TEATRALIA ESPECTÁCULOS PARA EDAD MÍNIMA: 0, 6 MESES, 18 MESES, 2, 3, 4, 5, AÑOS Del 6 al 29 de marzo de 2008

EL ESPECTÁCULO

La compañia madrileña Aracaladanza - ganadora en 2008 de tres Premios Max de las Artes Escénicas por Pequeños Paraísos y reconocida por su compromiso con la imaginación y la calidad - nos acerca en esta ocasión Tac Tac, una pieza de danza contemporánea para bebés. Desde el escenario, las bailarinas acunan a los jóvenes espectadores con música y baile para, en palabras de la compañía, “robarles una sonrisa o arriesgarles al llanto, una respuesta emocional tan legítima como saludable”.

Después del éxito de Ana y el arco de colores (Mejor Espectáculo de Danza - FETEN 1998) y ¡Nada... Nada! (Premio Villa de Madrid a la Mejor Coreografía 2005), Enrique Cabrera - alma máter de la compañía y director del espectáculo - bucea en las necesidades y en el desarrollo sensorial de los más pequeños, consiguiendo una coreografía surgida del impacto del color, el ritmo, la música y el movimiento.

Todos los elementos de Tac Tac se han intervenido pedagógicamente para adaptarse a la mirada infantil: la ternura y la mirada alegre de las bailarinas es un vínculo universal que favorece la comunicación con los niños. No hay hilo conductor ni prejuicios. Pero sí hay texturas, aromas, luces, colores, música, estímulos y emociones. Emociones que provocan la sonrisa, que invitan a  saltar a escena, que convierten cada función en una aventura, una aventura marcada por el ritmo del corazón.

Autoría: Enrique Cabrera
Dirección: Enrique Cabrera
Interpretación: Carolina Arija Gallardo, Jimena Trueba Toca, Noelia Pérez Gil,
Raquel de la Plaza Húmera, Pili Abaurrea Zardoya
Diseño de escenografía: Elisa Sanz
Diseño de vestuario: Elisa Sanz
Música Original: Mariano Lozano P. Ramos
Diseño de iluminación: Pedro Yagüe
Diseño Gráfico: Marco Landwehr
Producción: Aracaladanza, S.L.
Técnico de iluminación: Lalo Gallego
Realización de escenografía: Proescen
Realización de vestuario: Petra Porter
Realización de atrezzo: Proescen
Subvencionado por la Comunidad de Madrid (Consejería de Cultura y Turismo) y el Ministerio de Cultura (INAEM). Con la colaboración del Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas.
Estreno en Alcobendas: Teatro Auditorio, diciembre de 2007 en el y presentado este año en el Mercat de les Flors de Barcelona
Duración aproximada: 25 minutos
www.aracaladanza.com

EL ESPECTÁCULO

Dos personas desconocidas. Tras ellas un espacio deshabitado, impersonal. ¿Qué ocurrirá cuando se encuentren? ¿Se gustarán? ¿Se harán amigos? En unos minutos, que son segundos, que es un trozo de tiempo... pueblan el lugar que les rodea. Lo llenan de luces y sombras, de reflejos irreales que son más verdad que sus propias manos y descubren progresivamente lo que ese lugar parecía ocultar.

Lalú es este espacio, es una mirada... es fugaz como un suspiro o un parpadeo. Desde la premiada compañía andaluza LaSal Teatro dicen: “nosotros lo hemos creado para que ellos lo imaginen”.

Lalú es uno de los últimos espectáculos de la autora, actriz y directora teatral granadina Julia Ruiz (El gran traje, Corduras y La vieja durmiente, entre otras muchas piezas). El escenario se llena de luces, de frágiles cristales que resultan en juegos de ilusionismo para poner a prueba los sentidos. Emociones y estímulos se convierten en regalos que invitan a los niños a participar de esta historia de amistad.

Autoría: César Guerra, Julia Ruiz
Dirección: Julia Ruiz
Interpretación: César Guerra, Julia Ruiz
Diseño de escenografía: Isa Soto, David Mola, César Guerra, Julia Ruiz
Diseño de vestuario: Laura León
Creación musical: Mariano Lozano-Platas
Diseño de iluminación: Tatiana Reverto, Antonio Regalado
Diseño gráfico: Fabiola Garrido
Realización de escenografía: César Guerra,Julia Ruiz
Realización de vestuario: Laura León
Subvencionado por la Junta de Andalucía.
Estreno en Gijón: FETEN, en febrero de 2008.
Duración aproximada: 30 minutos
www.lasalteatro.com

EL ESPECTÁCULO

FOTO: ELISABETH CARECCHIO

Al principio, un huevo. Después, una larva. Y al final... una mariposa. Al principio, unas insignificantes gotas de agua. Después, un brote verde lleno de vida. Al final, la más hermosa de las flores.

Sobre el escenario, un enorme globo, un contrabajo, burbujas, máquinas, una gran regadera, cientos de dominós, un alambre, una mariposa... Todo y todos juntos en un pequeño circo improvisado que enseñará a los más pequeños a desmontar la mecánica del mundo. Y también a hacerse preguntas. ¿Puede causar el batir de alas de una mariposa un cataclismo a kilómetros de distancia? ¿Es lo pequeño el origen de lo grande? Un espectáculo en el que los jóvenes espectadores comprenderán que 86 cm son muchos desde el punto de vista de una gota de pintura... y casi nada desde el punto de vista del universo.

Con 86 cm, Alice Laloy, reconocida mujer de teatro, artista asociada del Théâtre Jeune Public de Strasbourg y fundadora de la Compagnie s´appelle reviens en 2002, continúa su investigación estética y sonora sobre un teatro poético y no necesariamente narrativo en el que imágenes y música se construyen en directo.

La Compagnie s´appelle reviens experimenta, se divierte, llena el espacio de júbilo, enfrentando las grandes y las pequeñas cosas, apurando los acontecimientos, llevando a escena metáforas del movimiento eterno, de las transformaciones, de los efectos en cadena.

Autoría y dirección: Alice Laloy
Interpretación: Yann Nédélec, Eric Recordier, Boualem Bengueddach
Escenografía: Jane Joyet
Vestuario: Mariane Delayre
Creación musical: Eric Recordier
Iluminación: Gabriel Burnod
Técnico de luces: Boualem Bengueddach
Realización de escenografía: Jane Joyet
Realización de vestuario: Mariane Delayre
Fotografía: Elisabeth Carecchio
Director de gira: Boualem Bengueddach
Producción: Laure Felix
Subvencionado por la Ville de Strasbourg, el Conseil Régional d´Alsace, el Jeune Théâtre National, el Théâtre Jeune Public CDN d´Alsace, la Filature Scène Nationale de Mulhouse y l´Espace Périphérique.
Estreno en Francia: Théâtre Jeune Public de Strasbourg, marzo de 2008
Duración aproximada: 30 minutos
www.sappellereviens.com

EL ESPECTÁCULO

Las sorpresas son lo mejor del día. La mayor parte de las sorpresas aparecen de pronto, sin plan previo, sin esquema inicial. La mayor parte de las sorpresas simplemente se revelan, sin haber sido invocadas. Las más pequeñas sorpresas son las que proporcionan el placer más grande... Y luego, están esas desafortunadas y extrañas sorpresas que no le gustan a nadie... de esas, no hay ninguna en este espectáculo de la compañía austríaca Dschungel Wien.

Pero, ¿cómo suenan las sorpresas? ¿Hacen ruido? Entonces, ¿muchas sorpresas juntas podrían marcar el ritmo de una melodía?... Sobre el escenario, dos actores que son también bailarines y acróbatas atrapan al joven público en un mundo de movimientos y música. Todo es blanco a su alrededor y la expresividad física que demuestran cuenta más cosas que las palabras. Agua, luces y dos carretillas convertidas en mil instrumentos distintos completan esta pieza para los más pequeños.

El periódico Kronen Zeitung (Viena) describía así esta obra híbrida apenas un mes después de su estreno: “El león ruge, el público lo ignora. La serpiente sisea, el público se estremece: los niños tienen su propia percepción del miedo. Entre los pequeños, Stephen Rabl, el director artístico de Dschungel Wien, toma notas sin miedo. Sabe por qué el león no asusta y discute un cambio con los bailarines: La pieza puede cambiar en cualquier momento en función del lugar y las condiciones espaciales (...) Lo que no cambia nunca es la calidad: dos bailarines perfectos. Carretillas. Música de una cinta. Agua. Luces. Es realmente increíble lo que Stephen Rabl ha conjurado en escena...”.

Autoría y dirección: Stephen Rabl
Interpretación: Adrianna Cubides, Raul Maia, Matthias Jakisic
Vestuario: Meike Sasse
Creación musical: Matthias Jakisic
Iluminación: Stefan Enderle
Diseño de sonido: Stefan Enderle
Diseño gráfico: Stefan Enderle
Producción: Julia M. Tauber
Técnico de sonido y luces: Stefan Enderle
Estreno en Viena: 21 de diciembre de 2008
Duración aproximada: 50 minutos
www.dschungelwien.at

EL ESPECTÁCULO

Historias mínimas. Historias hechas con imágenes. Historias musicales de pequeño formato. Una obra de teatro que trata sobre ser pequeño en el mundo. Himmelsange (Canciones desde el cielo) es una pieza sencilla, luminosa y lírica que nace del esfuerzo de dos compañías danesas, Teater Refleksion y Teater My.

“Para los niños todo es nuevo, maravilloso y mágico” - afirma Bjarne Sandborg, director artístico de Teater Refleksion desde su fundación en 1990 - “Nuestro trabajo tiene su punto de partida en esta ingenua capacidad de asombro.

Como herramientas artísticas, utilizamos marionetas y objetos que cobran vida sobre el escenario y usamos también la paz y el silencio para componer las escenas como una unidad escénica, con la música como parte de la estructura narrativa”.

Por su parte, Mette Rosleff, actriz y directora artística de Teater My desde 2001, dice que “la capacidad de atención de los niños pequeños siempre me ha fascinado. Mirándoles desde el escenario me asombra lo receptivos que son, cómo absorben todo lo que ven. A menudo, soy su primera experiencia en el teatro y creo que es importante proporcionarles un remanso de paz en su ajetreada rutina diaria, ser una introducción a la poesía y la magia del teatro”.

Texto: Mette Rosleff
Idea y concepto: Teater Refleksion/ Teater My
Traducción: Vibeke Pagh Schultz
Dirección: Bjarne Sandborg
Interpretación: Mette Rosleff, Vibeke Pagh Schultz, Jakob Kirkegaard
Escenografía, marionetas y vestuario: Mariann Aagaard
Creación musical: Martin Vognsen
Iluminación: Jesper Hasseltoft
Sonido: Martin Vognsen
Diseño gráfico: Tanja Eijgendaal
Producción: Teater Refleksion / Teater My
Técnicos: Morten Meilvang Laursen, Vibeke Pagh Schultz
Subvencionado por el La Consejería de las Artes de Dinamarca y el Municipio de Aarhus, Dinamarca.
Estreno en Dinamarca: marzo de 2006, también en Estados Unidos (Broadway, Nueva York) y Japón, teniendo previstas funciones en Alemania, Escocia e Irlanda
Duración aproximada: 30 minutos
www.refleksion.dk

EL ESPECTÁCULO

Nathalie Cornille -coreógrafa e intérprete que conjuga en sus espectáculos danza, música, teatro y artes plásticas partió de las preguntas para la creación de Chouz (Zapatos). ¿Qué hay más cómodo que la ausencia de un zapato? ¿Qué hay más libre que un pie desnudo? ¿Qué más improbable que un zapato con el que no se pueda andar? ¿Qué más enojoso que un zapato que elige su propio destino sin consultarnos...?

En Chouz, la bailarina francesa se calza, se descalza y decide considerar este objeto como un compañero, darle vida y voz, historia y temperamento. Y sacarlo a pasear por un universo poblado de objetos naturalmente insólitos donde la ópera flirtea con el jazz, donde conviven sobriedad y desmesura. A la manera de las comedias musicales, este espectáculo es al mismo tiempo una danza de objetos, un objeto de danza y una invitación al cine de animación y al teatro. Chouz, comedia coreográfica para bailarina y zapatos sobre fondo blanco.

De Chouz, la crítica ha dicho que “Cornille consigue crear intriga, mantener el efecto sorpresa y cautivar al joven auditorio”.

Y al final, una última pregunta, ¿El zapato es solo un objeto? El pie de Cenicienta contestaría que un zapato ha cambiado su historia...

Autoría y dirección: Nathalie Cornille
Interpretación: Nathalie Cornille
Escenografía: Nathalie Cornille, Eric Blondeau
Atrezo: Eric Blondeau,Jean Pierre Douterluingne
Vestuario: Nell C.
Creación musical: Stephane Zuliani (Con músicas de Tchaïkovski,
Marilyn Monroe, The Mills Brothers y Kenny Burrel)
Iluminación: Eric Blondeau
Sonido: Stephane Zuliani
Diseño gráfico: Jérôme Cornille
Técnico de sonido y luces: Eric Blondeau
Realización de escenografía: Eric Blondeau
Realización de vestuario: Nell C.
Realización de atrezo: Eric Blondeau
Producción: Compagnie Nathelie Cornille Danse
Coproducción: Espace Georges Brassens de Saint Martin Boulogne, Culture Commune, Scène Nationale du bassin minier du Pas de Calais, La Ville de Tourcoing –Festival Tréteaux Jeune Public.
Subvencionado por la Region Nord Pas de Calais, Departement du Pas de Calais, Espace Culturel Georges Brassens, Saint Martin Boulogne, Festival Treteaux Jeune Public Tourcoing, Culture Communi Scene Nationale, du Bassin Minier du Pas de Calais.
Estreno en Francia: Festival Tréteaux Jeune Public de Tourcoing, en abril de 2008, Desde entonces, se ha presentado en distintos espacios franceses como el Studio Théâtre de Bethune, la Maison Folie de Villeneuve D´Ascq, el Espace Culturel George Brassens de Saint Martin Boulogne, el Palais du Littoral de Grande Synthe y el Festival l´Enfance de l´Art de Wattrelos.
Duración aproximada: 35 minutos
www.cienathaliecornille.com

EL ESPECTÁCULO

El Teatre de l´Home Dibuixat -que ya en esta edición de Teatralia ha presentado Mono Sapiens- toma como punto de partida para Piedra a piedra el libro homónimo del diseñador Isidro Ferrer (Premio Nacional de Diseño 2002).

De este espectáculo, la compañía valenciana dice haber jugado con las piedras “para contar la historia de un coleccionista que ve en ellas algo más que un simple elemento mineral. Guardadas y clasificadas en una maleta de madera repleta de cajones, las piedras aparecen ante la mirada del espectador creando en el interior de la maleta una pequeña escenografía. En manos del actor-manipulador, las piedras y objetos encontrados se transforman en pájaros y peces para adentrarnos en un universo donde surge el hombre-lata, un personaje títere singular que toma vida con su cuerpo oxidado. Él también recoge y guarda piedras, incluso se  alimenta de ellas. La proximidad de unos vecinos hombres-tronco curiosos, extrañados ante la actividad del hombre lata, da pie a una situación en la que aparecen brotes de rechazo e intolerancia ante lo desconocido. Al parecer, la actividad juguetona y creativa del vecino lata no es muy bien vista por sus semejantes...”.

De esta propuesta que pretende despertar la imaginación de los niños y las niñas a través de objetos inanimados, la crítica ha dicho: “Ahí está Tian Gombau jugando con piedras en un espectáculo muy bien diseñado y muy grato para los pequeños, con una tranquilidad, sosiego y serenidad con la que seduce y conduce a los niños reales y a los imaginarios, a los soñadores, por un pequeñísimo pero a la vez amplio horizonte de situaciones”

Autoría, dirección y traducción: Rosa Díez
Interpretación: Tian Gombau
Diseño de escenografía: Isa Soto
Diseño de vestuario: El Teatre de l´Home Dibuixat
Creación y dirección musical: Mariano Lozano-P
Diseño de iluminación: El Teatre de l´Home Dibuixat
Diseño gráfico: Juarez & Casanova
Producción: Tian Gombau
Distribución: Anna Navarro
Técnico de sonido e iluminación: Tian Gombau
Realización de escenografía: Isa Soto
Realización de vestuario: El Teatre de l´Home Dibuixat
Realización de atrezzo: Isa Soto
Subvencionado por Teatres de la Generalitat Valenciana.
Estreno en Gijón (España): FETEN 2008 (Gijón), festival en el que obtuvo el Premio al Mejor Espectáculo de Pequeño Formato
Duración aproximada: 30 minutos
www.homedibuxat.com

EL ESPECTÁCULO

¿Por qué estoy yo aquí? ¿Tú me quieres? ¿Y me vas a querer siempre? ¿Por qué la Luna es tan blanca? ¿Y la noche tan oscura? ¿Por qué hay estrellas en el fondo del mar? Si soy pequeño y la escuela grande, ¿por qué tengo que ir a la escuela? ¿Quién pensó los colores para que yo pinte? ¿Cuándo se acaban los sueños?

El equipo artístico de Teatro Paraíso Antzerkia parte de la base de que las explicaciones excesivamente realistas suelen ser ininteligibles para los niños. Por eso, en el proceso de creación de Kri Kra Kro se desarrollaron diversas sesiones de trabajo con psicopedagogos y expertos en infancia para alumbrar un espectáculo ajustado a la manera de entender el mundo de los más pequeños, a su sabiduría inocente y creativa.

Nuevas tecnologías audiovisuales sirven de apoyo para este proyecto global que integra distintas acciones en torno al tema “teatro, imágenes e infancia”. Sobre el escenario, preguntas e imágenes se dan la mano para esbozar poéticamente el mundo. Los protagonistas, Él y Ella, son los habitantes curiosos de un espacio poblado de visiones y sonidos.

Juegan juntos y transforman su universo hasta convertirlo en un lugar mágico, muy próximo a la mirada de los niños y a su particular imaginario. El espacio escénico se convierte en zona de juegos, en posibilidad para explorar el mundo y no sólo contemplarlo. Metáforas sencillas que ayudan a comprender la realidad, a mostrarla y dibujarla.

Imágenes que evocan el bosque, la ciudad, el museo... y construyen un poema teatral lleno de interrogantes.

Autoría: Rosa A. García, Charlotte Fallon
Dirección: Charlotte Fallon
Interpretación: Rosa A. García, Iñaki Alfaro
Escenografía y atrezo: Elisabeth Schnell
Vestuario: Elisabeth Schnell, Pilar López
Creación musical: Pablo Ibáñez Iribarria
Iluminación: Javier García
Técnico de sonido e iluminación: Javier García
Realización de escenografía: Carlos P. Donado
Realización de vestuario: Elisabeth Schnell
Realización de atrezo: Ana Fernández
Diseño de imágenes y creación de vídeo: Marc Cerfontaine
Producción: Teatro Paraíso
Subvencionado por el Gobierno Vasco y el INAEM.
Estreno en Vitoria Gasteiz: noviembre de 2008
Duración aproximada: 50 minutos
www.teatroparaiso.com

EL ESPECTÁCULO

¿Quién no conoce la historia del patito feo? ¿Quién no ha soñado con convertirse en alguien mejor? ¿Quién no se ha sentido diferente alguna vez?

Los italianos del Teatro delle Briciole revisitan el clásico de H.C. Andersen en una versión que rebosa humor y fantasía. Il brutto anatroccolo (El patito feo) queda así convertida en una representación llena de júbilo que cuenta en realidad una historia muy seria, una fábula sobre la singularidad, la exclusión y la superación.

Sobre el escenario hay un país de hielo, una casa de madera, un reloj de cuco. Y tres personajes singulares: el Señor Hans y sus dos asistentes, el Señor Tric y la Señora Trac. Juntos, nos acercan las aventuras del patito, aventuras que crecen como pequeñas semillas expuestas al sol, el viento y la lluvia.

El espacio se llena de colores y la atmósfera parece imitar las pinturas del sueco Carl Lasson. En el suelo, una alfombra de colores delimita las fronteras de la historia; en el techo, brillan los instrumentos y la luz tenue de los candelabros. La ambientación consigue recrear la pregunta que late en el fondo del cuento ¿nos quedamos en el nido, tan blando y seguro, o emprendemos nuestro propio camino?

Desde que se estrenó ha conectado con el corazón de cientos de niños. La autora Marina Allegri y el director Maurizio Berzini esperan que esta pieza inspire a los pequeños en el “sueño de ser aceptados por lo que son y no por lo que deberían ser”.

Autoría: Marina Allegri
Dirección: Maurizio Bercini
Interpretación: Elena Gaffuri, Claudio Guain, Piergiorgio Gallicani
Escenografía: Maurizio Bercini
Vestuario: Patrizia Caggiati
Iluminación: Christian Peuckert
Técnico de sonido y de luces: Jan Olieslagers
Realización de vestuario: Patrizia Caggiati
Producción del Teatro delle Briciole Solaris Fondazione delle Arti en coproducción con TJP Strasbourg-Centre Dramatique National.
Estreno en Estrasburgo: noviembre de 2002
Duración aproximada: 1 hora
www.briciole.it

EL ESPECTÁCULO

En la cama se duerme y se lee... también se sueña... un grito... llega papá y nos dice que ha sido sólo una pesadilla.

Petit monstre (Pequeño monstruo) es una adaptación del libro de Philippe Corentin titulado ¡Papá! La Compagnie Rouges les Anges recupera y teatraliza esta historia en la que un niño y un monstruo se encuentran en sueños.

Rápidamente, surge una pregunta ¿Quién es un monstruo para quién? Ambos logran encontrar una frontera compartida entre sus dos mundos, que resultan parecerse más de lo que creían. El trabajo gira en torno al descubrimiento de lo desconocido, de lo diferente; con el miedo, la sorpresa y el enriquecimiento que esto genera. El equipo artístico de esta compañía francesa se dejó guiar por una psicóloga que les orientó en la creación de un universo tan particular.

Para representar la expresividad que inspiran los textos y las ilustraciones del cuento de Corentin, nada mejor que las marionetas. Marionetas que cobran vida en una escenografía en forma de óvalo, donde el universo de ambos protagonistas rueda sobre carriles, saltando de una situación a otra, provocando  enfrentamientos... pero también un lugar de juego, entendimiento y amistad.

La puesta en escena combina el teatro de sombras y de objetos para construir un lenguaje poético y depurado. Las canciones y el universo sonoro sostienen el trabajo visual y la manipulación de los títeres y permiten verbalizar miedos y hallazgos.

Autoría: Philippe Corentin, Laurence Belet
Dirección: Laurence Belet
Interpretación: Malika Gessinn, Rodérick Drivet/ Virginie Lallement, Jano Bonnin
Escenografía: Laurence Belet
Atrezo: Céline Burgan
Creación musical: Joël Abriac
Canciones: Jano Bonnin
Diseño de iluminación: Marco Gosselin
Sonido: Joël Abriac
Diseño gráfico: Patrice Veillon
Técnico de sonido y de luces: Marco Gosselin
Realización de escenografía: Frédéric Dyonnet
Realización de atrezo: Céline Burgan
Producción: Compagnie Rouges les Anges
Subvencionado por el Conseil Général de la Haute Garonne y el Conseil Régional Midi-Pyrénées.
Estreno en Francia: marzo de 2006
Duración aproximada: 40 minutos
www.rougeslesanges.com

EL ESPECTÁCULO

Dice Serge Desautels, músico del Odyssée ensemble, que “Olivier Messiaen (1908-1992) es sin duda el más grande compositor francés del siglo XX” y que “pasó su vida recopilando y transcribiendo las canciones de miles de aves de todos los países, que consideraba como los mejores improvisadores y melodistas de la tierra (...) Parole d´oiseau! no es un espectáculo sobre Olivier Messiaen pero sí un homenaje a todas las aves del mundo... y a Olivier Messiaen en particular”.

Sobre el escenario amanece un decorado vegetal y los músicos se convierten en cucos, urracas y ruiseñores. Con percusiones, vientos y plumas llenan el aire de trinos, travesuras y poesía.

“¡Qué curioso animal vive en cada uno de nosotros! ¡Qué curioso ser humano vive en cada animal!”, parecen decirnos los integrantes de este ensemble, dotados de un virtuosismo con el que han dejado boquiabiertos a espectadores de todo el mundo en sus más de mil doscientas actuaciones.

En un espectáculo que combina música y teatro gestual, saludan como pájaros la belleza del mundo y transmutan partituras contemporáneas en volubles cantos, hasta sumir en un hechizo a pequeños y grandes. Porque, tal y como se encargó de apuntar la crítica, “el resultado es el mismo para todos: puro placer”.

Autoría y dirección: Odyssée ensemble & cie
Interpretación: Jean-François Farge, Serge Desautels, Franck Guibert, Denis Martins
Escenografía: Cécilia Ferrari
Atrezo: Odyssée ensemble & cie
Vestuario: Angelina Herrero
Músicas: Franck Krawczyk, Steve Reich, Oliver Messiaen, Kurt Schwitters, Iannis Xenakis, Folke Rabe, Michaël Levinas
Iluminación: Denis Servant
Sonido: Jean-Pierre Cohen
Diseño gráfico: Catherine Garret
Técnico de sonido y luces: Jean-Pierre Cohen
Realización de escenografía: Cécilia Ferrari
Realización de vestuario: Angelina Herrero
Realización de atrezo: Odyssée ensemble & cie
Producción: Odyssée ensemble & cie
Coproducción: Ville de Lorient – Grand Théâtre Correalización Théâtre Dunois – Paris
Subvencionado por Culture et Communication, Ville de Lyon, Région Rhône Alpes, Fondation de France, FCM, Adami, Spedidam, JS Musique y Henri Selmer Paris.
Estreno en París: Théâtre Dunois, octubre de 2007
Duración aproximada: 35 minutos
www.odyssee-le-site.com

EL ESPECTÁCULO

En la oscuridad, se oye el canto de los grillos, la atmósfera se llena de dulce intimidad. Amanece y un diminuto circo comienza a instalarse.

Trippo es el espectáculo más representado hasta el momento por la compañía franco-finlandesa Circo Aereo. Con el deseo de reformar el lenguaje del circo moderno y enriquecerlo con otras formas de arte, los espectáculos de esta compañía se caracterizan por la demostración de un incuestionable virtuosismo técnico salpimentado con notas de humor, emoción y humanidad.

Sobre el escenario, trucos de magia, siete maletas, un pequeño circo de arena y dos jóvenes artistas, Jenni Kallo y Antony Klem. Juntos, se refugian en una particular casa que recuerda a una carreta de madera y nos arrastran con ternura al mundo romántico de los antiguos feriantes, donde todo era magia, humor y secretos. Combinando números en los que se convierten en veraces marionetas humanas con pantomimas, acrobacias, danza y teatro, Kallo y Klem se doblan, vuelan y se multiplican, convirtiéndose ellos mismos en espectaculares objetos de la representación.

Cae la noche y los feriantes se echan de nuevo a la carretera, otro pueblo espera los números burlescos y poéticos de esta inolvidable troupe ambulante

Dirección: Maksim Komaro
Interpretación: Jenni Kallo, Antoni Klem
Escenografía: Kati Mantere
Vestuario: Kati Mantere
Iluminación: Marianne Nyberg
Sonido: Tuomas Norvio
Producción: Apolline Parent
Técnico de luces: Hervé Lonchamp
Producción: de Circo Aereo, Centre finlandais du nouveau cirque (Cirko), Aurinkobaletti y Musée du théâtre.
Estreno en Finlandia: Theatre Museum de Helsinki, marzo de 2004
Duración aproximada: 45 minutos
www.circoaereo.net

EL ESPECTÁCULO

Elisa y Leo viven en un espacio cerrado, prisioneros del miedo a lo desconocido y de un tiempo rígido calculado por un inmisericorde reloj de arena. A su alrededor, unas camas, una ventana, muebles y ropa... todo demasiado pequeño... como si los niños hubieran crecido pero a su alrededor nada hubiera cambiado. Una mañana, de pronto, todo parece diferente. El cielo y la tierra basculan, las naranjas cotidianas tienen un sabor diferente y Elisa y Leo se atreven por fin a soñar.

Souliers de sable (Zapatos de arena) enfrenta el miedo y la curiosidad, las prevenciones y las ganas incombustibles que tienen los niños de salir a explorar el mundo.

La escritora Suzanne Lebeau -directora artística de Le Carrousel y autora de Une lune entre deux maisons (1979), traducida a cinco idiomas- se acerca así al proceso de creación de esta pieza: “¿Cómo emergieron de la arena esos zapatos diminutos? (...) Desde muy pequeña he sentido pasión por el exterior, ese mundo más grande que el jardín que rodeaba la casa. Quería salir y explorar. Arriba y abajo, afuera, en otro lado. Y estaba permitido. Ahora es más difícil y a veces hasta está prohibido. Con el primer suspiro, el niño debe aprender a desconfiar del vecino, del sol que brilla demasiado, de la calle que mata...”. Sin embargo, aunque el mundo haya cambiado, los niños siguen siendo “los mismo exploradores que parten con la certeza de descubrir y con la certeza de que cada descubrimiento es una alegría y una victoria”.

Souliers de sable (Zapatos de arena) resultó finalista en el Governor General´s Award for Literarure 2007 de Canadá en la categoría de Teatro.

Texto Suzanne: Lebeau
Dirección: Gervais Gaudreault
Asistencia de dirección: Anne-Catherine Lebeau
Traducción: Cecilia Iris Fasola
Interpretación: Martin Boileau, Marie-Michelle Garon, Joachim Tanguay
Escenografía, vestuario y utilería: Stéphane Longpré
Colaboración especial: Katherine Brochu
Iluminación: Dominique Gagnon
Ambiente sonoro: Nicolas Rollin
Maquillaje y peinados: Pierre Lafontaine
Dirección de producción: Dominique Gagnon
Realización de la escenografía: Productions Yves Nicol
Realización de los telones: Extensions Concept
Realización del vestuario: Marie-Andrée de Courval
Pátina, accesorios y moldeado: Jackie Morin
Subvencionado por el Conseil des arts et des lettres de Québec, Conseil des Arts du Canada, Canada Council for the Arts, Conseil des Arts de Montréal, Affaire étrangères Canada, Foreign Affairs Canada, Canadian Heritage y Patrimoine canadien.
Estreno en Quebec: Théâtre du Vieux-Terrebonne, septiembre de 2006
Duración aproximada: 45 minutos
www.lecarrousel.net

EL ESPECTÁCULO

Historia de Yuco, de la Compañía de Marina Bollaín, es un canta-cuentos de pequeño formato para niños, que trata sobre una niña que perdió una canción. La soprano Marina Bollaín y el guitarrista-contrabajista Pablo Navarro (forma parte de los grupos Racalmuto y Mastretta) van cantando y contando la historia de Yuco, la pequeña que perdió la canción de su abuela. Yuco no consigue recordar las canciones que le cantaba su abuela y se pone muy triste. Así que decide salir a buscarlas y, en compañía de sus amigos la guitarra, las castañuelas y el contrabajo, Yuco emprenderá un viaje lleno de aventuras para encontrarlas. Canciones infantiles y populares como Los cuatro muleros, La Tarara, Estaba la pastora y Arroyo claro jalonarán su viaje.

Dice la directora Marina Bollaín que esta historia sencilla es “un cuento musical, con texto de Regina Navarro e ilustraciones de Rosa García Andújar, en el que lo original es que la protagonista es una niña”. Bollaín dice sentir “cierto cansancio porque los protagonistas de los cuentos siempre sean niños. Por mi parte, me apetecía que esta vez fuera una niña la que nos llevara de la mano”. El espectáculo se centra en la música y en “aquellas canciones que las abuelas han cantado a sus nietos para perpetuarlas y dejar un legado antiquísimo de memoria colectiva que nos sobrevivirá”.

Autoría y dirección: Marina Bollaín
Interpretación: Marina Bollaín, Pablo Navarro
Diseño de atrezo: Rosa García Andujar
Músicas: Cancionero popular
Dirección musical: Marina Bollaín
Diseño de iluminación: Olga García
Diseño gráfico: Proversus
Técnico de iluminación: Olga García
Realización de vestuario: Compañía Marina Bollaín
Realización de atrezo: Rosa García Andújar
Estreno en Ejea de los Caballeros: 27 de diciembre de 2008.
Duración aproximada: 50 minutos
www.proversus.com

EL ESPECTÁCULO

Hace muchos años existía un reino llamado Ryukyu. El pueblo vivía contento, cantando y bailando todos los días. Este reino del mar del sur se llama hoy Okinawa. Y aquí el pueblo sigue viviendo contento, cantando y bailando.

Nosotros vivimos en el mismo tiempo. El mismo tiempo que alguien a tu lado. El mismo tiempo que alguien en un país lejano. Todos vivimos el mismo tiempo juntos...

Sobre el escenario, el exotismo colorido y ancestral de Japón lo llena todo. Siete bailarines interpretan canciones tradicionales de Okinawa mientras tres músicos tocan el sanshin (instrumento de cuerda), el violín chino, la flauta, el tambor y las palmas. En cada escena, los vemos convertidos en pescadores, granjeros, incluso en reyes y reinas, representando así la vida de la región.

Michi nu Sura (El viaje) trata sobre pasear juntos, trabajar juntos y, en definitiva, vivir juntos. Incluso cuando venimos de culturas diferentes y nos movemos a velocidades distintas.

Para Kijimuna Dance and Music Troupe estas diferencias convierten al mundo en un “bello mosaico”. En su viaje pretenden mostrar su propio modo de andar y de vivir, sus creencias culturales y sus valores... para compartir con el público un día juntos, un momento de la vida.

Autoría y dirección: Megumi Tomita
Interpretación: Kaname Goya, Wakako Komine, Ayano Nishimura, Haruka Oshiro, Akino Tamashiro, Natsuki Yamashiro, Wakana Nagayama, Músicos Hideki Hanashiro, Taisuke Yonaguni, Kumiko Higa
Coreografía: Kaname Goya
Dirección musical: Hideki Hanashiro
Iluminación: Yoshimi Sakamoto
Regiduría: Takayuki Inomata
Escenografía: Tomoyuki Ikeda
Realización de escenografía: Tidamoon
Productor: Hisashi Shimoyama
Producción: Kijimuna Festa
Estreno en Francia: Festival d’Avignon, julio 2006 y se ha presentado también en Dinamarca, Corea y Australia.
Duración aproximada: 40 minutos
www.kijimuna.org

 

LOFT  Canadá

De 5 años en adelante

Les 7 doigts de la main Género: circo Idioma: español

Madrid Teatros del Canal (Sala B) 6 de marzo, 19.00 horas 7 de marzo, 18.30 horas 8 de marzo, 18.30 horas

EL ESPECTÁCULO

Un loft... ocupado por siete amigos íntimos que se han aislado voluntariamente del desasosegante mundo exterior. Para huir de la monotonía, se entretienen con objetos tan distintos como manzanas, cuchillos, muñecas Barbie, bañeras y zapatos, expresando sus esperanzas y deseos mediante acrobacias, malabarismos, danza aérea, poesía y canciones.

Una mujer se contorsiona aferrada a un mantel que cuelga del techo mientras come una manzana en una reminiscencia de aquella serpiente y aquel pecado original. Otro hombre se choca como un kamikaze contra las escaleras, sin que los demás se inmuten, ocupados como están en seguir con sus vidas. Hay quien escribe diligentemente sobre su pupitre, hay quien encuentra la soledad buscada en la discutible comodidad de unas cadenas de metal.

Como en la vida, el estado de ánimo cambia bruscamente desde el romanticismo intenso a la anarquía más caótica. Mientras, el músico de Montreal DJ Pocket orquesta estas metamorfosis de humor con swing, rap, techno e incluso tango. Después de atravesar una serie de escenas improbables, el espectáculo termina como empezó, con el grupo de amigos sentados, las posiciones cambiadas. Sus vidas están ahora más unidas... y empieza un nuevo ciclo.

Loft fue calificado por la crítica especializada como “una pieza llena de riqueza visual, sorpresas e incluso un poco de intelectualismo... podría considerarse cocina fusión para los ojos y los oídos, divertida y compleja”.

Autoría y dirección: Les 7 doigts de la main
Traducción: Les 7 doigts de la main
Interpretación: Emilie Bonnavaud, Isabelle Chassé, Patrick Léonard, Faon Shane
Sébastien Soldevila, Samuel Tétreault, Meaghan Wegg.
Escenografía: André Labbe, Les 7 doigts de la main
Vestuario: Manon Desmarais, Judy Jonker, Hélène Tessier, Les 7 doigts de la main
Creación musical: DJ Pocket, Erich Kory
Iluminación: Jean Laurin
Dirección técnica: Yves Touchette
Técnico de sonido: Yves Touchette
Dirección y realización de vídeo: Olivier Tétreault
Director ejecutivo: Nassib El Husseini, Tour Manager Tina Diab, Special Event Sophie Picard
Comunicación: Marion Bellin
Relaciones públicas: Lynne ter Metz
Coordinación: Fanny Perret
Recursos humanos: Marc Arsenault
Subvencionado por el Conseil des Arts et Lettres du Québec (CALQ), Affaires Etrangères y Commerce International, Canada (MAECI).
Estreno en Montreal: Festival Juste Pour Rire
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos
www.7doigts.com

 

VULGARCITO España (Castilla y León)

De 5 a 10 años

La Chana Teatro Género: teatro de objetos Idioma: español

Morata de Tajuña Casa de la Cultura Francisco González 6 de marzo, 12.00 horas (Campaña Escolar) Leganés Centro Cívico Julián Besteiro 14 de marzo, 18.30 horas El Álamo Centro Sociocultural 15 de marzo, 12.00 horas Madrid Sala Tribueñe 17 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 18 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 19 de marzo, 17.30 horas Villanueva de la Cañada Centro Cívico El Castillo 27 de marzo, 18.00 horas

EL ESPECTÁCULO

En esta ocasión, la compañía leonesa La Chana Teatro, con una andadura profesional de más de veinte años, lleva a escena una dramatización libre del cuento popular Epaminondas.

Sobre una mesa, el manipulador representa con humor e ingenio las aventuras y desventuras de Vulgarcito, un pobre niño que vivía en un reino muy triste. El humor, la rima y la narración divertida y poética hacen de esta pieza un espectáculo trepidante, casi musical y “muy objetual”, según la propia compañía.

Había una vez una princesa triste/ Que vivía en un reino triste.
El reino era triste/ Porque la princesa estaba triste.
Desde su ventana triste/ Se podía ver un mar triste
Y un pueblecito triste, el único pueblecito que quedaba ya en el triste reino.
Entre sus casitas tristes/ Destacaba una especialmente triste,
Con un armario triste, una mesa triste y una cama triste
En la que dormía un niño... vulgar, vulgarcito.
Ni triste ni mandangas, vulgarcito.
Y con pan o sin pan, se llamaba Juan.

Autoría: Jaime Santos Mateos
Dirección: Zilda Torres y Jaime Santos
Interpretación: Jaime Santos Mateos
Escenografía: Aurea Pérez Zarza
Diseño de atrezo: Jaime Santos, Zilda Torres
Diseño de vestuario: Aurea Pérez Zarza
Diseño de iluminación: María Lesmes González
Diseño Gráfico: Marta Cubero
Producción: La Chana Teatro
Técnico de sonido e iluminación: María Lesmes
Realización de escenografía: Jaime Santos
Realización de vestuario: Aurea Pérez
Realización de atrezo: Jaime Santos, Zilda Torres
Colabora Fundación Salamanca Ciudad de Cultura.
Estreno en Salamanca: mayo de 2007.
Duración aproximada: 45 minutos

 

¿POR QUÉ LLORAS, MARIE? España (País Vasco)

De 5 a 12 años

Marie de Jong Género: teatro gestual con marionetas Idioma: sin texto

Torrelodones Teatro Bulevar 7 de marzo, 18.00 horas Alcorcón Teatro Municipal Buero Vallejo 8 de marzo, 12.00 horas Becerril de la Sierra Centro Cultural (Sala Real) 14 de marzo, 18.00 horas Alcobendas Alcalá de Henares Corral de Comedias 16 de marzo, 18.30 horas (Encuentro Teatralia y abierto al público) Madrid Sala Triángulo 17 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 18 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 19 de marzo, 18.00 horas Parla Teatro Dulce Chacón 22 de marzo, 18.00 horas Colmenarejo Teatro Municipal 28 de marzo, 18:00 horas Móstoles Teatro Villa de Móstoles 29 de marzo, 12:30 horas Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas 15 de marzo, 18.00 horas

EL ESPECTÁCULO

Marie no puede dormir. Marie es mala. Marie es un bebé. ¿Por qué lloras, Marie? es la primera pieza de la compañía Marie de Jongh, dirigida por el galardonado Jokin Oregi (entre otros, Premio FETEN 2004 por Jim en la isla del tesoro, de Teatro Gorakada y Premio FETEN 2006 por Robin Hood, también de Gorakada). Un espectáculo que esta joven compañía vasca describe como “un canto al cariño que todos necesitamos para vivir con cierta armonía”.

En una guardería, la niña Marie hace la vida imposible a sus cuidadores, que emplearán todo tipo de tácticas para controlar a la pequeña díscola. Las diabluras no cesan. Parece que nada funciona... excepto quizás un poco de amor y ternura.

Desde la primera idea, ¿Por qué lloras, Marie? fue concebida como una obra sin texto en la que la interpretación gestual se barniza con un evidente aire clownesco. Los personajes - marionetas y actores -, aunque siempre reconocibles, tienen un grado de teatralidad más allá de lo cotidiano, acentuado precisamente por el empleo de los títeres.

El humor lleva la batuta en esta tragicomedia destinada al público familiar; los actores Ana Meabe y Javi Renobales consiguen dotar a la acción de un ritmo trepidante, en el que se intercalan escenas conmovedoras.

Marie tiene miedo. Su madre le ha explicado que unos monstruos entrarán por la ventana de su habitación y se la llevarán con ellos. Marie no puede dormir. Los monstruos son malos. Se comen a los bebés que lloran...

¿Por qué lloras, Marie? consiguió el Premio al mejor espectáculo en FETEN EN 2008.

Autoría y dirección: Jokin Oregi
Interpretación: Ana Meabe, Javier Renobales, Matxalen de Pedro, Javier Alkorta
Diseño de escenografía: Eider Eibar
Diseño de atrezo: Javi Tirado
Diseño de vestuario: Mayda Zabala
Creación musical: Santiago Ramos
Diseño de iluminación: Iñaki García
Diseño gráfico: Txapo
Técnico de iluminación: Bea Santolaya
Realización de escenografía: Javier Tirado
Realización de vestuario: Mayda Zabala
Realización de atrezo: Javier Tirado
Producción: Marie de Jongh
Subvencionado por el Gobierno Vasco.
Patrocinado por San Agustín Kultur Gunea, Zornotza Aretoa y Txapo Creativos.
Estreno en Gijón: FETEN (Gijón) en 2008
Duración aproximada: 55 minutos
www.marieteatro.com
www.producciones.com

 

CYRANO España (País Vasco)

De 5 a 12 años

Teatro Gorakada Género: títeres Idioma: español

Galapagar Centro Cultural La Pocilla (Teatro Jacinto Benavente) 20 de marzo, 18.00 horas Torrelodones Teatro Bulevar 21 de marzo, 18.00 horas Madrid Centro Cultural Pilar Miró 22 de marzo, 18.30 horas 23 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 24 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) Alpedrete Centro Cultural 28 de marzo, 18.30 horas Coslada Teatro La Jaramilla 29 de marzo, 12.30 horas

EL ESPECTÁCULO

¿Quién no se sintió feo alguna vez? ¿Quién no tuvo miedo de decirle a otra persona que la amaba? La compañía vasca Teatro Gorakada, que ya en la edición anterior de Teatralia presentó el espectáculo de títeres La ciudad inventada (Irumendeko hiria), ofrece esta vez su versión del clásico Cyrano, centrada sobre todo en los matices del antihéroe, en la dimensión humana de un personaje que encarna el triunfo de la belleza moral.

Sobre el escenario, la luz, la música y la bella plasticidad de las marionetas encarnan el drama de Cyrano, el hombre de gran nariz, espadachín virtuoso y magnifico poeta que, sin embargo, no es capaz de confesar su amor, avergonzado por su peculiar aspecto. La angustia de Cristian que, pese a su carisma y belleza, es incapaz de pronunciar dos palabras seguidas delante de la mujer que ama. El desconsuelo de Roxana que confunde forma con fondo...

La historia de Cyrano trasciende tiempo y modas porque sus valores universales siguen conmoviendo, porque sus conflictos son actuales, reales y profundos, tanto para los adultos... como para los niños.

Cyrano es una historia de amor. De un amor imposible. Una historia que habla de las virtudes y defectos del cuerpo y del alma, de sentirse feo, guapo o tonto. Una historia poética y un canto a la libertad que hace pensar y arranca, en el joven público, una sonrisa cómplice.

Autoría y dirección: Claudio Hochman, Alex Díaz
Interpretación: Sonia Millamor Blanco, Oihane Enbeita, Ion Chávez
Diseño de escenografía: Javier Lucas Obregón
Diseño de atrezo: Alex Díaz, Javier Lucas Obregón
Diseño de vestuario: Mayda Zabala
Creación musical: Fran Lasuen
Diseño de iluminación: Ion Chávez
Diseño gráfico: Beatriz Pi
Producción: Alex Díaz
Técnico de sonido e iluminación: Ion Chávez
Realización de escenografía: Javier Lucas Obregón
Realización de vestuario: Mayda Zabala
Subvencionado por la Diputación Foral de Bizkaia y el Gobierno Vasco.
Estreno en Aveiro (Portugal): Festival Arte Dramática Aveiro, 10 de septiembre de 2008.
Duración aproximada: 55 minutos
www.jpproducciones.com