DANZA EN EL CENTRO CULTURAL DE LA VILLA DE MADRID ARENA EL AUSTERO PATHOS DEL FLAMENCO COMPAÑÍA ISRAEL GALVÁN

Título: Arena Coreografía: Israel Galván. Guitarra: Alfredo Lagos, Cante: David Lagos. Palmas: Bobote y Eléctrico. Gaita del Gastor: Mercedes Bernal. Colaboración especial: Diego Carrasco y la banda Los Sones. Compañía Israel Galván. Dirección artística: Pedro G. Romero. Duración: 90 minutos (sin intermedio) Estreno en Madrid: Centro Cultural de la Villa (Veranos de la Villa), 20 – VII – 2005.

En la XIII Bienal de Flamenco de Sevilla, Israel Galván, con coreografía de su propia cosecha, estrenaba Arena. Polémica, o al menos división de opiniones, aunque también éxito. Viendo el espectáculo ahora en los Veranos de la Villa, se puede explicar ese desconcierto apuntado por las voces que asistieron al estreno.

Israel Galván se crió en el ambiente del flamenco de toda la vida. Imagino, por ello, que de los seis solos – una corrida tiene seis toros - con nombre de toros: Bailador, Granaino, Pocapena, Burlero, Playero y Cantinero, se esperaba un conjunto en el más tradicional flamenco. Y no es así. Tampoco se dedica, como han hecho otros bailaores o compañías de última hornada, a impregnar el flamenco de sones que tienden la mano a ritmos jazzísticos o rockeros y de pasos que se mueven acordes a la danza contemporánea, en un afán de hacer progresar el ancestral flamenco y con buenos resultados en muchas ocasiones. Su discurso va por otros caminos. Es lo que en lingüística se ha denominado “idiolecto”, es decir un lenguaje totalmente personal, en el que reduciendo el flamenco a su esencia, lo hace evolucionar de un modo muy personal con guiños hacia otros bailarines, no justamente del flamenco, como es el caso de su hierático primer solo Bailador.

Bailador nos remonta a La siesta de un Fauno de Nijinski. Aquella coreografía tratada hieráticamente y en cánones en el que abunda el perfil y la austeridad de movimientos, es retomada aquí por Israel. Si allí Nijiski hieratizaba el estilo clásico, aquí Israel lo hace con el flamenco. Este tratamiento le sirve para ir dando las diversas composiciones corporales del torero mediante lo que podrían ser instantáneas estáticas. Tras esta incursión el baile fluirá más. Y curiosamente, consigue – será la clave en el resto de sus cinco solos – aunar toro, torero y sentimiento humano.

Un video (DVD, con ciertas dificultades de reproducción en algún momento) introduce a cada toro, mediante el jondo lamento – letras de Bergamín - del cantaor Enrique Morente con el fondo de los espectadores que asisten a la corrida que nos sugieren, lo que también es la fiesta: espectáculo, lucro y entusiasmo. Las diversas clases de espectadores ralentizados en sus movimientos, crean el fresco humano que rodea a la fiesta.

Los seis toros por los que pasa el baile de Israel, terminan por ser un modo de recorrer el itinerar del ser humano en la vida. De esta forma transforma lo que sería una corrida – seis toros y a las cinco de la tarde – en una reflexión sobre la vida y la muerte. Toro y torero pasan por las mismas circunstancias. El ímpetu del toro contra el burladero, como enclaustrado, se traslada a la condición humana que a veces se siente encerrada entre límites o en la misma angustia del torero.

Es inteligente también el uso de los sonidos, siempre sobrios y expresivos. Destaca por la novedad – al menos para mí – la Gaita del Gastor que hace sonar Mercedes Bernal. El sonido recuerda al de la gaita, pero el instrumento está construido a partir del cuerno de toro. El atiplado sonido evoca el lamento de toro o torero.

Otras veces el baile es sobre la palabra de Diego Carrasco, vestido de rojo sangre, en una recitación arquetípica, en la que el texto se emite enfatizando lo melódico. Casi al final, y con los sones que anuncian la muerte, es muy interesante y sugerente el baile sobre los compases del pasodoble Paquito el Chocolatero en una versión peculiar. La Banda Los Sones la interpreta con acusados desafinamientos muy elaborados de tipo expresionista, con los que se alcanza momentos de gran impacto. A ello se une la originalidad del baile de los cuchillos, envainados lateralmente en los zapatos, en el que combina el zapateado con el hincar el cuchillo sobre el tablao. Amén de la originalidad del baile, consigue una gran expresividad.
 

Arena es un espectáculo muy peculiar e inteligente, tanto a nivel del baile como a nivel de contenido consiguiendo que la narración – no argumental estrictamente – termine por ser una metáfora de la vida humana, además de ser un remolino en el que se encuentran todos los aspectos de la fiesta de los toros. Balletísticamente es también una reflexión seria sobre el flamenco partiendo de su ancestral austeridad – el folklorismo le ha hecho mucho daño – y al mismo tiempo componiendo nuevos movimientos y abriendo nuevos caminos al propio flamenco, dentro del mismo estilo sin tener que recurrir, facilonamente, a otros mundos espúreos.

Arena abunda en ese sentimiento de pathos, muy característico del mundo flamenco.
 

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