ROMEO Y JULIETA PIZZERIA DE AMOR Y MUERTE UN SHAKESPEARE VIVO   El teatro, en el Festival de Otoño, el 12 de octubre se abría con un Romeo y Julieta – Lituano - en el Teatro de la Abadía y un Lluvia en el Raval -Argentino -, en la Sala Cuarta Pared. Comenzaba fuerte.

Título: Romeo y Julieta Autor: William Shakespeare Escenografía: Jurate Paulekaite Música original: Antanas Jasenkar Coreografía: Vesta Grabstaite, Oskaras Korsunovas Vestuario: Jolanta Rimkuté Iluminación: Eugenijus Sabaliauskas Ay. Dirección: Leonidas Donskis Intérpretes: Gytis Ivanauskas o Giedrius Savickas (Romeo), Rasa Samuolyte, Rasa Samiolyte o Rasa Marazaite (Julieta), Dainius Kazlauskas (Mercurio), Saulius Mykolaitis o Tomas Zaibus (Benvoli), Remigijus Bilinskas o Dainius Kazlauskas (Montesc), Vaidotas Martinaitis (Capuleto), Dalia Micheleviciute (Lady Capuleto), Egle Mikulionyte (Nodriza), Vesta Grabstaite (Lady Montesco), Remigijus Vilkaitis, Darius Gumauskas (Teobaldo), Arunas Sakalauskas o Audrius Nakas (Princep Escalo, apotecari), Darius Gavenonis (Paris), Pytis Saladzius (Pere), Remigijus Vilkaitis (Fray Lorenzo). Dirección: Oskaras Korsunovas Idioma: lituano con sobretítulos Duración aproximada: 3 horas y 10 minutos (con intermedio) Estreno en Madrid: Teatro de la Abadía, 12 – X - 2006.

FOTOS: D. MATVEJEV

Oskaras Korsunovas (Vilnius, 1969), desde sus comienzos su poética como director de teatro fue clara: no seguir los dictámenes del teatro al uso en Lituania. A partir de ahí sus dramaturgias fueron novedosas y su interés especial consistió en encontrar su modo particular de relacionarse con el público. A lo largo de los años consiguió una compañía estable que actualmente suma 15 actores y un estilo propio. Este Romeo y Julieta de Shakespeare es fiel a los principios del grupo.
 

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La contienda de Montescos y Capuletos la ha trasportado al siglo XX – por la moda hacia los años cincuenta – y, en vez de pasarnos a una burguesía o nobleza de la época nos centra la vida de las dos familias en una pizzería de Verona. Las dos cocinas, la masa y la harina serán elemento fundamental a lo largo de toda la representación. Después, está la construcción de los tipos, muy italianos ellos y con un apunte mafioso, en algunos. El Duque de Verona es también un personaje, por encima del bien y del mal, que recuerda “il capo” de otra estructura más amplia. En el tratamiento de los personajes hay guiños a los de las comedias de Eduardo de Fillipo, al los del cine de comedia italiana y a los del cine cómico en el que las peleas – grotescas – y el lanzamiento de tartas eran la delicia del espectador.

Parten de un ingenioso arranque. Las cocinas metálicas como retablo – concebidas figurativamente, pero de trazos sustanciales – y las dos familias alineadas y enfrentadas (una a la derecha y otra a la izquierda), mantienen estoicamente sus miradas silenciosas y desafiantes, un buen rato, hacia el espectador. Son miradas prepotentes que crean un clima de expectación hasta que el silencio de los espectadores se convierta en una cierta risita nerviosa. Tras este impas efectista los personajes, con agilidad, ocupan sus territorios laborales.

Pronto comienza la disputa. Los Montescos y Capuletos de Shakespeare luchaban a estoque en la plaza. Aquí la batalla se ayuda con los elementos que tienen al alcance: cazos y de más artilugios de cocina, así como la propia masa que se yergue desafiante para ver quién es más macho. Para ello la masa toma gigantescas formas de los atributos masculinos que ostentan orgullosos, hasta que se castran mutuamente con el cuchillo. Se trata de un divertido e ingenioso prólogo, émulo del más divertido cine cómico de tartas y mamporrazos. El espectador lo vive con humor y diversión, pero en los personajes comienza el odio, gestor de la futura tragedia.
 

La adaptación al siglo XX no es gratuita. Todos los personajes se nos hacen más creíbles y cercanos. Alejado de cánones románticos y declamatorios, Romeo y Julieta no son dos pazguatos obnubilados por el amor, sino dos seres muy vitales. El amor lírico se hace más carnal y las pasiones de todos, también. Odio, amor y tragedia están endulzados – no suavizados – por el humor, que se encarga de que el amor no llegue a empalagar o el drama no degenere en el melodrama. Esta traslación visual a la modernidad no incluye la transformación de la palabra original de Shakespeare. Ella sigue existiendo con las metáforas y ritmos sonoros. Es en Lituano, por lo tanto incomprensible en cuanto al idioma, pero los sobretítulos – imagino fieles a lo que los actores recitan – traducen el exquisito lenguaje de Shakespeare en vocablos y términos originales. Descubrimos que la palabra de Shakespeare es exquisita. Se puede intuir, por la entonación, que los actores no llevan su recitación por el lado romántico, como muchas veces se ha concebido. Da la sensación de que la llevan a un terreno más coloquial. No obstante, la poesía de Shakespeare no padece.

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El Oskaras Korsunovas Theatre (OKT) (1998), es compañía estable y se comporta como tal. Hay una labor de conjunto que muestra una gran unidad expresiva y la composición magistral de tipos y personajes. Sin irreverencia o menosprecio a la palabra escrita, consigue que el aspecto visual complete, potencie y llene de vida a un texto que a veces se recita cansinamente. Emplea con sentido dramático y narrativo el mundo de los objetos y el espacio escénico. Nada es gratuito. Sabe combinar el humor con la tragedia, el realismo con el lirismo. Volviendo a la masa y la harina, estos son un feliz hallazgo como metáfora de vida y muerte. En muchas culturas el elemento vital es la harina – sea de trigo o maíz. En la cultura cristiana el cuerpo de Cristo se presenta bajo las especies de pan y es alimento de vida eterna (la Eucaristía). No es casual el que Oskaras recurre metafóricamente a este alimento, para indicar el motor de la vida.

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El Romeo y Julieta de OKT, un Shakespeare vivo.