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XVII TEATRALIA 2013
ARTES ESCÉNICAS PARA NIÑOS Y JÓVENES
De 0 a 18 años
PROGRAMACIÓN
REPRESENTACIONES EN MADRID
BErrRRinche
El gallo de las veletas
En corps (A cuerpo)
Esos locos barrocos
La asombrosa historia de Mr. Snow
La caverna sonora
Le grand méchant loup
Le miroir aux fourmis
Pinocho
Premiers pas sur la dune
Prometeu
Rainbow Blue
Romance dans les graves
Ultra
Del 1 al 24 de marzo de 2013
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| BErrRRinche MÉXICO Y CANADÁ |
Figurat s.c. – Théâtre motus
Idioma: español
Género: teatro y títeres
Edad mínima recomendada: 5 años
Franja de edad recomendada: de 5 a 10 años
Duración aproximada: 45 minutos
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| FOTO: LUIS EKIRO |
Centro Cultural Paco Rabal‐Palomeras Bajas
Martes 5 de marzo ‐ 10.30h (campaña escolar)
Miércoles 6 de marzo ‐ 10.30h (campaña escolar)
“No debemos enseñar a los niños a suprimir la violencia sino a utilizarla creativamente y controlarla”. (Hélène Ducharme, Directora de BerrRRinche)
BerrRRinche tiene como tema principal el manejo de la ira en una relación entre madre e hijo. El berrinche es un suceso corto pero intenso que viene de dentro y el niño tiene que aprender a conocer y controlar. Durante la representación, madre e hijo descubren juntos un nuevo espacio de armonía.
La puesta en escena emplea diversos recursos y lenguajes, desde el teatro de sombras y el musical, hasta títeres y Marionetas de gran tamaño. Es un tema muy rico porque permite “poner en imágenes” todas las transformaciones físicas y psicológicas de los personajes.
Fue presentada por primera vez en Québec en 2004 con el nombre de La Crise y celebró alrededor de 150 funciones entre Francia y Canadá con gran éxito. Esta nueva versión es un proyecto de coproducción entre FiguraT S.C. (México) y Théâtre Motus (Québec), en el que participan creadores mexicanos y
canadienses, con la intención de ofrecer el mismo espectáculo en dos idiomas: BerrRRinche, en español y Tiger bythe Tail, en inglés. Ambas versiones interpretadas por el mismo elenco mexicano y dirigidas por Hélène Ducharme.
Autor: Hélène Hucharme
Dirección: Hélène Hucharme
Intérpretes: Hergio bátiz, Paola Huitrón y Lizeth Rondero
Escenografía: Astillero Teatro, con la idea original de Marc‐André Coulombe
Diseño de vestuario: Mar y Sol Rodríguez Sosa
Atrezzo: títeres: Claude Codrigue / sombras: Jean Cummings
Creación musical: Omar Guzmán
Iluminación: Michel Saint‐Amand
Diseño gráfico: Théâtre Motus
Producción: Théâtre Motus y Figurat s.c.
www.theatremotus.com
| EL GALLO DE LAS VELETAS ESPAÑA (COMUNIDAD DE MADRID) |
La Canica Teatro de Títeres
Idioma: español
Género: títeres
Edad mínima recomendada: 4 años
Franja de edad recomendada: de 4 a 8 años
Duración aproximada: 45 minutos
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| FOTO: LA CANICA |
MADRID – La Casa Encendida
Sábado 9 de marzo ‐ 12.00h (público general)
Domingo 10 marzo – 12.00h (público general)
“El texto de Villafañe me emocionó profundamente. La bellísima historia “El gallo de las veletas” permite lecturas a diversos niveles, pero en el fondo habla de revisar las propias creencias y de querer ir más allá. Este contenido y el uso que Villafañe hace del lenguaje me parecieron pura poesía”. (Pablo Vergne, director de La Canica Teatro de títeres)
El Gallo de las Veletas es un espectáculo de títeres que combina el relato poético en las voces de dos actrices con el juego teatral de los protagonistas de la historia. La puesta en escena está caracterizada por la expresividad de los objetos, el poder evocativo de la música, los momentos de coreografía corporal y otros recursos teatrales.
Bajo la dirección de Pablo Vergne, La Canica Teatro de Títeres adapta el cuento de Javier Villafañe que pone en boca de los personajes, su rebeldía, su exaltación de la libertad y sus ganas de vivir. Narra la historia de un gallo que vivía en un gallinero, donde siempre habían vivido sus padres, sus abuelos, sus bisabuelos y sus tatarabuelos. Una tarde de otoño, un benteveo se acercó a conversar con el gallo y, tras ese encuentro, el gallo decide escapar para conocer el río, el bosque, la montaña, el mar.
Autor: Pablo Vergne (A Partir de un Cuento de Javier Villafañe)
Dirección: Pablo Vergne
Intérpretes: Marisol Rozo Y Eva Soriano
Escenografía y Atrezzo: Pablo Vergne Y Eva Soriano
Coreografías: Marisol Rozo
Iluminación: Raúl Briz
Diseño Gráfico: Eva Soriano
Producción: La Canica
www.lacanicateatro.com
| EN CORPS (A CUERPO) FRANCIA |
Compagnie Acta
Idioma: canciones en español y francés
Género: danza, teatro y vídeo
Edad mínima recomendada: 4 años
Franja de edad recomendada: a partir de 4 años
Duración aproximada: 45 minutos
Estreno en España
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| FOTO: AGNES DESFOSSE |
MADRID
Sala Cuarta Pared
Domingo 3 de marzo ‐ 17.30 h (público general)
Lunes 4 de marzo ‐ 10.30 h (campaña escolar)
“Es una brillante composición visual en la que a los niños de 4 años se les ofrece una historia que tienen que inventar ellos mismos, con el escenario como punto de referencia recurrente. Todo se combina en términos de energía e intensidad en este fresco que gira sobre la base de la brillantez de los tres actores”. (Le Devoir‐Montréal: Théâtre pour jeunes publics‐ Incandescences et autres intensités ‐ Michel Bélair)
En Corps ha sido creado por Laurent Dupont en colaboración con Agnés Desfosses y su Compañía ACTA. Es un espectáculo inspirado en la pintura de Picasso y Velázquez y en la tradición musical española. Composición visual y sonora viva, en constante evolución, dedicada tanto a público adulto como al infantil. No deja de ser curioso que dos artistas franceses, dos pesos pesados de la creación para la primera infancia, Agnés Desfosses y su compañía ACTA, y Laurent Dupont, dirijan su mirada hacia el patrimonio cultural español para componer este montaje.
En el espacio íntimo de su taller, un pintor acoge a un bailarín y una cantante, protagonistas de su nueva composición. Bajo su mirada, se lanzan una serie de evocaciones artísticas de lugares lejanos como desfiles de animales, máscaras, combates, etc.
En Corps, que se estrena en España en el marco del festival, es la primera entrega de una trilogía, Corps et a cris, que reflexiona sobre dos importantes etapas vitales: la infancia y la adolescencia. Los otros dos títulos son A corps et cris, para público adolescente y estrenado en 2012, y En Corps (e) crits, que se estrenará a lo largo de 2013 y está dirigida a un público a partir de 11 años.
El espectáculo nace de la fructífera colaboración entre cuatro artistas vinculados a distintos lenguajes artísticos contemporáneos: Marie Fraschina, cantante; Mathieu Fiorentini, especialista de sonido; David Liver, artista plástico e intérprete; y Thierry Maboang, bailarín. Su inspiración procede de las fuentes del circo y las corridas de toros, de los cantos y los paisajes sonoros de las tradiciones gitana y andaluza.
Dirección: Laurent Dupont
Intérpretes: Marie Fraschina, Thierry Maboang Y David Liver
Escenografía: Patricia Lacoulonche
Creación Musical: Mathieu Fiorentini
Diseño de Sonido: François Piednoir
Producción: Compagnie Acta
www.compagnie‐acta.org
| ESOS LOCOS BARROCOS ESPAÑA (COMUNIDAD DE MADRID) |
Ron Lalá
Idioma: español
Género: Teatro
Edad mínima recomendada: 14 años
Franja de edad recomendada: a partir de 14 años
Duración aproximada: 60 minutos
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| FOTO: DAVID RUIZ |
MADRID
Círculo de Bellas Artes (Teatro Fernando de Rojas)
Martes 12 de marzo ‐ 10.30 h (campaña escolar)
Miércoles 13 de marzo – 10.30h (campaña escolar)
“Talento tan grande que resulta casi indecente. Una ingeniosa forma que busca identidades entre pasado y presente. En su crítica, los de Ron Lalá rozan la temeridad. Pero esto es puro teatro. Las penas con música y buen teatro pesan menos.” (Javier Villán, El Mundo)
Esos locos barrocoses el viaje de ida y vuelta más divertido, fresco y delirante desde nuestra actualidad al Siglo de Oro. Se trata de una adaptación para el público juvenil y familiar del espectáculo que ha supuesto el mayor éxito de crítica y público de la historia de Ron Lalá: Siglo de Oro, Siglo de Ahora (Folía).
Durante algo más de una hora, tres de los miembros de la compañía de teatro, humor y música Ron Lalá proponen un encuentro con el público juvenil para presentar de manera directa, cercana y participativa una selección de piezas breves con humor y música en directo, escritos en verso a la manera de los clásicos del siglo XVII. La obra establece un puente entre la crisis del Siglo de Oro y la de nuestros días. Un diálogo entre lo clásico y lo contemporáneo con toda la libertad del humor, la emoción de la música en directo y la belleza del verso.
No se trata sólo de una obra de teatro, sino también de un coloquio o “clase abierta” de los creadores con su público: los “ronlaleros” dialogan con los jóvenes, les cuentan los entresijos, los vericuetos y las anécdotas de su profesión, les invitan a participar de los ritmos, melodías, escenas... Los espectadores podrán, incluso, modificar características de los personajes y completar el texto en diversos pasajes.
Esos locos barrocos nos abre la puerta a valores como la igualdad, el trabajo en equipo, la actitud crítica ante el mundo y la sociedad, la rebeldía ante el poder injusto, el sentido del humor, la libertad, la justicia, el amor al arte y la literatura. La propuesta teatral se presenta así como un juego formal, escénico, textual y musical entre tradición y modernidad, puesto al servicio de la carcajada inteligente.
Textos Originales, Composición Musical Y Arreglos: Ron Lalá
Dirección: Yayo Cáceres
Versificación: Álvaro Tato
Dirección Musical: Miguel Magdalena
Iluminación: Miguel A. Camacho
Técnico De Luces: Diego Domínguez
Diseño De Vestuario: Tatiana de Sarabia
Producción De Vestuario: Arantxa De Sarabia y Tatiana de Sarabia
Realización De Vestuario: Taller Alejandro Jaén
Realización De Mundo Y Tarimas: Mundo
Escenografía: Ron Lalá
Fotografías Y Diseño Gráfico: David Ruiz
Guía Didáctica: Julieta Soria
Producción Ejecutiva: Martín Vaamonde
www.ronlala.com
| LA ASOMBROSA HISTORIA DE MR. SNOW ESPAÑA (CATALUÑA) |
Antonio Díaz
Idioma: español
Género: magia
Edad mínima recomendada: 6 años
Franja de edad recomendada: a partir de 6 años y público familiar
Duración aproximada: 70 minutos
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| FOTO: CÍA ANTONIO DÍAZ |
MADRID
Teatros del Canal (Sala Verde)
Sábado 9 de marzo – 19.00h (público general)
Domingo 10 de marzo ‐ 12.00 h (público general)
“Antonio Díaz sigue tan bueno como siempre en las manipulaciones y la magia de cerca –realmente un especialista con las cartas, sorprendente y original con los peces, impresionante con los aros que vuelan– pero ahora ha conseguido mayor dinamismo acortando el montaje audiovisual y dando un mejor acabado a algunos
números”. (C. Cascón, Diari de Sabadell)
Descrita por algunos de sus espectadores como un espectáculo de magia, humor, emociones y buena música, La asombrosa historia de Mr. Snow es un viaje de risas y de asombro donde el ilusionismo sirve de pretexto para contar una conmovedora historia llena de imaginación, humor, nostalgia y fantasía. Un universo en el que es
posible que las mariposas se toquen sin tocarse, que la nieve inunde un espacio cerrado y que un pez adivine el pensamiento de un espectador.
Este mockumentary (falso documental) narra la vida de uno de los ilusionistas más importantes y desconocidos de la historia, Mr.Snow. Su director e intérprete, Antonio Díaz, ha creado un espectáculo a su medida donde se integran escenario y patio de butacas, y en el que la magia se apodera, aunque solo sea durante algo más de una hora, del ambiente teatral. Un “falso audiovisual” da pie a que se sucedan sobre el escenario toda una serie de “mini espectáculos” de manipulación, ilusionismo y magia que, cuando menos, causan sorpresa al público.
La asombrosa historia de Mr. Snowfue todo un éxito en FETEN 2012, y Premio al Mejor Espectáculo de LA MOSTRA de IGUALADA de 2012, otorgado por votación popular.
Idea Original Y Dramaturgia: Antonio Díaz Cascajosa
Dirección: Eva Maestro / Antonio Díaz
Intérpertes: Antonio Díaz Cascajosa
Escenografía: Xavi Masip / Antonio Díaz
Vestuario: Anna Nolla / David Tutusaus
Atrezzo: Xavi Masip / Antonio Díaz
Selección Musical: Jesús Díaz / Antonio Díaz
Iluminación: Rubén Gómez
Sonido: Rubén Gómez
Diseño Gráfico: Stebba Oskmattir
Producción Audiovisual: Lluís Escarmís
Producción: Pilar Pérez / Antonio Díaz
www.antoniodiaz.com
| LA CAVERNA SONORA ESPAÑA (COMUNIDAD DE MADRID) |
La Casa Incierta
Idioma: español
Género: teatro y música
Edad mínima recomendada: 0 años
Franja de edad recomendada: de 0 a 4 años
Duración aproximada: 30 minutos
Estreno en Teatralia 2013
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| FOTO: LA CASA INCIERTA |
MADRID
Teatros del Canal ( Centro Danza Canal)
Viernes 8 de marzo ‐ 10.00h y 11.30h (campaña escolar)
Sábado 9 de marzo – 12.00h y 18.00h (público general)
“Entrar en el universo del bebé y del arte es entrar en el vacío radical. Allí donde no hay trampas ni estructuras. Para el artista, es entrar en una zona de riesgo, donde el arte está liberado totalmente de la forma, de la convención y del estereotipo. En el arte para bebés, no hay jerarquías de poder, y a veces es más importante ser espacio que ser acto”. ‐ (La Casa Incierta)
La caverna sonoraes una pequeña ópera para bebés que parte de la pequeña sensación de lo que sentimos o sabemos, pero no somos capaces de expresar y comunicar. Un maravilloso viaje a las resonancias sonoras del lenguaje en la cueva de la garganta, en la caverna de la boca y del cráneo.
Una actriz, una cantante lírica y un piano en directo nos acompañan en el recorrido poético del ser humano cuando empieza a hablar. Según su director, Carlos Laredo, “los sonidos para el ser humano nacen de la necesidad de exploración y de la necesidad de comunicación social donde comunicar puede ser sinónimo de supervivencia”.
La caverna sonorapone de manifiesto cómo el balbuceo, maravilloso intento de comunicación al que no debemos restarle importancia, nos acompaña a lo largo de toda la vida y se transforma en el uso de muletillas, en lo que no podemos recordar, en lo que nos cuesta expresar.
Autor: Carlos Laredo y Miguel Ángel Mendo
Dirección: Carlos Laredo
Intérpretes: Clarice Cardell, Maribel Per, Mikhail Studyonov y Tatiana Studyonov
Escenografía: La Casa Incierta
Vestuario: Val Barreto
Creación Musical: Mikhail Studyonov
Iluminación: Carlos Laredo
Diseño Gráfico: Enrique Lafuente
Producción: Clarice Cardell
www.lacasaincierta.com
| LE GRAND MÉCHANT LOUP (EL GRAN LOBO FEROZ) CANADÁ |
Dynamo Théâtre
Idioma: español
Género: teatro
Edad mínima recomendada: 6 años
Franja de edad recomendada: de 6 a 12 años
Duración aproximada: 55 minutos
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| FOTO: ROBERT ETCHEVERRY |
MADRID
Centro Cultural Paco Rabal‐Palomeras Bajas
Viernes 15 de marzo ‐ 10.30 h (campaña escolar)
‘Me encantan los tontos, los cuentos y el teatro. Odio la inquietud, el miedo y la humillación. Y esto es exactamente de lo que va la obra”. (Jacqueline Gosselin, guionista y directora de Le grand méchant loup)
En 2010, Dynamo Théâtre crea Le grand méchant loup, una obra en la que, de manera inesperada, absurda y conmovedora, tres alumnos poco aplicados hacen una presentación oral sobre el personaje del lobo feroz en los cuentos clásicos infantiles.
A lo largo de una delirante exposición, los tres personajes, la señorita Morena, la señorita Rubia y el señor Castaño, hablan del fascinante personaje del lobo feroz en tres cuentos infantiles: Caperucita Roja, El Lobo y los Siete Cabritos y Los Tres Cerditos. Sin embargo, no saben muy bien cuáles son los roles de cada personaje ni
tampoco dominan el arte de la exposición. Mientras intentan hilar su exposición, muestran su lado más vulnerable y hacen comprender a los espectadores que uno se hace más fuerte al enfrentarse a las dificultades. Y ése es el reto que más tarde o más pronto todos los niños afrontan.
Disciplinas artísticas como sombras, danza, canto y teatro de clown se dan cita en Le grand méchant loup, obra que pone el foco sobre las debilidades, la fragilidad y las humillaciones, grandes o pequeñas, de la naturaleza humana a través de la risa de los espectadores.
Con la obra que representará en Teatralia 2013, la compañía fue finalista en 2010 del premio Louise‐Lahaye, en la sección de jóvenes audiencias del Centro de Autores Dramáticos de Montreal.
Autor y Dirección: Jacqueline Gosselin con la colaboración ce Maryève Alary, Marilyn Perreault e Ives Simard
Intérpretes: Maryève Alary, Milva Ménard, François Simon Poirier y Francis Guérard
Escenografía: Pierre‐Étienne Locas
Atrezzo: Pierre‐Étienne Locas
Vestuario: Pierre‐Étienne Locas
Creación Musical: Chad Vicent
Iluminación: Luc Prairie
Asistente Dirección: Clémence Doray
www.dynamotheatre.qc.ca
| LE MIROIR AUX FOURMIS (EL ESPEJO DE LAS HORMIGAS) FRANCIA |
Compagnie Pupella Noguès
Idioma: español
Género: marionetas, objeto y actor
Edad mínima recomendada: 3 años
Franja de edad recomendada: de 3 a 6 años
Duración aproximada: 45 minutos
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| FOTO: BRUNO WAGNER |
MADRID
Círculo De Bellas Artes (Sala Columnas)
viernes 8 de marzo ‐ 10.30 h (campaña escolar)
sábado 9 de marzo – 12.00h (público general)
“Los haïkus impregnan la temporada de dulzura y rareza. Marionetas, objetos, proyecciones, actores y un universo musical que se responden con gran libertad. La Compagnie Pupella‐Noguès desliza la poesía en los tímpanos detodos los niños. La escenografía es de una riqueza remarcable. Todo es bello y preciso al mismo tiempo. Este espectáculo es una joya, lleno de inteligencia, picardía, simplicidad y sinceridad”. (‐ Nathalie Besançon – Scène Conventionnée Les 7 collines)
Le miroir aux fourmises un haïku (poema breve de tradición japonesa) marionético, teatral y musical para niños pequeños. Un espectáculo que habla con humor y frescura del mundo que nos rodea, marcado por el ritmo del tiempo que va pasando, de las cuatro estaciones, del paso del día a la noche. Mezcla, con excelente habilidad, sonido, vídeo, poesía y cuento.
Una marionetita gruñón, un músico soñador y un manipulador de hilos son los guías en esta aventura, en la que también intervienen otros personajes, como gatos, ratones, ranas o un cuervo. El escenario se convierte en un barco que navega a merced de las estaciones y del tiempo.
Con un lenguaje limpio y sin artificios, el espectáculo consigue transmitir a los más pequeños una poética deliciosa, simple y auténtica. La escenografía, bella y precisa, los efectos de sonido, la música improvisada en directo con un ordenador y el uso del vídeo, la poesía y el cuento, las marionetas y las sombras chinas, componen una bella y deslumbrante joya escénica que deleitará tanto a pequeños como a grandes.
Autor: Giorgio Pupella, Joëlle Noguès
Dirección: Joëlle Noguès
Intérpretes: Giorgio Pupella, Victor Betti, Cyril Deguilhem
Escenografía: Delphine Bailleul, Joëlle Noguès, Giorgio Pupella
Creación Musical: Víctor Betti
Iluminación Myriam Bertol
Sonido:Víctor Betti
Diseño Gráfico Michel Strauss
Producción: Coproducción Compagnie Pupella‐Noguès, Ville D’issoire en Colaboración Con Le Parvis, Scène Nationale Y El Centro Cultural De Ramonville
www.pupella‐nogues.com
| PINOCHO ESPAÑA (CASTILLA‐LA MANCHA) |
Ultramarinos de Lucas
Idioma: español
Género: teatro
Edad mínima recomendada: 5 años
Franja de edad recomendada: 5 a 10 años
Duración aproximada: 70 minutos
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| FOTO: RAQUEL FERNÁNDEZ |
MADRID
Centro Cultural Paco Rabal‐Palomeras Bajas
Sábado 9 de marzo ‐ 19.00h (público general)
“El niño acaba siempre por perderse en el bosque de los adultos. La niñez está perpetuamente amenazada, destinada a desaparecer para siempre en un horizonte poblado, adulto y oscuro. Al hijo lo perdemos siempre”. (Francisco Umbral, Mortal y rosa)
Ultramarinos de Lucas nos transporta con esta obra a la historia de Pinocho, el popular cuento escrito por Carlo Collodi. Un carpintero llamado Maese Cereza regala un trozo de madera muy especial a Gepetto, otro carpintero, que tallará un muñeco al que llama Pinocho y que cobra vida, resultando ser rebelde y desobediente.
Pinocho escapa de casa y vive unas aventuras fabulosas que le harán crecer entre peligros y afectos, de la mano de varios personajes, a cada cual más fantástico. Mientras, Gepetto busca a Pinocho hasta acabar mar adentro engullido por un tiburón, en cuyo interior lo encontrará Pinocho, que lo salvará y cuidará para siempre.
Para construir Pinocho, la compañía ha seguido fielmente la obra original de Carlo Collodi, que presenta la infancia como una fuerza libre y transgresora dentro de la sociedad. Pinocho es un personaje único y cautivador, que vive emocionantes aventuras que le llevan a descubrir los afectos, la dureza y la violencia del mundo, a la luz de sus propios sueños. El relato transcurre entre la fantasía y la más cruda humanidad.
Pinocho es una delicada obra en las que se hace hincapié en las interpretaciones sencillas y la manipulación delicada de títeres y objetos, sin grandes artificios pero con mucha magia. En palabras de la compañía, “este espectáculo nace de la emoción y de las preguntas qué supone ser padre, qué es ser hijo, cuál es nuestro destino y cuánto necesitamos luchar por lo que soñamos”.
Pinochose estrenó el año pasado en la Feria Europea de Artes Escénicas para niños y jóvenes, FETEN, que se celebra anualmente en Gijón.
Autor: Carlo Collodi y Ultramarinos de Lucas
Dirección: Jorge Padín
Intérpretes: Juam Monedero y Juan Berzal
Escenografía: Raquel Fernández
Atrezzo: Sandra Illana, Izaskun y Juli De Nájera
Vestuario: Martín Nalda
Creación Musical: Borja Ramos
Iluminación: Juan López Berzal
Diseño Gráfico: Borja Ramos
Producción: Ultramarinos de Lucas
www.ultramarinosdelucas.com
| PREMIERS PAS SUR LA DUNE (PRIMEROS PASOS EN LA DUNA) BÉLGICA |
Tof Théâtre
Idioma: sin palabras
Género: títeres
Edad mínima recomendada: 3 años
Franja de edad recomendada: de 3 a 10 años
Duración aproximada: 45 minutos
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| FOTO: TOF THÉÂTRE |
MADRID
Teatro Pradillo
Viernes 15 de marzo ‐ 10.00h y 11.30h (campaña escolar)
Sábado 16 de marzo – 18.00h (público general)
“Un trabajo de orfebre manipulado por cuatro elegantes marionetistas”. (‐ Laurence Berteles, Le Libre Belgique)
¿Cuál es el hilo conductor entre una col, un patito de goma, las nubes, un pez de colores y una casa? Esta acumulación de objetos evocadores de la infancia compone la arquitectura interior de un hombrecillo, en buscade su propia identidad. Manipulado por cuatro marionetistas que parecen salidos de una pintura de Magritte, el hombrecillo sigue su camino a través de una desconcertante asociación de situaciones cómicas cuya lógica solo está determinada por su inconsciente.
Obra graciosa, poética, rítmica, sensible y con sutiles toques surrealistas, que deviene en recorrido onírico o un mundo donde nuestra niñez, nuestros fracasos y nuestras conquistas flotan libres. Premiers pas sur la dunedibuja, con humildad y buen humor, un retrato de la frágil conciencia del ser humano.
Premiers pas sur la dunees una delicada joya de Tof Théâtre, en la que pequeñas marionetas se mueven en un espacio escénico en continuo cambio y cuidado hasta el mínimo detalle. La obra ha sido reconocida con el Prix dela Ministre de Culture y con el Coup de coeur de la presse aux Rencontres du Théâtre Jeune Public en agosto de 2009 y nominado al Premio de la Crítica en 2010 en la categoría de “Mejor Creación artística y técnica”.
Con Premiers pas sur la dune, Tof Théâtre se niega a dejarse encajonar en un cliché pre‐establecido y sueña con suprimir las fronteras entre el teatro para niños y adultos.
Autor: Alain Moreau
Dirección: Alain Moreau
Intérpretes: Julie Antoine, François Ebouele, Fréderic Lubansu, Karine Birgé, Aude Droessaert, Pier Gallen, Simon Janne Y Toztli Godinez De Dios
Escenografía: Alain Moreau Con La Asistencia De Céline Robaszynski
Iluminación: Dimitri Joukovsky
Sonido: Dimitri Joukovsky
Música: Max Vandervorst
Fotografía: Melisa Stein
Diseño Gráfico: Mélanie Rutten
Co Producción: Atelier Théâtre Jean Vilar (Louvain‐La‐Neuve) y Théâtre de La Vie (Bruselas)
www.toftheatre.be
Lafontana – Formas Animadas
Idioma: español
Género: teatro de sombras, música y actor
Edad mínima recomendada: 8 años
Franja de edad recomendada: A partir de 8 años
Duración aproximada: 60 minutos
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| FOTO: JOSÉ VICENTE |
MADRID
Teatro de La Abadía (Sala José Luis Alonso)
Viernes 8 de marzo ‐ 10.30h (campaña escolar)
Sábado 9 de marzo – 18.00h (público general)
Prometeu, coproducida con la Casa de Música de Oporto y el Festival Internacional de Cortometrajes de Vila do Conde, es una performance multimedia inspirada en el tradicional teatro de sombras indonesio, el Wayang Kulit y su transposición en el universo de signos y referencias occidentales. Wayang significa, en javanés, iluminación e ilusión, pero también es un término utilizado para designar a las marionetas. La práctica de este tipo de teatro es milenaria y en Java (Indonesia) está considerado como la más alta manifestación de cultura del país.
El espectáculo bebe de las raíces tradicionales asiáticas y las desarrolla con tecnología y lenguajes actuales. Los personajes de la mitología griega relativos a la epopeya heroica del titán Prometeo, que roba el fuego a los dioses para entregárselo a los hombres, están representados por siluetas y títeres manipulados sobre una mesa retro‐iluminada. Las imágenes son captadas por una cámara de vídeo, transformadas por un sistema informático y después proyectadas sobre una pantalla. La banda sonora original está apoyada por sonidos producidos en vivo mediante un sistema robótico, controlado por ordenador. El teatro, la música y la expresión audiovisual se funden en escena, creando un singular lenguaje.
Un relato lleno de dioses, intrigas, héroes y batallas que muestra la voluntad humana de saber, en oposición a la hegemonía de los dioses. Prometeu, que ha sido galardonado con el premio al mejor espectáculo para niños de la XV Feria de Teatro de Castilla y León, es un espectáculo de carácter experimental, objeto de estudio en el Máster Arte del Actor Titiritero, de la Universidad de Évora (Portugal).
Autor: Marcelo Lafontana
Dirección: Marcelo Lafontana
Intérpretes: Marcelo Lafontana
Escenografía: Silvia Fagundes
Creación Musical: Jose Alberto Gomes
Iluminación: Pedro Cardoso y Luis Grifu
Producción: Lafontana, Casa da Música de Oporto y El Festival Internacional de Cortometrajes
www.lafontana.pt
| RAINBOW BLUE PAÍSES BAJOS |
Introdans
Idioma: sin palabras
Género: danza
Edad mínima recomendada: 8 años
Franja de edad recomendada: a partir de 8 años
Duración aproximada: 85 minutos (incluido intermedio)
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| FOTO: HANS GERRITSEN |
MADRID
Teatros del Canal (Sala Verde)
Jueves 14 de marzo ‐ 10.30h (campaña escolar)
Viernes 15 de marzo – 19.00h (público general)
"Todo el mundo, grandes y pequeños, disfrutarán y soñarán viendo este delicioso montaje de danza interpretado por los magníficos bailarines de Introdans”. (Roel Voorintholt, director artístico de Introdans)
Con Rainbow Blue(Arco Iris Azul), Introdans propone a los jóvenes un viaje al fantástico mundo de Alwin Nikolaïs, artista multidisciplinar que diseñó, no solo las coreografías, sino el resto de elementos escénicos de sus cerca de cien producciones. Él mismo se llamaba “arquitecto del movimiento” y concebía al acto escénico como un conjunto de elementos: coreografía, música, iluminación, escenografía, etc.
Introdans, que posee en exclusiva para los Países Bajos los derechos de las obras de Nikolaïs, presenta en esta propuesta para Teatralia cinco piezas del artista estadounidense.
Crucible(Crisol), muestra un ingenioso uso de espejos y sofisticados juegos de luces; Tensile Involvement, es posiblemente uno de los mayores éxitos del artista pues en ella los bailarines ofrecen un maravilloso espectáculo enredados en cintas elásticas, un recurso estético que posteriormente ha sido utilizado por infinidad de artistas; Noumenon, Two not yet togethery Dime in the Slotcompletan la serie de piezas de Nikolaïs que podrán verse en Teatralia 2013.
El montaje también contiene la pieza Blue Journey(Viaje Azul), del joven coreógrafo holandés David Middendorp que emplea hábilmente imágenes de película. Por último, Short Circuit(Cortocircuito), creada por el bailarín y coreógrafo francés Jérôme Meyer, es una deliciosa película de animación.
Dirección: Roel Voorintholt Y Ton Wiggers
Intérpretes: 11 Bailarines En Escena
Coreografía: Alwin Nikolaïs, Jérôme Meyer Y David Middendorp
Escenografía: Crucible, Noumenon, Tensile, Two Not Yet Together Y Dime In The Slot: Alwin Nikolaïs;
Short Circuit: Jérôme Meyer (Mc Dance); Blue Journey: David Middendorp
Vestuario: Crucible, Noumenon, Tensile, Two Not Yet Together Y Dime In The Slot: Alwin Nikolaïs;
Short Circuit: Jérôme Meyer (Mc Dance); Blue Journey: Doriene Van Ijsseldijk
Creación Musical: Crucible, Noumenon, Tensile, Two Not Yet Together Y Dime In The Slot: Alwin Nikolaïs;
Short Circuit: Marcus Graf; Blue Journey: Radiohead
Iluminación: Crucible, Noumenon, Tensile, Two Not Yet Together Y Dime In The Slot: Alwin Nikolaïs;
Short Circuit: Jérôme Meyer (Mc Dance); Blue Journey: Berry Claassen
Producción: Janette Krabbenborg
www.introdans.nl
| ROMANCE DANS LES GRAVES (ROMANCE EN LA ORILLA) FRANCIA |
Théâtre Sans Toit
Idioma: sin palabras
Género: música y títeres
Edad mínima recomendada: 8 años
Franja de edad recomendada: a partir de 8 años y público familiar
Duración aproximada: 65 minutos
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| FOTO: THÉÀTRE SANS TOIT |
MADRID
Théâtre de L´lnstitut Français de Madrid
Lunes 4 de marzo ‐ 20.00h (público general)
Martes 5 de marzo – 11.00h (campaña escolar)
“Este espectáculo que mezcla marionetas y música ofrece un delicado momento imbuido de una poesía que oscila sin cesar entre lo burlesco y la desilusión.” (Anne Clause, Rue du Théâtre )
Romance dans les gravesestá basada en Historia de un contrabajode Anton Chejov. Un músico bajista, que va camino de un concierto por la orilla de un río, se enamora de una muchacha que está pescando tranquilamente.
La intención de dejarle unas flores de recuerdo tendrá graves consecuencias para el músico y la ninfa del agua. El resultado de la peripecia, tras una serie de malentendidos absurdos, es un asombroso final, en el que no falta el humor.
Una bella historia para compartir niños y adultos, con música de Borodin, en la que músicos, marionetistas y manipuladores trabajan unidos sin ningún artificio. La puesta en escena se basa en el virtuosismo de sus ejecutantes y en el realismo de las marionetas.
Romance dans les graveses una pastoral irónica sobre el encadenamiento lógico, trágico y desconcertante de las pequeñas miserias de la vida diaria y sus consecuencias inesperadas. Estrenado en Paris en 2000, esta es la primera vez que la obra visita España. Se trata de una co‐producción de Théâtre sans toit, de Ensemble Carpe Diem y del Conseil Général des Hauts de Seine.
Autor: Basado En Historia De Un Contrabajo de Anton Chejov
Puesta En Escena: Pierre Blaise
Dirección Musical: Jean Pierre Arnaud
Intérpretes: Gilbert Epron, Nicolas Quilliard, Yasuyo Mochizuki
Músicos: Jean Pierre Arnaud, Véronique Fèvre, Sabine Raynaud, Nathanaël Malnoury
Creación Marionetas: Einat Landais
Vestuario: Eric Juan
Creación Musical: Marine Perez Y Jean‐Luc Ponthieux
Iluminación: Gérald Karlikov
Diseño Gráfico: Nathalie Ponsard
Producción: Théâtre Sans Toit
www.theatresanstoit.fr
Zététique Théâtre
Idioma: sin palabras
Género: danza
Edad mínima recomendada: 2 años
Franja de edad recomendada: de 2 años y medio a 6 años
Duración aproximada: 35 minutos
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| FOTO: ZÉTËTIQUE THÉÂTRE |
MADRID
Teatro Pradillo
Lunes 18 de marzo ‐ 12.00h (público general)
Martes 19 de marzo ‐ 10.00h y 11.30h (campaña escolar)
“Enganchar a los más pequeños con 30 minutos de danza contemporánea es la apuesta de éxito de Zététique Théâtre. Una bailarina curiosa danza junto a libros colgados de muelles, fabrica un tutú de plástico etéreo y seviste de pintura roja viva para tejer historias indefinidas donde cada uno escribe sus propias páginas”. (Catherine Makereel, Le Soir )
Treinta minutos de danza contemporánea que enganchan a los más pequeños. Sola sobre el escenario, la bailarina danza y juega con cuadernos colgados de muelles; un clasificador blanco se convierte en una cara… Yluego hay una mosca que hay que cazar, atrapar, tragar… en una clara reminiscencia de un sketch de Dario Fo.
Ultra(del latín más allá) es una creación de dos miembros de Zététique Théâtre que se unieron a la compañía en 2005: Melody Willame (bailarina) y Justine Duchesne (puesta en escena). Creado en la temporada 2010‐2011, el proyecto nace del contacto con los niños más pequeños en los talleres de danza dirigidos por Mélody Willame en guarderías infantiles. Concebido para niños a partir de 2 años y medio, Ultrase fundamenta en el trabajo con los materiales, la relación con el público y la espontaneidad, insolencia y audacia de la infancia. La obra apela a la participación y para favorecer el contacto con el público el espectáculo tiene lugar en el suelo, sin gradas ni barreras, en una relación de proximidad, con el escenario y el público al mismo nivel, como si de un espacio de juegos se tratara.
Ultraempezó su trayectoria en los escenarios en 2011 en Huy (Bélgica). Desde entonces sigue de gira y se ha representado en más de 30 ciudades en los últimos meses. Entre otras citas cabe destacar su presentación en Nueva Delhi, a invitación de la embajada belga en la India.
Autor: Justine Duchesne Y Melody Willame
Dirección: Justine Duchesne
Intérpretes: Melody Willame
Vestuario: Coline Vergez
Coreografías: Claire Lesbros
Creación Musical: Stéphane Kaufeler
Iluminación: Fred Limbrée
Diseño Gráfico: Thierry Adam
Producción: Zététique Théâtre
www.zetetiquetheatre.be
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