Die Soldaten. Zimmermann-Entrevista Imprimir
Escrito por José R. Díaz Sande   
Lunes, 14 de Mayo de 2018 18:03

DIE SOLDATEN
EL GRITO DE HORROR DEL SIGLO XX

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 FOTO: MONIKA RITTERSHAU

MARIE: NAIF, SIMPLE, AUTÉNTICA

Die Soldaten de Calixto Bieito está centrado en la figura de Marie, una adolescente ambiciosa de buena familia, ansiosa de ascender en la jerarquía social a base de sus armas de mujer. Por el contrario cada etapa la irá hundiendo más. Calixto la ve

  • como un personaje naif, simple, muy auténtico que  sufre un proceso de  degradación y destrucción por toda la sociedad que la rodea, incluso hasta la familia. El punto culminante es una violación, la cual siempre es algo terrorífico, en la que se expresa el horror de todo el siglo XX y simboliza la aniquilación de la humanidad.  La pieza acaba con un grito que es el grito de horror del siglo XX.

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BERND ALOIS ZIMMERMANN
FOTO: ARCHIVO
 

Die Soldaten (Los soldados) (1960) de Bernd Alois Zimmermann con dirección musical de Pablo Heras-Casado y dirección de escena de Calixto Bieito, se estrena en España en el Teatro Real, con motivo del centenario del compositor. Se trata de una nueva producción creada originalmente por la Opernhaus de Zúrich (septiembre de 2013) y la Komische Oper de Berlín (junio y julio de 2014). Se ofrecen 7 funciones que se  alternarán con 5 representaciones de Street Scene (CLIKEAR). Ambas óperas  investigan acerca de la brutalidad de la violencia de género, aunque desde épocas diferentes y con lenguajes muy distintos. 

Bernd Alois Zimmermann (Colonia,1918) nació en el seno de una familia burguesa profundamente católica y fue obligado a alistarse en el ejército con 21 años para participar en la segunda guerra mundial, de la que salió con los pulmones llenos de plomo y la mente trastornada.

Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, califica el estreno de  Die Soldaten de "acontecimiento mayúsculo" porque piensa que es una de  las obras más importantes de la segunda mitad del siglo XX y la equipara al Wozzeck (1925)  (CLIKEAR). Otra de las razones de su importancia es porque se ha considerado una obra irrepresentable.

  • Afortunadamente esto ha cambiado en estos últimos años. De las versiones existentes, la más excepcional es justamente la de Calixto Bieito. Es un espectáculo absolutamente colosal. 

PABLO HERAS-CASADO
DIRECTOR MUSICAL
ES LA OBRA MÁS AMBICIOSA Y EXTREMA
QUE UNO SE PUEDA IMAGINAR

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  PABLO HERAS-CASADO
FOTO: JAVIER DEL REAL

Pablo Heras-Casado  ha dirigido óperas y obras sinfónicas, a nivel nacional e internacional.  En 2007 ganó el fórum de directores de orquesta del Festival de Lucerna. En 2011 fue nombrado director principal de la Orquesta de St. Luke’s de Nueva York y en 2012 debutó en el Festival de Salzburgo. Visita asiduamente el podio del Ensemble InterContemporain y el Klangforum Wien. Es director principal invitado del Teatro Real, donde ha dirigido dos conciertos y Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny  (CLIKEAR), Il postino (CLIKEAR), El público  (CLIKEAR), I due Foscari, Der fliegende Holländer (CLIKEAR) y el oratorio Elías.

Para Pablo Heras-Casado enfrentarse a Die Soldaten es el

  • mayor reto al que cualquier músico se puede enfrentar y lo digo con conocimiento de causa, pero es un acontecimiento histórico presentar en España esta obra fundamental y definitiva del teatro musical. Es la obra más ambiciosa y extrema que uno se pueda imaginar. Todo es extremo y forma parte de lo utópico. Esto quiere decir que Zimmermann pone en escena todas las posibilidades  imaginables e inimaginables que en su época, la segunda mitad del siglo XX,  se pudiera pensar. Supone una orquesta de 120 músicos. Solamente en la percusión hay 18 percusionistas, y 25 timbales en escena. Son 16 papeles solistas. El coro tiene una parte  rítmica y escénica muy difícil, además de percusión con el canto muy compleja.  Es una obra que por las condiciones física es un desafío. El propio lenguaje es serial. Esto quiere decir que la combinación armónica y melódica está delimitada por unas series de modo muy radical y minuciosa. Si todo esto ya es un reto, se complica al combinar todo en una estructura  orquestal masiva, pero que tiene que estar delimitada al detalle. Es una obra  que dura casi dos horas, y mantener esa tensión rítmica, melódica, de textura de una orquestación muy violenta y lírica en otras ocasiones, y, a la vez, muy puntillista y combinarlo con 150 artistas que tienen que ir con una precisión absoluta en cuanto al timbre, en cuanto al ritmo es un reto enorme. A la par esta orquesta y estos cantantes forman parte activa, muy implicada e indisoluble de la escena y de la acción dramática. La orquesta, que es el elemento dramático más potente de esta concepción, no está en el foso sino en unas plataformas a diferentes niveles  encima del escenario. La orquesta son estos soldados con la música avasalladora. Es un reto a todos los niveles. Es algo descomunal.

EL EQUIPO MUSICAL Y DE CANTANTES ES EXCEPCIONAL

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FOTO: MONIKA RITTERSHAU  

Los ensayos han pasado con una "facilidad fantástica", si se tienen cuenta que en toda producción de ópera hay una tensión lógica,

  • En este caso el equipo musical y de cantantes es excepcional. Estamos con una generación de cantantes que pueden abordar este tipo de música con una naturalidad asombrosa. Ello quiere decir que estamos en unos tiempos en que esta música tiene su momento de poder presentarla en un teatro. Auguro que esta pieza, en el futuro, formará parte del repertorio de las grandes compañías de ópera del mundo. El Teatro Real saca músculo y hace una demostración de que la orquesta y el propio teatro están a la altura y a nivel. Estamos contentos de poder presentar y defender esta obra tan extrema y tan utópica en muchos sentidos. 

CALIXTO BIEITO
DIRECTOR DE ESCENA

Calixto Bieito (Miranda de Ebro, 1963), fue director artístico del Teatro Romea de Barcelona entre 1999 y 2011. Organizó el Festival Internacional de las Artes de Castilla y León y el Barcelona International Teatre (BIT). Su debut en el mundo del teatro musical tuvo lugar en 1996, en el Teatro Tívoli de Barcelona con una versión controvertida de la zarzuela La verbena de la Paloma. El término "controvertido" ha terminado por formar parte de su ADN. Entre sus trabajos más recientes se encuentran Tannhäuser en la Ópera de Flandes, Lear de Reimann en París, La juive en Múnich, Tosca en Oslo y El ángel de fuego en Zúrich. Fue galardonado con el Premio Europeo de Cultura de la Fundación Pro Europa en 2009, con el Abbiati en 2012 y con el Lírico Campoamor en 2014. Es director artístico del Teatro Arriaga de Bilbao desde 2017. En el Real ha dirigido Wozzeck (CLIKEAR) y Carmen  (CLIKEAR).

LA MÚSICA, PROTAGONISTA DEL ESPETÁCULO

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   CALIXTO BIEITO
FOTO: JAVIER  DEL REAL

Calixto Bietio manifiesta sentirse muy contento de  volver al Real y reitera en la calificación de "acontecimiento único" presentar Die Soldaten, para el cual  ha dispuesto que la orquesta  ocupara el escenario y los intérpretes el foso de la orquesta que está elevado a la altura del escenario. El director musical está situado en el centro de la plataforma y de espalda a los cantantes.

  • El situar la orquesta sobre el escenario es porque el protagonista de este espectáculo es la música que tritura a los personajes. Los instrumentos son armas de fuego, las percusiones son cañones y la orquesta va arrastrando a los personajes hasta la extenuación. Colocando a los cantantes tan cerca del público provocamos un efecto de Primer Plano, que es muy importante para esta ópera. De las 15 representaciones que se han hecho de esta ópera en Europa, normalmente la energía se expande por muchos sitios. Se coloca en muchos sitios diferentes, y se  pierde algo fundamental, como son los primeros planos de los cantantes y el hilo argumental.

Al situar todas las plataformas de la orquesta en el escenario y no en diferentes lugares, permite que argumentalmente sea más clara, según Bieito.

  • Es más clarividente, donde mejor se  entiende todo. Donde también se juega con el tiempo y el espacio y donde los músicos son un inmenso cuartel militar. Se entiende perfectamente  la historia, los primeros planos, y como decía Strawinsky "es un acto de  egoísmo el decir voy a un concierto, cierro los ojos y me dejo llevar", pues se pierde la belleza  del movimiento de os músicos con el instrumento, la belleza de cómo tocan, la belleza de cómo se expresan los músicos, de cómo respiran con el instrumento. Aquí todo eso está. Puedo asegurar que es de las producciones donde la línea argumental se entiende más clara.     

Joan Matabosch abunda en afirmar esta claridad, si se compara con las otras producciones las cuales colocan a la orquesta en diferentes salas de ensayo del teatro y se amplifica el sonido en la Sala

  • Eso es horroroso, porque  la sensación que tienes en la sala es como si te  hubieran enchufado un disco. Salvo cuando se hace en Sazlburgo o en una nave industrial que la orquesta rodea al público, no hay más remedio que distribuirla en Salas. La opción de Bieito es una solución, también desde el punto de vista dramatúrgico, además de tener la orquesta en la Sala a esas  diversas alturas.
  • El que se coloquen en diversas salas de ensayo, enviado las señales de sonido - precisa Pablo Heras-Casado - es porque no hay ningún teatro del mundo donde quepa una orquesta así. Si ya es un reto enorme conjuntar a la orquesta  y tener un acercamiento pulcro y de detalle de lo que pide la partitura, no me quiero imaginar cómo se puede conjuntar las señales sonoras de cada sala, porque hay momentos de una textura orquestal muy brutal y extrema, pero otros muchísimos de una precisión rítmica total. En este caso el poder tener a todos los músicos, aunque sea un espacio enorme como es el de la caja escénica del Teatro Real, es una ventaja. Yo estoy en la plataforma de espalda a los cantantes que siguen mi dirección por monitores y la ayuda de un apuntador que está justo delante de los músicos y va coordinado por mí. El apuntador está claramente a la vista del público  

MÚSICA DE COLLAGE

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  FOTO: MONIKA RITTERSHAU

Una de las características de Zimmermann como compositor es lo que se ha definido como collage, ya que echa mano de distintos estilos musicales, aunque el propio Zimmermann quería que ese efecto sonoro de  collage se notase, porque es un modo de romper con las normas de las tres unidades del teatro clásico.  Pablo Heras-Casado reconoce que  eso es,  en el momento de dirigir

  • algo endiablado. Hay momentos de gran elemento rítmico y otros convencionales en el que no tiene tanto cambio rítmico. Aquí la unidad está en la propia concepción dramática. Hay muchas escenas que tienen un carácter más lírico y expresivo, aún siendo muy complejo. La orquesta se convierte en un gran tanque que arrasa todo. El "tutta forza", que es lo más fuerte posible,  está  en muchas ocasiones. Hay momentos en que utiliza 12 percusionistas, tocando con una delicadeza máxima y obteniendo efectos de color y tímbricos absolutamente maravillosos. A ello se une el que se requieran cantantes con voces muy potentes y que  estén en primera  línea apara favorecer el balance.  

UN ABISMO DE BRUTALIDAD

Carlos Bieito define su idea como "sencilla" en comparación con otras versiones, pero "muy poderosa", porque son 120 músicos

  • prácticamente volando y masacrando. Yo estaba desenado hacer esta obra hace muchos años, porque  primero fui un enamorado de Jakob Lenz(autor de la novela). Hace muchos lo traduje del francés al catalán, porque quería hacer la pieza. Luego descubrí la ópera y, desde hace muchísimos años,  la quería llevar a escena. Esta ópera habla de la infinita brutalidad del ser humano. Es inimaginable la capacidad del ser humano para destruir. En mi trabajo de  puesta en escena Los bandidos de Schiller pertenecen también a un período alemán. He puesto en escena también un Cuento de Lenz, en cuanto que este autor como Zimmermann me queda muy cercano. Si algo ha caracterizado al siglo XX desde un punto de vista negativo, y que, creo no se  hado en la historia pasada, es la cantidad de horrores, aberraciones y maldades. Zimmermann, que  lo conoció en primera persona, lo refleja como nadie. Es un abismo de brutalidad.        
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FOTO: MONIKA RITTERSHAU  

Este aspecto brutal es lo que proporciona actualidad a Die Soldaten, ya que en opinión de Bieito

  • el ser humano es capaz de esa brutalidad y de esa maldad y no hace falta  poner ningún ejemplo para darnos cuenta de la actualidad de esta ópera. Algo que tengo que confesar es que en esta ópera no podía ensayar 6 horas al día, porque es imposible. Cuando la monté por primera vez  ensayaba 3 horas al día porque para los cantantes es brutal. Además hay un tema: no dejarte arrastrar por la propia pieza, porque te lleva, en tu interior, a sitios personales que te crea una inquietud, una angustia muy extrema. En ese  sentido ha sido una de las piezas más complicadas, pero habiendo hecho muchas puestas en escena de piezas en alemán, en Alemania de ese período, es un material que conocía bien. De todos modos tuve alguno ensayos donde tuve el peligro de dejarme arrastrar por ese pesimismo extremo. Para evitarlo cuando trabajas en el arte lo importante es hacerlo con sinceridad a todos los niveles y en, este caso, en relación con los cantantes, director musical y músicos.

De todos modos, trabajar con el mal Calixto ve que tiene un efecto catártico así como el procurar no caer en esos mismos horrores.

Joan Matabosh recuerda que el autor de la obra  sufrió en su propia carne esos horrores.

  • Está escrita después de la segunda guerra mundial durante la guerra fría y cuando diariamente, llegan noticias muy siniestras procedentes de Vietnam y es una obra que haya que recordar para que nada de todo esto vuelva a pasar.

MUCHÍSIMO TRABAJO PREVIO    

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  FOTO: MONIKA RITTERSHAU

Pablo Heras-Casado durante los veintitantos años de carrera ha trabajado mucho con "ensembles" de música contemporánea, pero confiesa que

  • al llegar a esta partitura todos los esquemas se rompen. Va mucho más allá que cualquier otra obra escrita que se haya hecho antes. Entonces  es una obra inabarcable. La tensión dramática y musical, cada vez que la ensayas, intentas penetrar en un universo intelectual  y físico muy extremo. Es el extremo final de una obra que requiere muchísimo trabajo previo y muchísima preparación. Ha pasado con esta partitura muchísimo tiempo que jamás he tenido con otras. Al final todo ese trabajo en detalle, compás a compás, escena a escena, cuando haces un paso de principio a fin, la potencia dramática es completamente convincente. Funciona y ves que es un teatro musical que rompe moldes.

MICHAEL ZLABINGER
DIRECTOR MUSICAL EL 19 DE MAYO

El 19 de mayo Pablo Heras-Casado es sustituido en la dirección musical por Michael Zlabinger, quien desde el principio está en todos los ensayos y es asistente de la producción, de modo que ha trabajado conjuntamente con Pablo y se ha visto muy implicado en todo el proceso. Por otro lado ya ha participado en tres producciones diferentes de esta obra    

Michael Zlabinger (Viena) terminó sus estudios de órgano y música sacra en 2003 y continuó sus estudios de dirección y piano en la Universidad de Artes escénicas en Viena y, posteriormente, en Lucerna (Suiza). Asistió a clases magistrales de Bernard Haitink y Pierre Boulez. Trabajó en la Volksoper de Viena como asistente del director musical. En 2005 fundó la Camerata Mariabrunn, con la que ha dado conciertos en Bélgica, España, Holanda, Serbia y Suiza. Debutó como director musical en la Ópera de Zúrich en el estreno mundial The ghost of Canterville de Marius Felix Long. Posteriormente ha dirigido allí la ópera Robin Hood y los ballets Notations y Woyzeck de Frank Schwemmer. En Corea del Sur dirigió, en abril de 2015, L’elisir d’amore.

 

Más información
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José Ramón Díaz Sande
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FOTO:
BOGUSŁAW TRZECIAK

 

Teatro Real
Director: Joan Mataboch
Plaza de oriente s/n
28013 – Madrid
Tf. 91 516 06 60
Metro: Ópera, líneas 2 y 5
Ramal Ópera-Príncipe Pío
Sol, líneas 1, 2 y 3
Autobuses: Líneas 3, 25 y 39
Parking: Plaza de Oriente
Cuesta y Plaza de Santo Domingo
Plaza mayor

www.teatro-real.com

 

 

Última actualización el Lunes, 14 de Mayo de 2018 20:18