasía. Un segundo momento cuando quiere volver con sus amigos y volver a las tradiciones antiguas que le llenen de energía. Por último su ida y vuelta a Roma. Es, pues, un personaje con muchas personalidades dispares.

PETER SEIFFERT FOTO: JAVIER DEL REAL

En cuanto a la tesitura vocal no es Tannhäuser el más difícil.

• He cantado todos los grandes papeles de la ópera Wagneriana, menos Sigfrido, el cual no pienso cantar. De todos el que me resulta más difícil es Tristán. Tannhäuser me va más, pues lo puedo sentir y acercarme más a él. Tengo plena empatía con él. Pero no solamente en lo teórico, sino también en lo melódico.

VENUS Y ELISABETH
EL DESDOBLAMIENTO DE UN PERSONAJE

Los personajes femeninos son Venus y Elisabeth, que en algunos montajes interpreta la misma cantante. En esta versión son dos cantantes. En el primer reparto – este montaje cuenta con dos repartos –, la soprano Petra María Schnitzer encarna a Elisabeth, y la mezzosoprano Lioba Braun. En alternancia con ellas están, respectivamente, la soprano italiana Edith Haller y la soprano austríaca Anna-Katharina Behnke. Como aportación española está la joven soprano Sonia de Munck  en el papel de pastor.

GÜNTHER GROISSBÖCK PETRA MARIA SCHNITZER FOTO: JAVIER DEL REAL

TANNHÄUSER
EN CONTINUA REVISIÓN

De Tannhäuser hay dos versiones básicas. La de Dresde de 1845 y la posterior para París de 1861, a la que, entre otras añadiduras y revisiones se le insertó un Ballet tras la obertura. A lo largo de todos los años posteriores la revisión de esta ópera ha sido continua. La que llega al Teatro Real es una producción de Los Ángeles que combina la versión de París para el 1º Acto y la de Dresde para el acto 2º y 3º con una duración de 15 minutos más. 

El que Tannhäuser haya tenido varias versiones se debe según López Cobos a que…

… es una obra de transición en cuanto que utiliza estilos diferentes, pero también apunta caminos al Wagner más maduro. Es ópera que reescribió una y otra vez y para él era un hijo con problemas, y eso le da un encanto especial. Todavía sigue la estructura clásica de números cerrados, en la que la melodía adquiere una gran relevancia. Junto a esto investiga nuevos caminos, sobre todo en la versión de París, en donde amplia la escena de Venus y abundan acordes y atmósferas de gran sofistificación orquestal, que se adelantan a El anillo de los Nibelungos.

LIOBA BRAUN/PETER SEIFFERT FOTO: JAVIER DEL REAL

De las óperas wagnerianas el gran público, acepta mejor Tannhäuser que las otras. Según López Cobos eso se debe a que…

FOTO: JAVIER DEL REAL

…en esencia es una ópera muy lírica. Parte del universo de Gluck y participa de Bellini y Donizetti. Sin embargo ya se vislumbra el típico Wagner en el tercer acto, con el racconto de Tannhäuser cuando vuelve de Roma y cuenta a Wolfran su experiencia. Es la gran escena de la ópera y su momento más wagneriano. Por eso es ópera de transición: hay elementos muy dispares. Aquí un poco italiano, más adelante le sale la vena germánica. Son dos mundos que coexisten sin mezclarse del todo, como si fuera una lucha en el que se miden las fuerzas. Posteriormente Wagner se decantará por el teatro musical y esa será su gran aportación al mundo de la ópera.

ESTA ÓPERA TRATA DE PROBLEMAS
QUE NOS AFECTAN A TODOS

Ian Judge, vinculado desde 1975 a la Royal Shakespeare Company, está considerado como uno de los creadores más imaginativos y se ha movido en el teatro de prosa, musical y ópera. Él es el quien se encarga de la puesta en escena.

• Cualquiera de las ópera de Wagner es siempre un reto – advierte Ian Judge -, y aquí son las exigencias con el público con respecto a los aspectos eróticos, exóticos y dramáticos. Esta ópera trata de problemas que nos afectan a todos: la tirantez entre la parte erótica y la de la pureza. Hay que aprovechar lo erótico al máximo, pero también la pureza. Todo esto ocurre en 1845, pero hoy en día también, lo cual es bastante chocante. Cuanto más fuerte es lo erótico, esta energía se traspasa al fervor religioso en el final y lo mantiene fuerte.

El erotismo del que hablan Ian Judge aquí se refleja en el Venusberg, que traslada a un burdel un tanto subido de tono a nivel visual.

Cuando pienso en una producción de ópera - precisa Ian Judge -, tengo en cuenta cuándo se escribió, dónde se sitúa y nuestra época. En este caso la historiase desarrolla en el medioevo, se escribe en la época de Wagner y la concibo en la nuestra. Hay que buscar un equilibrio entre estos tres aspectos. Me pareció importante una estética contemporánea, pero con un vestuario nada realista, pues no nos podemos imaginar a Venus con el abrigo corriendo a coger el autobús.

FOTO: JAVIER DEL REAL

La historia medieval viene transportada la época victoriana. La razón de este relativo acercamiento a la contemporaneidad se debe, según Ian Judge:

Es muy difícil abordar cualquier cosa que sucede en el medioevo del s. XIV, pues es una época de pesadilla. Más interesante me ha resultado la época victoriana y eso es lo que se ve y se escucha. Refrescamos lo musical con lo visual para que se disfrute. No quiero causar disgusto al público y se aburra. Mi propuesta es que el espectáculo sea válido para el que va por primera vez y para el que se lo sabe todo.

FOTO: JAVIER DEL REAL

Para Ian Judge le movimiento en la escena es punto crucial.

• Importa el aspecto físico en una puesta en escena. Los cantantes que se quedan quietos son tristes. Tienen que poder tener la libertad de moverse. En esta época ya no tiene ningún sentido que el coro sea estático y se arremoline alrededor de la soprano. El movimiento del coro debe crear la necesidad de la música y no moverse con ella. Por los movimientos que hacen piden la música.

El proceso, pues, del movimiento es como si la partitura se escribiera tras la acción prevista, algo que el compositor en su creación primera concibe.  

FOTO: JAVIER DEL REAL

ROJO, BLANCO Y VERDE

Rojo, blanco y verde no son los títulos de la película de blanco, azul, rojo de Krzysztof Kieślowski, sino las fases coloristas por la que pasa la acción dramática de Tannhäuser.

• En el mundo teatral – aclara Ian Judge -, el color representa la pasión. Así pues en esta versión el rojo es para Venus que se identifica con la pasión. La parte básica es el negro, pero no es triste. Para las montañas pasamos del calor al frío. Cae la nieve. El blanco es la promesa de la pureza. En el segundo acto, en los vestuarios, se combina el blanco y el negro, por ser más elegante y más ”chic”. Aquí es muy importante el coro con ese blanco y negro y representa a una sociedad muy sofisticada y arrogante. Por fin en el último acto está el Verde que es el color de la esperanza, de la promesa, de la vida nueva.

UN LIBRETO DIFICIL DE DIGERIR
EN LA ÉPOCAACTUAL

El libreto es del propio Wagner mezclando tres leyendas medievalistas. Hoy resulta de difícil digestión este proceso: pecador sexual, arrepentimiento no concedido y redención por amor.

• El libreto sigue el modo de vivir la religión en el siglo XIX – responde López Cobos – y participa del espíritu de entonces. No está ausente cierta dosis de anticlericalismo, muy propio de la época. Esta dicotomía entre amor humano, encarnado en Venus, y amor ideal, en Elisabeth, es una discusión muy en boga en el siglo XIX. Esta misma dicotomía se refleja en su música y en el texto: lo lírico es ritmado y lo dramático tiene verso libre. 

Título: Tannhäuser und der Sängerkrieg auf Wartbur (Tannhäuser y el torneo de cantores de Wartburg) (Gran ópera romántica en tres actos) Libreto y música: Richard Wagner (1813-1883) Estrenada en el Teatro Real de la Corte de Sajonia de Dresde el 19 de octubre de 1845 Versión: Edición de Dresde (1845) y París (1861) Escenógrafo y figurinista: Gottfried Pilz Iluminador: Mark Doubleday* Escenografía y utilería: Los Angeles Opera Company Vestuario: Los Angeles Opera Company, Teatro Real y Sastrería Cornejo Calzado, pelucas y caracterización: Teatro Real Producción de la Ópera de Los Angeles Edición musical: (Versión de Dresde y París) Breitkopf & Härtel Musikverlag Editores y Propietarios Coro y Orquesta Titular Del Teatro Real Figuración: Borja Alonso, Arnaud Bertrand, Vanessa Calderón, Ricardo Castro, Oiga Cervera, Javier Espada, Silvia De Esteban, Eugenia García, Marta García, Geraldine Leloutre, Silvina Mañanes, Manu Mencía Calvo, Nacho Rodríguez, Merche Romero, Yolanda Serrano, Beatriz Silva, Javier Toca, José Antonio Torres, Igor Tsvetkov, Álvar Zarco Intérpretes: Günther Groissböck* (Landgrave Hermann),Peter Seiffert (13, 17, 21, 25, 29. Abril 2) /Robert Gambill (15, 19, 23, 27)  (Tannhäuser), Christian Gerhaher* (13, 17, 21, 25, 29. Abr. 2)/ Roman Trekel (15, 19, 23, 27) (Wolfram von Eschenbach), Stephan Rügamer (Walther von der Vogelweide), Felipe Bou (Biterolf ), Joan Cabero (Heinrich der Schreiber), Johann Tilli (Reinmar von Zweter), Petra Maria Schnitzer (13, 17, 21, 25, 29. Abr. 2) /Edith Haller*(15, 19, 23, 27) (Elisabeth), Lioba Braun (13, 17, 21, 25, 29. Abril. 2)/Anna-Katherina Behnke(15, 19, 23, 27) Venus, Sonia de Munck (Un pastor), Rosa Mª Caballero/ Gloriana Casero/ Mayte Yerro/ Dolores Coll (Cuatro pajes) Director del coro: Peter Burian Director de escena: Ian Judge* Director musical: Jesús López Cobos Duración aproximada: Acto I: 1 hora y 20 min./Pausa de 25 min./ Acto II: 1 hora y 5 min./Pausa de 25 min./ Acto III: 52 min. Estreno en Madrid: Teatro Real, 13 – III- 2009

FOTOS: JAVIER DEL REAL