FESTIVAL DE OTOÑO DE MADRID 2006 DANZA

FOTO: ROSA FRANK

FOTO: JAVIER SUÁREZ

FOTO: MANU LAGO

La bailarina y coreógrafa Juschka Weigel busca nuevos caminos de forma rigurosa y original. Al igual que en la danza oriental, japonesa e indonesia que tanto han influido en su trabajo, consigue disociar cada uno de sus movimientos de una forma personal y comprometida, llevando al espectador hacia donde ella se propone. ¿Cuánta sistemática aguanta el hombre? ¿Se puede desaparecer detrás o a través de un orden sistemático producido por algoritmos lineales, se puede vivir en él? ¿Qué pasa si el orden se vuelve cada vez más complejo y más refinado hasta llegar a la completa opacidad? ¿Cómo se vive con un orden cuyo poder aún se nota pero que ya es imposible de comprender? Sobrecarga del orden: ¿Lleva el exceso de sistemática automáticamente al derrumbamiento, a la rebelión en contra del orden, a su rotura por perfección, al colapso? ¿Qué ideas aparecen en el momento del error y de la catástrofe? ¿Cómo se trata ese exceso de orden después de que resultó imposible actuar de acuerdo con él? ¿Debería ignorarse, quizás? ¿Parodiarse? ¿Revolucionarse? ¿Resignarse?

La Compañía

Juschka Weigel estudia ballet clásico y danza contemporánea en la escuela Colombo Dance School de Zurich y completa su formación en la Merce Cunningham School de Nueva York y en la “Academy of Art” en Solo, Indonesia.

En 2000 estrena su primera coreografía, en colaboración con Josef Kisss How is this for a start to your day?, por la que recibe, entre otros, el primer premio en la categoría de Solos en el 7 MASDANZA, Festival Internacional de Danza de las Islas Canarias (2002). Trabaja con coreógrafos en Alemania, Bélgica, España, Austria y Suecia y en 2003 funda junto a Simone Willeit la compañía Malinkiodato. El estreno de su primera coreografía en el 8 MASDANZA canario le valió el primer premio de Coreografía en la categoría de grupo de este festival.

Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
Idea original: Daniel Regenberg y Juschka Weigel
Dirección, coreografía, interpretación y diseño de vestuario: Juschka Weigel
Espacio escénico: Miguel Muñoz y Juschka Weigel
Música original: Daniel Regenberg
Estreno en España
www.juschka-weigel.de
 

FREQUENCY-B Alemania España (Galicia)

Juschka Weigel-Inthissection

Madrid La Casa Encendida Días 15 y 16 de noviembre 22:00 horas.

FOTO: URUSLA KAUFMAN

El nuevo trabajo de la bailarina y coreógrafa Juschka Weigel parte de una sencilla premisa. Cada movimiento tiene dos puntos de vista: una base física y corporal y una forma histórica, sociocultural y psicológica. Por ejemplo, caminar sirve en todas las épocas y lugares para desplazarse. Por otro lado, puede leerse el acto de caminar como un sistema de símbolos que dan muchas informaciones sobre el origen, el fondo cultural y la disposición psicológica de la persona. En la manera de caminar se puede ver mucho de la imagen que el caminante tiene de sí mismo, de la imagen que quiere presentar, de sus complejos y neurosis, de sus miedos, tensiones, deseos, etc. A menudo se considera el movimiento como algo únicamente biológico, físico, pero es también cultura y es necesario valorarlo como expresión de una manera concreta de vivir. En esta obra, Juschka Weigel examina los movimientos cotidianos en relación con su propia sustancia física y su historia cultural.

Frequency B se estrenó el pasado 17 de marzo en la ciudad alemana de Dortmund.

Dirección, coreografía, interpretación y diseño de vestuario: Juschka Weigel
Espacio escénico: Miguel Muñoz y J. Weigel
Música original: Daniel Regenberg
Realización de vídeo: Gregor Blahak
Coproducción: Festival Internacional de Danza, En Pé de Pedra, organizado por el Teatro Galán.
Estreno en Madrid
Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
Idea original: Daniel Regenberg y Juschka Weigel
www.juschka-weigel.de
 

40 ESPONTÁNEOS Francia

La Ribot

Madrid Centro Cultural de la Villa Día 21 de octubre 20.30 horas Día 22 de octubre 19:00 horas.

FOTO: A. MANNIGLIER

Cuando los espectadores entran en la sala sólo ven ropas, sofás, sillas y mesas esparcidas por todas partes, como secuelas de una catástrofe. Los espontáneos -entre 30 y 40 personas elegidas en cada ciudad que deben cumplir dos requisitos: no tener experiencia en escena y ser mayores de 40 años - se encuentran mezclados entre el público. Riéndose continuamente, comienzan la lenta y enorme reconstrucción sobre el suelo de la escena, para la que han tenido que memorizar trayectos, vestimentas, lugares y momentos en los que ha sido colocado cada objeto. Reconocemos así la coreografía escrita ante nuestros ojos en medio del aparente caos. Se trata de un trabajo que, desde su estreno en 2004, continúa en constante evolución. En las últimas representaciones ha aparecido un nuevo personaje, el polizón, que en mitad de la pieza salta a escena como si se tratara de un verdadero espontáneo, relanzando el planteamiento original. El espontáneo, como el extra cinematográfico, se constituye en figura transgresora, estableciendo un peculiar nexo entre público y profesional. El espectador, por su parte, toma la forma de auténtica figura teatral.

La Compañía

La artista madrileña María Ribot (1962), “La Ribot”, es autora de piezas en lo que considera territorios “indisciplinados”: la intersección entre danza contemporánea, live art, performance y vídeo. Su sistema de trabajo le permite investigar, desarrollar y cuestionarse los límites temporales, espaciales y conceptuales de la danza respecto a ellos. Ganadora de numerosos premios - como el Nacional de Danza 2000 otorgado por el Ministerio del Cultura español- su proyecto más conocido es Piezas distinguidas, constituido por solos de entre treinta segundos y siete minutos de duración, representados preferentemente en museos y salas de exposiciones, como el Centro Pompidou de París, el Museo Reina Sofía de Madrid o la Tate Modern londinense. Actualmente reside en Ginebra e imparte clases en la Escuela de Bellas Artes de esta ciudad suiza.

Dirección: La Ribot
Ayudantes de dirección: Juan Domínguez, Corinne García y Tania Arias Winogradow
Director técnico: Erik Houllier
Diseño de escenografía y vestuario: Karine Vintache y La Ribot
Diseño de iluminación: Daniel Demont
Estreno en Madrid
Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
www.laribot.com
 

STRANGER/STRANGER REPORT Francia

Autor: Richard Siegal The Bakery

Madrid Sala Cuarta Pared Días 25, 26, 27 y 28 de octubre 21:00 horas.

FOTO: RICHARD SIEGAL

Stranger (Desconocido) se desarrolla a partir de un trabajo anterior titulado Solo for Spectator (Solo para el espectador), que trata de analizar la relación actor- espectador. Parte de un texto pregrabado en el que Richard Siegal oscila entre la demostración lógica de que él podría ser un asesino de la CIA y lo absurdo de dicha propuesta. La información y las pruebas constituyen el eje. La identidad se desmantela, la duda se instala. Stranger es un solo experimental, un eterno trabajo en progreso. Su potencia es proporcional al juego entre la propuesta del artista y la imaginación del espectador. De una simplicidad engañosa en su origen, la pieza de Siegal resulta ser una meditación teatral incisiva e intrigante que basa su fuerza en la paranoia y el misterio de la identidad, en un ambiente inestable dentro de un espacio social cada vez más efímero.

Explora el territorio de la duda que existe entre el gesto teatral y las reacciones del público. De hecho, el espectáculo se desarrolla mejor ante un solo espectador. A este nivel de proximidad, no existe posibilidad de esconderse detrás de la identidad de grupo. La obra entra en el dominio de la ciencia ficción coreográfica, con cámaras y micrófonos distribuidos en la sala y manejados por el propio Siegal para controlar sonido e iluminación. El público tiene la posibilidad de asistir a un montaje “en directo”.

La Compañía

Richard Siegal es el fundador de The Bakery, organización dedicada a la exploración y producción de manifestaciones artísticas contemporáneas. Bailó en el Ballet Frankfurt de Willliam Forsythe desde 1997 hasta su última temporada, en 2004. En él presentó tres coreografías propias, la última en la trilogía X (evening) (2002). Anteriormente había vivido y trabajado en Nueva York, donde bailó en las compañias de Doug Elkins, Zvi Gotheiner y Janis Brenner. Para esta última realizó una pieza premiada en el Danspace NYC 1997. Entre sus recientes proyectos se encuentran Double Story o The How Episode. En 2004 fue nombrado miembro honorario del Benois de la Danse del Ballet Bolshoi y ganó una beca en la prestigiosa MacDowell Colony de New Hampshire.

Creación, coreografía, interpretación y diseño de vídeo: Richard Siegal
Música original y diseño de sonido: Amaury Groc
Diseño de escenografía: Virginie Mira
Dramaturgia: Christine Peters
Productores: Théatre National de Chaillot, Festival d’Automne à Paris, The Bakery y Künstlerhaus Mousonturm-Francfort
Estreno en España
Idiomas: francés e inglés
Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio)
www.thebakery.org
 

VSPRS Bélgica

Les Ballets C. de la B. Alain Platel

Danza Música Madrid Teatro de la Zarzuela Días 26, 27 y 28 de octubre 20:00 horas.

FOTO: CHRIS VAN DER BURGHT

Para empezar, una sospecha, sólo la sombra de la sospecha. Los ruidos se hacen escuchar sordamente. La puerta del salón se abre, la sombra del héroe surge de la noche. Hombre, ¿cuál es tu nombre? El Zorro, Tarzán, Elvis Presley, Peter Pan, Nosferatu, Mandrake, Esther Williams... Sombras célebres. Le Sombrero es un melodrama en tres actos. En el primero, en blanco y negro, siluetas, sombras -verdaderas y falsas - que se difuminan. En el segundo se presenta el relieve, los cuerpos, la carne, un momento de calma. Es un bonito día, hace calor. La temperatura sube, el ambiente se calienta. En el tercer acto, la cuarta dimensión. Tiempo y espacio se dilatan. Fotones, neutrones, protones y sifones entran en danza. Todo se mueve. Sin sombra de duda. Philippe Decouflé se caracteriza por jugar con la mirada del espectador, explorar todos los ángulos y puntos de vista. La música es estudiada hasta en los mínimos detalles con un sentido agudo del ritmo y la estética. Como en el resto de sus creaciones, el coreógrafo francés se propone, ante todo, transmitir placer al espectador. La danza contemporánea se fusiona con formas espectaculares, rozando en ocasiones otras disciplinas del movimiento. Lejos de ser elitistas, sus espectáculos tienen en mente a un público variado y abierto.

La Compañía

Philippe Decouflé (París, 1961) es uno de los grandes renovadores de la danza contemporánea. Formado en la Escuela Nacional de Circo francesa y la Escuela de Mimo de Marcel Marceau, se interesa enseguida por la utilización del vídeo. Junto a Merce Cunningham aprende las grandes reglas de la óptica y el movimiento. Entre sus creaciones, encontramos Decodex (1985-1997), Shazam (1997 - 2001), Iris (2003 - 2005) y Tricodex (2004 -2006); ha sido el responsable de espectáculos para la 50º edición del Festival de Cine de Cannes (1997) o la apertura de los Juegos Olímpicos de Invierno de Albertville (1992); de cortometrajes (Le p’tit bal... ), vídeoclips (Fine Young Canibals, New Order) y spots pubilcitarios (France Telecom, Dior...). Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de la República Francesa, ha recibido numerosos premios en las diversas disciplinas en las que se desenvuelve.

Creación y dirección: Philippe Decouflé
Director musical: Brian Eno
Bailarines: Alexandra Naudet, Philippe Decouflé, Olivier Simola y Christophe Waksmann
Actor: Christophe Salengro
Escenografía: J. Pierre Verbraeken
Iluminación: Patrice Besombes
Vestuario: Philippe Guillotel
Estreno en España
Idioma: francés
Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos (sin intermedio)
www.cie-dca.com
 

NEFÉS Alemania

de Pina Bausch Tanztheater Wuppertal Pina Bausch

Madrid Teatro de La Zarzuela Días 2, 3 y 4 de noviembre 20:00 horas Día 5 de noviembre 18:00 horas

Varios hombres con el torso desnudo hombres en un baño turco. El encargado, de rodillas, escurre un paño hasta que las burbujas de jabón tocan la espalda del cliente. Las mujeres, con vestidos de seda largos, se aproximan, los observan y dejan caer sus cabezas suavemente, hasta que el cabello esconde sus caras (¿una reflexión sobre la práctica islámica de no dejar ver sus rostros?). Suavemente, golpean sus melenas siguiendo la percusión de la música grabada. Así comienza Nefés - respiración en turco - obra en la que Bausch busca transmitir calma y aire fresco a través del movimiento. Cuando la coreógrafa alemana concibió esta pieza en 2002 se proponía plasmar el ruido, bullicio y color de Estambul. Para ello, sus bailarines recorrieron sus mercados, callejuelas y muelles. Pero la guerra de Irak lo cambió todo. La obra pasó a convertirse en una especie de antídoto para un momento tan difícil. Un hombre sentado al estilo indio sobre una almohada. Poco a poco, a través de saltos con movimientos de tijera, se va acercando a la mujer que se encuentra en el extremo izquierdo del escenari o. Hasta que la rodea con sus piernas y se la lleva. Como es habitual en la obra de Bausch, la coreografía prima sobre la dramaturgia. Una gran pantalla proyecta imágenes que en algunos momentos estremecen al público. Las obras de Pina Bausch no tienen argumento. Toma escenas de la vida cotidiana y las convierte en imágenes familiares y abiertas, de modo que cada espectador pueda encontrar su lugar.

La Compañía

Pina Bausch, figura emblemática de la danza contemporánea, se forma en Alemania con Jurt Joos. Tras una temporada en la Juilliard School de Nueva York, vuelve a su país y comienza a trabajar en el Tanztheater de Wuppertal, que dirige desde 1973. Ya lejos de los movimientos de ballet tradicionales, impulsa un género pionero, el teatro-danza, que fusiona la danza con fragmento de diálogo y canciones. Desde los años 80 realiza junto a todos sus bailarines las conocidas como “residencias”, estancias de varias semanas en la ciudad elegida, experiencia de la que siempre surge un nuevo espectáculo. Roma, Palermo, Madrid, Hong Kong o Estambul - origen de Nefés - han sido algunas de sus sedes. Entre sus montajes destacan Ifigenia en Táuride (1974), Café Müller (1978), Palermo, Palermo (1989) y Agua (2001). Pina Bausch ha participado en E la nave va, de Federico Fellini (1982); y Hable con ella, de Pedro Almodóvar (2001).

Creación y dirección: Pina Bausch
Bailarines: Ruth Amarante, Pablo Arán Gimeno, Rainer Behr, Andrey Berezin, Damiano O. Bigi, Silvia Farias, Ditta Miranda Jasjfi , Na Young Kim...
Escenografía: Peter Pabst
Música original: Matthias Burkert y Andreas Eisenschneider
Duración aproximada: 2 horas y 30 minutos (con intermedio)
Estreno en España
www.pina-bausch.de
 

SCREAM AND WHISPER Japón

Autor: Saburo Teshigawara KARAS

Madrid Teatro Albéniz Días 3, 4 de noviembre. 20:30 horas Día 5 de noviembre 19:00 horas

FOTO: BENGT WANSELIUS