FRONTISPICIO DE LA EDICION
VENECIANA DE L’ ORFEO
(1609)

L’Orfeo – estrenado en el Palacio Ducal de Mantua en 24 de febrero de 1607 - de Claudio Monteverdi iniciaba el 13 de Mayo el ciclo Monteverdi compuesto por una trilogía: L’Orfeo, Il ritorno d’Ulisse in patria (1640) y L’incoronazione di Poppea (1643).

Con este Orfeo ya se asienta cátedra en lo que respecta a la transmisión vía digital en Alta Definición en las 27 salas comerciales cinematográficas Yelmo, Cines y Cinesa en España y 53 en Europa, y cuyo programa piloto se experimentó la temporada pasada en julio con Madama Butterfly en los cines Kinépolis de Madrid. Se sigue también con la retransmisión el día 23 de mayo en la Plaza de Oriente en la pantalla grande.

• …Se trata de un proyecto ambicioso e importante para cualquier teatro de ópera moderno que se aprecie. Al llegar a esta casa – el Real -, pensé en este proyecto, pues soy “fan” de la obra de Monteverdi, que a pesar de que ya han pasado 400 años, mantiene una modernidad absoluta, aunque ha sido poco representado. Il ritorno di Ulisse in patria será representado en el Real la temporada siguiente 2008 -2009 y es la primera vez que se representa en España, que junto con L’incoronazione di Poppea en el 2009-2010, corona la trilogía monteverdiana.

William Christie (19/12/1944, Búfalo, Nueva York) ya vino por España al Teatro de la Zarzuela en 1987 con la ópera Atys de Lully y Pier Luigi Pizzi (Milán), es un asiduo en el Real (*).

Para Pizzi, este es su tercer Orfeo.

• Dirigí dos versiones – precisa Pizzi – La primera fue con Luciano Berio (**), (1925 – 2003) que era un compositor y director italiano clásico y de vanguardia. Aquel Orfeo se interpretó con instrumentos modernos – instrumentos electrónicos -, aunque fue muy fiel a Monteverdi. La segunda fue en Atenas.

• Este es un momento muy importante en mi vida, pues después de 30 años me junto con mi gran colega Pizzi. Aunque hay muchos directores de escena, no es frecuente encontrar uno con la sensibilidad y cultura para una ópera barroca. Todos vosotros sois capaces de sentir si funciona o no la colaboración entre el foso de la orquesta y el escenario, en cualquier ópera. Aquí se junta música con teatro, vestuario, puesta en escena y cuando todo  funciona bien surge una ópera maravillosa. No voy a centrarme cuando ocurre lo opuesto, pero hay muchos casos en los que la parte musical llega muy tarde, cuando la puesta en escena ya está concebida y se siente que no hay relación entre el foso y el escenario. Es muy necesaria la colaboración conjunta para que no sea estúpido el resultado.

Pier Luigi Pizzi, habituado al modo de trabajar en el Real pondera el que

• …Antonio Moral haya construido este proyecto y me haya dado la oportunidad de encontrarme con un gran amigo como es William. Con este Orfeo son ya tres títulos importantes los que he compartido con William: La Pasión según Bach – 1984-85  -, primero en el teatro de La Fenice de Venecia y después en los Campos Elíseos de París.

• Es una obra rara – confiesa Pizzi -, pero fue un gran placer intelectual ante todo. Adoro trabajar con William, no sólo por ser un artista y puedes hablar de todo con él, sino porque con él, el teatro surge de forma espontánea y no pensamos que lo que hacemos  es el Verbo, es decir la única forma de hacerlo, sino que trabajamos en comunión espiritual total. Sobre todo cuando abordamos Monteverdi. Es la más perfecta idea de la obra, pues todo está tratado con una economía absoluta y hay un gran equilibrio entre la música, canto, verso y situaciones. Todo está calibrado. Es una alquimia perfecta, ya antes de empezar los ensayos y sirve para seguir los ensayos musicales de Christie que ayudan a ver el nacimiento del proyecto: la relación con los cantantes, con el coro y con el bajo continuo con el que se trabaja desde el primer día.

Los ensayos han contado a veces con doce horas de trabaja que Pizzi confiesa le han cansado muchísimo pero que…

• …estoy encantado y no veo la hora de que lleguen los ensayos de Il ritorno d’Ulisse in patria. Echo de menos que Monteverdi no hay hecho una Tetralogía como Wagner - El oro del Rin (Das Rheingold), La valquiria (Die Walküre), Sigfrido (Siegfried), El ocaso de los dioses (Götterdämmerung.

ANTONIO ABETE
FOTO: JAVIER DEL REAL

• …una versión muy auténtica reproduciendo lo que Monteverdi hizo hace 400 años. No creo, por otra parte, que se deba hacer. Cada generación redescubre a los grandes autores. No sabemos cómo se tocaba, por ejemplo, Mozart, pero sí que se ha hecho de muchas maneras. En el caso de Monteverdi es más complicado porque tiene 400 años encima. Es mucho tiempo. Lo importante es presentar la función bien informados. Esto, par mí, es clave pues me permite establecer los límites del conjunto. Tiene que incluir todos los elementos esenciales que me permite un diálogo fluido con todos los colegas.

• Es el primer elemento. Ella nos acerca mucho al compositor. En este caso la tenemos porque fue publicada en 1907 – la primera publicación fue en Venecia en 1609, dos años después de su estreno. Nos informa de muchas cosas: personajes, cuántos son y quienes, qué instrumentos se utilizaron. Con esta información respetamos el original, aunque no sea totalmente el original. Por ejemplo Mozart cogió El Mesías de Hendel y lo hizo a su manera. No es Hendel propiamente, sino Mozart-Hendel.

• Hace años tuve una discusión con Pierre Boulé. Pierre no creía en los instrumentos antiguos. Creía en la evolución de cada cosa y con ello se va a mejor. Entonces yo le dije. Supongamos que dentro de 50 años se hace otra versión y se toca con sintetizador. “¿Es mejor que la interpretada por una orquesta como las de ahora? ”. No me contestó. La partitura marca los parámetros de lo que tenemos que incluir en la obra. Funciona muy bien porque dentro de unos años cada uno puede expresar su personalidad, pero dentro de los límites marcados. Esta es la belleza de la música barroca. Permite un gran sentido de libertad expresiva desde el punto de vista artístico. Esto a su vez permite al cantarla, que los músicos y el público puedan disfrutar de un abanico muy amplio.

• Está concebido no para un teatro sino para un palacio en un espacio pequeño, en el cual espectadores, músicos y cantantes pertenecían a la misma clase social y participaban todos. Lástima no tenerlo ahora y no poder reproducirlo tal cual. Sólo podemos evocarlo.

• La primera parte es una gran fiesta – precisa Pizzi – y la segunda es más dramática. En la primera parte está el Himno al amor, al placer…, lo propio del Renacimiento. En cambio en la segunda parte hay un corte seco y comienza el descenso al infierno, que no es un infierno de llamas, de cadenas y demás. No es tampoco Dante. Comienza el “smarrimento” – el extravío, pérdida, turbación -, que podría traducirse como el vacío interior del alma. Es lo que más me gusta. Es el Hades (***) de los antiguos o el lugar de los Campos Elíseos – lugar de los muertos -, un lugar de paz, pero vacío y de soledad. Orfeo comienza su gran aria en el presente. Ruega a los del Infierno que le dejen ir en busca de su amada. Son 20 minutos de “smarrimento”, de ese vacío interior y soledad, que no   está como presente en las óperas. Representa, pues algo muy moderno. No es una historia como si pasase hoy, pero sí hace reflexiones actuales. Hoy esta obra sigue siendo de una modernidad desconcertante. No solamente nos produce una admiración, sino que nos deja estupefactos.

• …la evocación de una época y, para nosotros, la génesis de esta obra que después pasa a una parte más dramática y queda despojada de todo. Los músicos, primero van vestido de época. Hay toda una referencia a un teatro barroco. Por ejemplo Apolo que viene a ser el Deus ex machina, llega con traje de su época, a pesar de todas las pinturas de Caravaggio. Nosotros tenemos un Apolo que no puede llegar marcando el “paquete” de la época frente a un Orfeo que en la segunda parte se presenta como un hombre de hoy y en el que podemos reconocernos.

En la segunda parte actores y músicos visten traje actual, casi de uniforme. Pantalón negro y camisa negra en ellos y traje corto negro en ellas.

• Al final –añade Pizzi – volvemos a la fiesta. Una fiesta liberatoria. Una fiesta de todos. Una fiesta del teatro. Me gustaría que todo el público subiera al escenario. Tenemos escaleritas, ¿por qué no aprovecharlas? Solistas, que son los protagonistas de la velada, y la gente unidos para manifestar la gratitud a Dios y al arte. Sería un acontecimiento máximo esto de hacer subir al público y, por supuesto, a los críticos también.

MARÍA GRAZIA SCHIAVO/
DIETRICH  HENSCHEL
FOTO: JAVIER DEL REAL