EL VIAJE A  SIMORGH
NUEVO MODO DE CONCEBIR LA ÓPERA

Título: El viaje a Simorgh Música: José María Sánchez-Verdú Libreto del compositor: José María Sánchez-Verdú (libre adaptación de Las virtudes del pájaro solitario de Juan Goytisolo) Escenógrafo y Figurinista: Frederic Amat Coreógrafo: Cesc Gelabert Iluminador: Vinicio Cheli Director del coro: Jordi Casas Bayer Ayudante del director de escena: Marco Carniti Ayudante del escenógrafo: Roger Orra Ayudante de la figurinista: Vitoriano Simón Ayudante del coreógrafo: Toni Jodar Maestros repetidores: Patricia Barton, Ricardo Bini, Mack Sawyer Realización de Escenografía: PQC Lúdica, May Servicios para Espectáculos S.L., Taller d'Escenografía Jordi Castells. Realización de Vestuario: Sastreria Cornejo, Teatro Real Utilería, caracterización y calzado: Teatro Real Tocados: Hortensia (Pasión Turca) Audiovisuales: IKONICCarts.com, Daniel Molina y pere Gifre, Frederic Amat Proyectores: Lunatus Músicos solistas: Ara Malikian (violinista), Viviana González/Ruth Robles/Jorge Miró (Violas de Gamba), Andrés Gomis Mora (Saxofonista) Electrónica en vivo: Experimentalstudio für akustisehe Kunst e.V., Freiburg (Gregorio García Karman, Joachim Haas, realización electrónica y proyección de sonido. Hendrik Manook, Michael Silberhorn, proyección de sonido) Danza: Compañía Gelabert-Azzopardi Companya de Dansa Directores artístiscos danza: Cesc Gelabert – Lydia Azzopardi Bailarines: Carlos Fernández, Cesce Gelabert, Emma lewis, Noelia Liñana, Maureen López, leslie millard, Caliope Paniagua, Alberto Pineda. Otros bailarines: Far Alonso, Pedro Aunión, Leticia Castro, Paloma Díaz, Sharon Fridman, Henar Fuentetaja, Remi Miguel, Yara Paz Núñez, Laura Ramos, Toni lrene Vázquez Taboada Figurantes: Alejandro Abreu, Pascual Belastegui, Ricardo Castro, Cobián Olmo Creste, Bernabé Fernández, Víctor Garda, Javier Gómez, Antonio Gómiz, Jack Jamison, Ramon Linaza, Oswaldo Martin, Félix Martinez, Manuel Menda, Sara Moros, Carlos Patiño, Tony Rubet Coro y Orquesta Titular del teatro Real Coro y Orquesta Sinónica de Madrid Nueva Producción del Teatro Real Edición musical: Breitkopf εt Härtel, Wiesbaden (Alemania) Intérpretes: Dietrieh Hensehel* (mayo 4,7,10,12,15,17)/ Lucas Meachem* (mayo 6,9,13)(Amado), Ofelia Sala (mayo 4,6,7,9,10,12)/ Ksenija Lukic * (Mayo 13,15,17)(Amada), Carlos Mena (El/ La Sminarista), José Manuel Zapata(Archimandrita), Mareel Péres* (Ben Sida), Jesús Castejón* (Don Blas), Paola Dominguín* ( La Muerte), Josep Ribot (Joven Señor Mayor), Celia Alcedo* (Doña Urraca), Itxaro Mentxaka ( La Doña), Oswaldo Martín (Kirguis), Sara Moros (Camarera), Cese Gelabert (bailarín)/ Ara Malikian (violinista) (Pájaro Solitario) Director de escena: Frederic Amat Director musical: Jesús López cobos Duración aproximada: 1 hora  55 minutos Estreno absoluto en Madrid: Teatro Real, 4 – V – 2007

CESC GELABERT PAOLA DOMINGUÍN FOTOS: JAVIER DEL REAL

El Viaje a Simorgh es ópera toda ella atípica, dentro de lo que el personal medio entiende por ópera. Entre el público hubo de todo: fervientes y reticentes. Ninguno destructivo. El respeto hacia lo nuevo o lo no habitual puede decirse que ha sido la tónica receptiva.
 

FOTO: JAVIER DEL REAL

El Teatro Real ha apostado por una producción nueva en todos los aspectos: argumentalmente, musicalmente, vocalmente, escenográficamente  y escénicamente. Responsables de cada una de estas secciones son Juan Goytisolo (el “libreto” parte de su novela Las virtudes del pájaro espino); el compositor José María Sánchez-Verdú, y el pintor escenógrafo Frederic Amat, que también se ocupa de la dirección de escena.

Llama poderosamente la atención la partitura musical de Sánchez-Verdú. De él se tenían noticias desde Berlín, Munich y Lucerna pero nunca había estrenado en España. Aquí se le ha dado carta blanca y tal generosidad la ha puesto en  práctica. Da la sensación de que no se ha visto obligado a hacer concesiones. No le hace ascos a ningún estilo, ninguna cultura musical, y a ningún instrumento. Echa mano de lo que necesita en cada momento y ahora recurre a los instrumentos de la orquesta tradicional, ahora a la electrónica en vivo o al canto sufí. Lo más asombroso es que da muestras de un gran dominio musical en cada una de las áreas. Posiblemente la música es lo que más llama la atención y lo más satisfactorio. Es una música que roza lo abstracto en muchas ocasiones, lo cual no podía ser de otro modo para un libreto que no trata de narrar una historia al uso, sino de introyectarse en la vida humana y emprender un recorrido anímico en que las emociones  son protagonistas. Estados de ánimo del ser humano que tiene que enfrentarse con el flujo, a veces hostil, de culturas intransigentes.

Sanchez-Verdú no solamente construye una partitura para ser interpretada por instrumentos tradicionales, sean de la orquesta sinfónica o de la música popular, sino que al instrumento de siempre le arranca nuevas y espectacularidades sonoras acordes con la exposición narrativa.

Estamos habituados a que la ópera sea también canto en sus diversas modalidades de estilo. No solamente el belcantismo.  Aquí, el canto es totalmente opuesto al belcantismo. Es más, Sánchez-Verdú ha manifestado en alguna ocasión lo ridículo que le resultan ciertas florituras de los/las cantantes.  Ha buscado, para esta ocasión, cantantes que están en gran comunión con él. La voz recorre una amplia gama: lo aparentemente hablado, el canto sufí, lo culto, lo medieval y lo experimental. Y para ello ha buscado las voces originales de tales estilos, como es el caso de Marcel Pérès. Me explico: Tradicionalmente cuando las óperas, zarzuelas y demás expresiones líricas concebían un personaje de unas determinadas características folklóricas, el folklorismo de su cante se estilizaba a través del mundo lírico. Piénsese, por ejemplo, en la voz del fuego fatuo en El amor Brujo de Manuel de Falla – en alguna versión lo ha cantado una voz de coloratura original como fue el caso de Rocío Jurado -, que siempre la han cantado las mezzosopranos aportándole al “cante”  originario la peculiaridad de la escuela lírica. Sanchéz-Verdú parece no entrar en ese juego y echa mano de las voces aptas para cada personaje y situaciones. Ello proporciona mayor credibilidad al conjunto. Es, pues, una revolución dentro del mundo de la lírica tradicional.

JOSEP RIBOT/MARCELPÉRÈS FOTO: JAVIER DEL REAL

Con el tipo de vocalización que crea el compositor, imagino, que los cantantes no lo tienen fácil, pero salen bien parados. Destacan todos cada uno en su registro: el  contratenor Carlos Mena; Marcel Pérès (medievalista); el Amado y la Amada Dietrich Henschel y Ofelia Sala (otro reparto es Lucas Meachen/Ksenia Lukic) y el tenor José Manuel Zapata.  Este aspecto “canoro” es, tal vez, lo que más desconcierte a un público habituado a escuchar “melodías” o gorgoritos en la ópera tradicional. 

A medida que avanza la historia, la voz pierde protagonismo en favor de la música. Ésta termina siendo el centro y es cuando más invade la danza en el espectáculo. Este uso de uno u otro medio expresivo hace que Sánchez-Verdú no ponga en el centro de su obra el canto. En cada momento elige el elemento musical, plástico o de danza según convenga.

DIETRICH HENSCHEL FOTO: J. DEL REAL

Música y canto están, pues, al servicio de un libreto que bebe de Goytisolo, el Cantar de los Cantares, y los místicos cristianos. En medio de un mundo turbulento, atacado por la intransigencia, el amado y la amada emprende el camino del encuentro. Lo que podríamos llamar línea argumental, a veces resulta confusa y como fragmentada para quien no posea una cierta cultura histórica, lo cual le lleva a la complejidad de contenido. La presentación del tema en el programa de mano y la descripción de los acontecimientos de las diversas escenas, orienta al espectador, lo cual no impide que navegue en medio de un cierto oleaje. Frederic Amat  se ha encargado de crear el espacio escénico. Sencillamente apabullante bajo muchos aspectos, hasta el  punto de que está en el límite de convertirse en el verdadero      protagonista, haciendo palidecer otros aspectos de la ópera. El arranque y el final con la escalera de caracol hacia las alturas y  la impactante música es de una gran teatralidad en el mejor sentido de la palabra. Se ha conseguido también un buen ritmo en los cambios escenográficos. Completa la plástica un fantasioso y evocador vestuario, así como una iluminación muy expresiva.

En esta línea de modernidad las coreografías se las han encargado a Cesc Gelabert. Con ellas también se intenta seguir narrando y no son mero adorno. Están llenas de creatividad. No obstante, a veces, rompen la continuidad dramática.

La combinación de música orquestal y electrónica en vivo no resulta fácil, ya que no todo viene controlado por un único director, en este caso Jesús López Cobos. Sin embargo la combinación de ambas se logra perfectamente y también para el oído del espectador. El público se mantuvo discreto y no se ocultaba en él cierto desconcierto, incluso el habituado a la llamada ópera moderna, que en realidad ya es de los primeros años del siglo XX. Lo que ha compuesto Sánchez-Verdu va más allá. No se trata simplemente una música para un libreto, previamente escrito, sino que más bien parece que la génesis de argumento y música se ha ido entreverando, como se ha ido entreverando la concepción escénica de F. Amat y la novela de Juan Goytisolo. De hecho algunos dibujos que ilustran la última edición de la novela Las virtudes del pájaro solitario, en la que se inspira la ópera, se agigantan para arropar las escenas operísticas.

FOTO: JAVIER DEL REAL