MADRID EN DANZA
XXIV EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL

PUNCTUM SIN DIOS MONGER FAUSTO EL RÍO VERDE MUSGO-DESDE LA ORILLA OPUESTA EL LLAC DE LES MOSQUES CON PERMISO VAMOS AL TIROTEO-VERSIONES DE UN TIEMPO PASADO RADIODANCE/LOVE AND CONSUMERISM THE PERFETC HUMAN/STILL LA MAISON DU SORD DOLORES ENTITY EUROPA (EL RAPTO) NEARLY NINETY Del 13 de abril al 3 de Mayo de 2009

EL ESPECTÁCULO

 “Como una herida: veo, siento, luego noto, miro y pienso. En latín existe una palabra para expresar esta herida, esta marca hecha con un instrumento puntiagudo… punctum.” (Roland Barthes, escritor y semiólogo)

FOTO: JESÚS ROBISCO

A partir de aquí, el coreógrafo y bailarín Pedro Berdäyes, lleva a escena Punctum, espectáculo del que explica “este ejercicio, compromiso y punctum, solamente alcanzó sentir la luz y el calor de los focos, gracias al soporte de una persona amiga, valiente y audaz: José Reches”. Berdäyes desarrolla este dúo junto a José Reches. Un dúo que refleja la filosofía de Kytatioh Co, la compañía fundada por Pedro Berdäyes, y que supone el esperado retorno a los escenarios de estos dos artistas de la danza. En Kytatioh Co, el cuerpo es el principal instrumento de trabajo. Se somete a transformaciones y a deformaciones, se compromete con el momento escénico y cuestiona la naturaleza humana. Sobre el escenario, técnica depurada, fluidez y dinamismo de la mano del polifacético Berdäyes.

Dirección y concepto: Pedro Berdäyes
Creación e interpretación: José Reches, Pedro Berdäyes
Música: Brian Eno
Espacio sonoro: Renato Seixas
Escenografía: Pe&Be
Vestuario: Cyril Wicker Spichiger
Iluminación: Irene Cantero
Fotografía: Jesús Robisco
Vídeo: Daniel Afonso
Diseño gráfico: Fire Girl
Repetidora: Christine Tanguay
Maestro/Yoga: Fernando Vera
Con la colaboración: de Balletto Teatro di Torino, R.C.P.D Mariemma y Fire Girl.
www.kytatioh.com

EL ESPECTÁCULO

“Se dice de Dios en los salmos:
(si no recuerdo mal)
Él cuenta el número de las estrellas
y a todas ellas llama por su nombre
Y dice el evangelio
Hasta los pelos de vuestra cabeza
están contados
Si lo de la muerte de Dios es verdad
habría entonces muerto por accidente
o eso nos harían creer”.
Daniel Franco

En 1987, la madrileña Carmen Werner crea Provisional Danza. Una compañía con la que se propone “desentrañar nuestras realidades - conscientes e inconscientes - involucrando en un ambiente expresivo a intérpretes y público, creando tensión y expectación y, sobre todo, interés dentro de cierta agitación sensorial y a través del máximo rigor técnico y estético”. El lenguaje de Provisional Danza ha ido madurando y evolucionando en su estilo en estos más de veinte años de trayectoria artística. Con un total de cincuenta coreografías, cuatro piezas de vídeo-danza y un cortometraje,

FOTO: PITI PIETRO/ELIDA DORTA

Dirección artística y coreografía: Carmen Werner
Música: Masahiro Hiramoto, Fenezs, Mozart
Bailarines: Lucio Baglivo,Tatiana Chorot,Laura Marrero, Javier Ferrer,
Javier Sangros, Carmen Werner
Escenografía: Provisional danza
Vestuario: Provisional danza
Iluminación: Pedro Fresneda
Fotografía: Piti Prieto, Elida Dorta
Vídeo: Diego Ortiz
Textos: Daniel Franco
Subvencionado: por la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid y el INAEM (Ministerio de Cultura).
www.provisionaldanza.com

EL ESPECTÁCULO

“Una creación compleja, civertida e inspiradora” –
Tzvi Goren, Habama

FOTO: GADI DAGON

“Monger” es un antiguo vocablo inglés que significa aproximadamente “vendedor ambulante” o “comerciante”. Como verbo, tiene dos acepciones: “vender” y “venderse a uno mismo”. Dice el coreógrafo y cantante Barak Marshall que “todos somos vendedores, todos vendemos algo para sobrevivir”. Después de una ausencia de ocho años, Marshall vuelve a Israel con esta pieza, creada para el Suzanne Dellal Centre, y con la que se inauguró el International Tel Aviv Dance Festival del 2008.

Con Monger, Marshall se atreve a explorar la dinámica de la jerarquía, el poder y la dignidad. Un grupo de diez bailarines israelíes interpretan con humor y teatralidad los distintos compromisos que requiere la supervivencia. La estructura narrativa de la pieza se inspira en distintas fuentes como la vida y obra de Bruno Shultz, el texto dramático Las criadas, de Jean Genet y Gosford Park, la película de Robert Altman.

Una pieza de teatro físico que nos habla con un lenguaje rápido y afilado y que el coreógrafo dedica a sus padres Oved y Mel Marshall. De Monger, la crítica ha subrayado su “banda sonora excepcional”, su “mixtura fantástica de danza contemporánea y momentos teatrales sorprendentes y divertidos” y su particular “encanto y emoción”.

Dirección artística: Yair Vardi
Coreografía: Barak Marshall
Músicas: Taraf de Haidouk, Balkan Beat Box,The Yiddish Radio Project, Margalit Oved,
Shye Ben Tzur, Shandor, Handel, Goran Bregovic, Verdi, Frank London, Terry Hall,
Ray Noble
Bailarines: Arthur Astman, Ilana Bellahsen, Shani Badichi, Ariel Cohen, Zachi Cohen,
Einat Gantz, Yoav Grinberg, Inbar Nemirovsky, Liron Ozeri, Shani Tamari
Diseño de vestuario: Maor Zabar
Diseño de iluminación: Jacov Beressy
Sonido: Gyuri Politi
Fotografía: Gadi Dagon
Textos: Barak Marshall
Una producción: del Suzanne Dellal Centre.
Con el apoyo: del Ministry of Foreign Affairs y el patrocinio de la Embajada de Israel.
Esta producción fue posible gracias al apoyo de Maureen y Randy Rosen, Sandy Carol,
Jean y Jerry Friedman,The Margalit Oved Dance Theatre Foundation y Mel Marshall.
www.suzannedellal.org.il

EL ESPECTÁCULO

“Los ballets de Jean-Christophe Maillot evocan la modernidad permaneciendo en los confines de una coreografía refinada que toma su inspiración de la música...”  Bacchus Japan

En 1985, tras una intensa y cambiante trayectoria, Les Ballets de Monte-Carlo es nombrada compañía oficial de Mónaco por la Princesa de Hanóver, de acuerdo con los deseos de su madre, Grace Kelly, Princesa de Mónaco.

En 1993, Jean-Christophe Maillot (1960, Tours, Francia) es nombrado coreógrafo y director de Les Ballets.

En esta ocasión, Maillot, seducido por la dimensión romántica del mito universal de Fausto -que a cambio de la juventud eterna y de una vida de placeres, vende su alma al diablo - escoge para este ballet atípico la partitura de Franz Liszt.  

Desentraña aquello que se esconde tras la música, hace entrar en escena a los cuarenta y cinco bailarines de su compañía, convoca a Goethe y a Marlowe y muestra lo esencial: la relación triangular entre tres personajes simbólicos. Margarita, el ideal femenino, belleza de cuerpo y espíritu, Mefisto, el mal absoluto y Fausto, el ser humano dotado de un saber extraordinario pero atenazado por la muerte, límite de su existencia en la tierra.

Sobre el escenario, la historia de una misteriosa relación contada con un lenguaje renovado después de trece generaciones de seres humanos.

La coreografía de Maillot (que ya llevó al Théâtre National de Wiesbaden una puesta en escena operística de esta obra) se convierte en un contrapunto luminoso de la partitura de Liszt, un “contrapunto incandescente del drama de Goethe”, para decirlo con el consejero musical y director de orquesta Nicolas Brochot. La duda, el amor, la pasión, el deseo y la inmortalidad son retratados con el idioma, al mismo tiempo preciso y etéreo, de la música y la danza.

Dirección artística y coreografía: Jean-Christophe Maillot
Música: Franz Liszt (Sinfonía Fausto)
Escenografía: Rolf Sachs
Vestuario: Philippe Guillotel
Iluminación: Jean-Christophe Maillot, asistido por Jean-Pascal Alouges
Vídeo: Gilles Papain
Asistente a la dramaturgia: Josu Zabala
Con el apoyo del Gobierno del Principado de Monaco, CFM, Rolex,
Suisscourtage Assurance y Les Thermes Marins de Monte-Carlo.
www.balletsdemonte-carlo.com

EL ESPECTÁCULO

El río de verde musgo-desde la orilla opuesta se inspira en estos versos (que pertenecen a un poema más largo):

“En el río se refleja todo lo creado
y fluye por su propio albedrío.
Abrazando al tiempo la profundidad y la superficie
avanza entre las dos orillas
Es la linde el río
no tiene ningún designio
en separarse en dos
El verde de musgo
que aparece solo en esta estación
nunca permanece igual”.

FOTO: CONSUELO CHAMBO TAKUSHI INADA/NAOKI TAKEDA

El butoh es un género de danza que apareció en Japón en los años cincuenta, desarrollado por el maestro Tatsumi Hijikata a partir de su colaboración con Kazuo Ohno. En 1959, Hijikata estrena, rodeado de escándalo, un espectáculo rompedor de nueva danza que bautiza como Ankoku Butoh: la danza de la oscuridad. Caracterizado por su enigmático lenguaje y su extraordinaria riqueza visual y metafórica, el butoh combina danza, teatro e improvisación con influencias de las artes escénicas de la tradición japonesa. Con el butoh, el cuerpo vuelve al origen, a la esencia del movimiento. Sobre el escenario, una danza del instante, el acercamiento íntimo y abstracto a las cosas. El movimiento de la quietud y la observación.

Dakei, director artístico de Shizuku, quedó sordo a los dos años de edad. En sus espectáculos, que integran elementos occidentales y música experimental interpretada en directo, Dakei muestra una intuición de gestos contenidos, capaces de retener la poesía y la belleza con precisión minimalista.

Dirección artística: Dakei
Coreografía: Dakei
Música y músicos: Nobunaga Ken, Scott Jordan, Bailarines Dakei, Michiyasi Furutani, Aya
Escenografía: Hiroyuki Kozu
Vestuario: Hiroyuki Kozu
Iluminación: Megumi Shimoda
Fotografía: Consuelo Chambo, Takushi Inada, Naoki Takeda
Textos: Dakei
Traducción: Yasuko Sagara, Lucas Redondo Bonet
Producción: Desho Productions
Con el apoyo de la Japan Foundation.

EL ESPECTÁCULO

“El llac de les mosques es un solo acompañado...” - Sol Picó

¿Los 40? La suerte de los 40 es que sirven de excusa para cambiar de vida. ¿Y los 50? ¿Y los 60?...

El nuevo trabajo de Sol Picó (Premio Nacional de Danza de la Generalitat de Catalunya en el año 2005) parte de la reflexión sobre el paso del tiempo, la edad vivida como un paso década a década, la necesidad de pararse, de analizar, de intentar responder preguntas que surgen y que llevan a menudo a la frustración. Una frustración que se convierte en motor de cambio y que, con un toque de fina ironía, es el hilo conductor de El llac de les mosques (El lago de las moscas), último espectáculo de esta bailarina y coreógrafa alicantina.

Sol Picó propone una mirada panorámica, un viaje en redondo. Con música rock en directo se crea el espacio idóneo para el tratamiento de una cuestión que ha venido estudiando a lo largo de los años: la relación del público con el artista y del artista con el público.

El llac de les mosques cuenta con la presencia en escena de cuatro músicos liderados por la habitual compositora de la compañía, la saxofonista Mireia Tejero.

Además de otro bailarín, que actúa como contrapunto, este grupo y su música en directo acompañan a la bailarina en su recorrido. Sol Picó ha estado trabajando en muchos frentes estos últimos años, su personal movimiento, su gestualidad, la relación con el público y con el espacio escénico se combinan, se interrelacionan y desembocan en El llac de les mosques.

Dirección artística: Sol Picó
Coreografía: Sol Picó
Dirección Músical: Mireia Tejero
Bailarines: Sol Picó, Valentí Rocamora i Torà
Músicos: Mercè Ros, Jordi Pegenaute Ferri, Joan Rectoret, Mireia Tejero
Actor – Maquinista: Joan Manrique
Escenografía: Joan Manrique
Asistente coreógrafo: Maribel Martínez
Vestuario: Valeria Civil, Sol Picó
Iluminación: Sylvia Kuchinow
Sonido y técnico de vídeo: Cristian Teruel
Vídeo: Joan Rodon, Felix Frank
Peluca: Toni Santos
Producción: Pia Mazuela y Daphné Malherbe.
Coproducción: Sol Picó Compañía de Danza, el Mercat de les Flors y el Centro Parrega.
Agradecimientos: Mediterránea, La Bascula, Pedro de Cos / Cal l’Estruch de Sabadell, Ajuntament de Sabadell / Mag Lari,Pepe Gomez y Ramon Calduch, Festival Escena Abierta de Burgos, Carme Portacelli, J. Pau, Auditori de Granollers, Felix Frank y Oscar de Paz.
Compañía subvencionada por INAEM (Ministerio de Cultura); ICIC (Generalitat de Catalunya), Departamento de cultura; ICUB (Ajuntament de Barcelona); e Institut Ramon Llull.
www.solpico.com

EL ESPECTÁCULO

FOTO: PEDRO ARNAY

Después de piezas como Más o menos un día (20 años no son nada), con Cesc Gelabert como coreógrafo invitado, Tarot y Azul o el ritmo de la vida, la compañía, timoneada por Juan de Torres y Daniela Merlo, presenta Con permiso, un espectáculo planteado como un ejercicio de aproximación al absurdo.

Sobre el escenario, seis bailarines atrapados en las formas, formalidades, fórmulas, recetas y reglas de la vida y la sociedad. A través del absurdo, como sumergidos en el mundo de lógica alucinada de los sueños, rescatan la realidad más profunda, la más íntima y personal. Una realidad que está filtrada por las intuiciones, que parece estructurarse mediante imágenes.

A la manera de las películas de Fellini, se hilan y se tejen situaciones paradójicas que no esconden otro fin que existir por sí mismas, sin consecuencia argumental aparente o inmediata.

En Con permiso se reflejan danzas, música y luces que, atrapadas por las redes del absurdo y la paradoja, inducen a los cuerpos a responder con los impulsos involuntarios del gesto. Movimientos y manifestaciones de la voz que parecen nacer del instinto y que escapan de los códigos técnicos y estilísticos.

Dirección artística: Juan de Torres, Daniela Merlo
Coreografía: Daniela Merlo
Música: Mauricio Corretje
Otras músicas: Vinicio Capossela, Claudio Arrau, Joaquim & Saraste, Popurri de Boleros, Jeff Beck - Jimmy Page & Eric Clapton
Bailarines: María Arcos, Verónica Garzón, Alejandro G. Iragüén, Daniela Merlo, Sara Mogarra, Javier San Martín
Escenografía: Lia Alves
Vestuario: Nikita Nipone
Iluminación: Lia Alves
Fotografía: Pedro Arnay
Con la colaboración de Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, Ayuntamiento de Coslada.
Larumbe Danza es socio de Emprendo Danza.
www.larumbedanza.com

EL ESPECTÁCULO

“Deja destellos de clasicismo pero -como es habitual en ella- gusta a la vez de la transgresión y la iconoclasia...” - Fermín Lobatón, El País

FOTO: JESÚS VALLINAS

Zapateados, mantones, piano, chelo, guitarra, cante. El blanco, el negro y el rojo. El escenario se llena con la música en directo, con la percusión de los cuerpos, con el virtuosismo de Rafaela Carrasco, Ricardo López, José Maldonado, Pedro Córdoba y David Coria.

Vamos al tiroteo-Versiones de un tiempo pasado es la última apuesta de Rafaela Carrasco. La coreógrafa y bailaora se atreve a subir a escena los temas que Federico García Lorca, acompañado de la Argentinita, grabó en el año 1931. Estas Canciones populares (Zorongo gitano, Sevillanas del siglo XVIII, En el Café de Chinitas y Las morillas de Jaén, entre otras) son revisitadas por Carrasco que, en palabras de la crítica, ha conseguido interpretar a cierta distancia para “conseguir un ejercicio de abstracción mirando al futuro”.

“Qué decir de la importancia que tuvo Canciones populares”- dice Rafaela Carrasco- para el espectáculo de ayer y de hoy, porque son del público, porque hemos crecido con ellas y porque fueron parte de nosotros. Son el punto de partida hacia donde hoy me encuentro y un posible camino a lo que vendrá mañana. La idea principal es poner en escena un disco que ha sido fuente de inspiración para muchos artistas. Trasladar los temas del año 1931 al día de hoy, con un entendimiento musical, escénico y coreográfico que difiere mucho del que había en su momento, pero con el mismo espíritu de hacer llegar al público letras y músicas que pertenecen al pueblo...”.

Vamos al tiroteo-Versiones de un tiempo pasado se estrenó en la XV edición de la Bienal de Flamenco de Sevilla donde ganó el Giraldillo a la Mejor Coreografía y el Premio de la Prensa a la Mejor Coreografía.

Dirección artística y coreografía: Rafaela Carrasco
Música: Jesús Torres, Juan Antonio Suárez “Cano”, José Luis López, Chico Valdivia
Bailarines: Rafaela Carrasco, Ricardo López, José Maldonado, Pedro Córdoba, David Coria
Músicos: Pablo Maldonado, José Luis López, Jesús Torres, Juan Antonio Suárez “Cano”
Cante: Antonio Campos, Gema Caballero, Manuel Gago
Escenografía: Elisa Sanz
Vestuario: Elisa Sanz
Iluminación: Gloria Montesinos (A.a.i.)
Sonido: Jorge Díaz Valverde “Roy”, Juan de la Cruz
Fotografía: Jesús Vallinas
Vídeo: Centro de Documentación Teatral
Subvencionado por la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, el INAEM (Ministerio de Cultura) y la Agencia para el Desarrollo del Flamenco (Junta de Andalucía).
Programa: Zorongo gitano/ Anda jaleo/ Sevillanas del siglo XVIII/ Los cuatro muleros/ Nana de Sevilla/Romance Pascual de los peregrinos/ En el Café de Chinitas/ Las morillas de Jaén/ Romance de los mozos de Monleón/ Las tres hojas/ Sones de Asturias/ Aires de Castilla
www.rafaelacarrasco.com

EL ESPECTÁCULO

FOTO: VLADIMIR LUPOVSKI MIKHAIL IVANOV

Nina Gasteva y Michail Ivanov formaron juntos Iguan Dance Theatre, una compañía que durante los últimos catorce años ha revolucionado la escena experimental rusa. Las reflexiones sobre la antigua vida soviética alternan con las situaciones hilarantes que diestramente provocan estos dos coreógrafos y bailarines.

En esta ocasión, el Festival Madrid en Danza de la Comunidad de Madrid recibe un programa doble orquestado por dos inclasificables artistas rusos.

Radiodance, que incluye textos de A.S. Pushkin, Tanya Kuznetsova, Nina Berberova y del grupo Platform: Chto delat?, ganó el premio Upstream en el festival de danza TSEKH de Moscú en el año 2007.

El pasado invierno Nina Gasteva viajó a Finlandia, donde conoció al guionista holandés Robert Steijn, que cambió su vida. Sobre todo teniendo en cuenta que Nina se convirtió en reno. Cuando volvió a San Petersburgo, su flamante cornamenta fue una gran sorpresa para Michael Ivanov. Hoy, Michael escucha a Tchaikovski y lee a Pushkin. A veces, le pregunta a Nina: ¿qué significa ser un reno?

Love and Consumerism resulta de una serie de intervenciones en centros comerciales. El espectáculo gira sobre un eje: la influencia del joven capitalismo ruso sobre las relaciones románticas, al tiempo que consigue la reflexión a través de métodos usados en la investigación sociológica.

Love and Consumerism es un proyecto realizado en colaboración con la coreógrafa Dina Khuseyn, los artistas Gluklya y Tsaplya y un grupo de sociólogos. Se estrenó en enero de 2009 en ArtContact, Helsinki, Finlandia.

RADIODANCE
Dirección artística: Nina Gasteva
Coreografía: Mikhail Ivanov
Música: P.I. Tchaikovski
Bailarines: Mikhail Ivanov, Nina Gasteva
Escenografía: Mikhail Ivanov
Vestuario: Nina Gasteva
Iluminación: Mikhail Ivanov
Fotografía: Vladimir Lupovskoy, Mikhail Ivanov
Textos: Nina Berberova, A. S. Pushkin, Nina Gasteva, Tatjana Kuznetsova, Platform: Chto delat?
Inspirado por Robert Steijn.

LOVE AND CONSUMERISM
Dirección artística: Nina Gasteva
Coreografía: Mikhail Ivanov, Dina Khuseyn
Música: D. Bortnyansky, Mikhail Ivanov
Bailarines: Mikhail Ivanov, Nina Gasteva, Dina Khuseyn
Escenografía: Nina Gasteva, Mikhail Ivanov
Vestuario: Nina Gasteva
Iluminación: Mikhail Ivanov
Fotografía: Olga Amromy, Mikhail Ivanov
Vídeo: Olga Amromy
Textos: Nataljya Pershina-Yakimanskaya
En colaboración con Factory of Founded Clothes.

EL ESPECTÁCULO

“Candoco es la compañía para la que los coreógrafos reservan sus trabajos más salvajes e imaginativos “ - The Observer

La Candoco Dance Company lleva años siendo un soplo de aire fresco en el panorama dancístico internacional. Fundada en 1991 por Celeste Dandeker y Adam Benjamin, basó su propuesta inicial en la integración del trabajo de bailarines discapacitados y no discapacitados. Tensando los límites de lo que de ordinario se considera danza contemporánea, la Candoco es alabada por su independencia, originalidad y por las producciones que ha subido a los escenarios de la mano de creadores como Emilyn Claid, Javier de Frutos, Doug Elkins, Siobhan Davies, Fin Walker, Darshan Singh-Bhuller, Stephen Petronio, Rafael Bonachela y, con ocasión de este programa doble, Hofesh Shechter y Nigel Charnock. The Perfect Human (El humano perfecto), con coreografía de Shechter es un oscuro e inquietante trabajo que cuestiona con sarcasmo la infructuosa búsqueda de la perfección. Con un movimiento ininterrumpido y una banda sonora estimulante que combina ritmo de batería y música clásica, la coreografía se vertebr a como una carrera furiosa llena de intensidad y potencia.

FOTO: HUGO GLENDINNING

Still es la propuesta con la que Nigel Charnock (que ya en ediciones anteriores de Madrid en Danza presentó Frank y Habayta) invita a celebrar la vida y la muerte, al tiempo que indaga con irreverencia sobre cómo enfrentarse a la pérdida. Una pieza caótica, salvaje y concienzudamente cómica sobre el amor y las despedidas. Micrófonos, ropa interior, bondage, sexo y ternura para una coreografía que divierte y sorprende por su irreverencia, energía y emoción.

Dirección artística: Pedro Machado, Stine Nilsen
Bailarines:  Darren Anderson, Elinor Baker, Bettina Carpi, Annie Hanauer, Cornelia Kip Lee, Victoria Malin, Chris Owen

THE PERFECT HUMAN
Coreografía y música: Hofesh Shechter
Vestuario: Kate Rigby
Iluminación: Lee Curran

STILL
Coreografía: Nigel Charnock
Músicas: Rick Smith/ Darren Emerson/ Karl Hyde/ Agoraphobic Nosebleed/ The Doors/ Bach/ Bart Howard/ Leonard Cohen/ Tracy L Chapman/ Joni Mitchell/ Jewel Kilcher
Vestuario: Shanti Freed
Iluminación: Chris Copland
Fotografía: Candoco Dance Company 2008/2009, fotógrafo Hugo Glendinning (www.candoco.co.uk) Con el apoyo del British Council (España).
www.candoco.co.uk

EL ESPECTÁCULO

“Es una espiral de locura en la que ahonda diverrès, semejante a la que torturó a goya y le hizo pintar escenas infernales“ - Raphaël De Gubernatis, Nouvel Observateur

“El hilo conductor que organiza mi trabajo de manera obsesiva y constante es el de la transmisión de la memoria bajo todas sus apariencias, pero sin nostalgia, sin narración, sin imágenes...” dice Catherine Diverrès, coreógrafa que hizo su aparición en el panorama de la danza contemporánea en los años ochenta.

FOTO: NICOLAS JOUBARD

Reconocida por la plasmación de un universo propio que ya se vislumbraba en Instance - su primera obra, creada a dúo con Bernardo Moret tras el encuentro con el gran maestro del butoh Kazuo Ohno -, en esta ocasión sube a los escenarios La maison du sourd (La quinta del sordo). El título, una referencia a Goya y a la alucinación terrible de sus pinturas negras, sirve de presentación para un proyecto que, según Diverrès, nos llevará a “cuestionarnos sobre la identidad -no lo identitario-, sobre la comunidad -no lo comunitario -” en una coreografía en la que “España será el pretexto, la arquitectura sensible, el motor imaginario de este presente”.

Bailarines franceses y españoles. Tres músicos, un francés, un japonés, un español. Todos empeñados en reconquistar un paisaje familiar para la coreógrafa: la relación entre danza y música, una relación ni escrita ni erudita sino imprevisible e insolente.

El sustrato dramatúrgico de la obra son algunos textos de Rodrigo García y María Zambrano y el vídeo proyectado, que conjuga distintos planos al mismo tiempo, es un encargo específico de Catherine Diverrès.

La maison du sourd se estrenó el 12 de noviembre de 2008 en el Festival Mettre en Scène-Théâtre National de Bretagne (Rennes).

Dirección artística: Catherine Diverrès
Coreografía: Catherine Diverrès, Mónica Valenciano
Bailarines: Fabrice Dasse, Julien Fouché, Emilio Urbina, Thierry Micouin, Mónica García, Pilar Andrés Contreras
Músicos: Seïjiro Murayama, Jean Luc Guionnet, Mattin
Escenografía: Laurent Peduzzi
Vestuario: Cidalia da Costa
Iluminación: Marie-Christine Soma
Sonido: Denis Gambiez
Fotografía: Nicolas Joubard
Dirección de vídeo: Chus Domínguez
Coproducción: Le Centre Chorégraphique National de Rennes et de Bretagne y Le Théâtre National de Bretagne, Laboral de Gijón, l’Ambassade de France en Madrid y el Grand Théâtre de Lorient.
Con el apoyo del INAEM (Ministerio de Cultura) y Culture France (Ministère des Affaires Étrangères et Européennes de Francia).
www.compagnie-catherine-diverres.com

EL ESPECTÁCULO

“Esto es danza con cara humana y energía sobrehumana...” - Jennifer Dunning, The New York Times

FOTO: GUTO MUNIZ

Una bailarina gira sobre el escenario. Oculto, al fondo, otro bailarín la mira fascinado. Hay algo de narración cinematográfica en las piezas de los brasileños de Mimulus Cia de Dança. La compañía, asentada en la ciudad de Belo Horizonte y dirigida por Jomar Mesquita, presenta en esta ocasión Dolores, un espectáculo que se inspira en la estética y el concepto de las películas de Pedro Almodóvar. Desde su fundación en 1992, Mimulus se ha convertido en uno de los más potentes referentes en el panorama de la danza brasileña. Los bailes sociales y de salón son la base de sus creaciones, que han subido a escenarios de todo el mundo. Seguidos por un público fiel y entusiasta, se entregan con espectáculos llenos de energía en los que no falta de nada: desde samba hasta rock, pasando por swing, bolero, salsa y tango.

Porque Mesquita y sus bailarines han conseguido ir más allá de los límites de cada estilo, combinado técnicas del ballet clásico y de la danza contemporánea e incluso del teatro y del circo. El resultado es un lenguaje propio e innovador que ya impresionó en la XXII edición de Madrid en Danza con la pieza Do lado esquerdo de quem sobe.

Dolores emociona y conduce a la risa. Por su imaginación fértil, por sus reglas ambiguas, por su creatividad, virtuosismo y vitalidad. Un conjunto de duetos amorosos de los que la crítica ha dicho cosas como: “Un melodrama en movimiento. Cualquier conquista que Mimulos Cia de Dança realiza en el sentido de la renovación de los bailes de salón (vistos apenas como un conjunto de cuerpos que siguen determinados movimientos) es pensada como elemento de un espectáculo que transciende la propia danza. Dolores, en ese sentido, supera los trabajos anteriores de la compañía. Su complejidad, desde la estructura al juego de movimientos, resulta particularmente espectacular”.

Dirección artística: Jomar Mesquita
Bailarines: Bruno Ferreira, Ceres Canedo, Jomar Mesquita, Juliana Macedo, Mariana Fernandes, Nayane Diniz, Rodrigo de Castro, Welbert de Melo
Invitada especial: Baby Mesquita
Escenografía: Ed Andrade – Osla Arquitetura
Vestuario: Baby Mesquita
Iluminación: Rodrigo Marçal / Ed Andrade
Fotografía: Guto Muniz
Producción: Associação Cultural Mimulus – Baby Mesquita / Fábio Ramos
Subvencionado por el Ministerio da Cultura do Brasil, Secretaria Estadual de Cultura de Minas Gerais, Fundação Municipal de Cultura de Belo Horizonte, Mip Engenharia, Contax, Usiminas y Magnesita Refratários
www.mimulus.com.br

EL ESPECTÁCULO

“No se parece a nada...” - The Independent

“¿Cómo usar el cuerpo para entender quiénes somos? se pregunta [McGregor]. Entity no nos da todas las respuestas, pero su profundo extrañamiento habla elocuentemente de la pasión con que se plantea la pregunta”. Así se aproxima Luke Jennings, crítico de danza del periódico británico The Observer, a la última creación de Wayne McGregor (Stockport, Reino Unido 1970).

FOTO: RAVI DEEPRES

Entity es, como la mayor parte de las piezas de McGregor, un sueño tecnológico, la unión de danza y tecnología o, como diría Scott Lahuna - director de investigación de la compañía una entidad coreográfica artificialmente inteligente. Wayne McGregor es un apasionado de la ciencia, la tecnología y las preguntas: ¿Qué pasa en el cerebro mientras el cuerpo se mueve? Desde Ataxia (una pieza sobre la desconexión entre el cuerpo y la mente) a Amu (un trabajo inspirado por la construcción de la imaginación a partir de un escáner), pasando por Eden (una disquisición sobre la ética en la época de la clonación) los científicos han probado ser los grandes colaboradores artísticos de McGregor.

Entity es un viaje que impresiona por la asombrosa combinación de cuerpos atléticos, luces, tecnología, vídeo y elementos de la cultura contemporánea. Técnicamente impactante y emocionalmente implacable, el trabajo de McGregor desafía todo intento de clasificación, con un lenguaje revolucionario que habla con claridad e inspiración.

La banda sonora, creada por Jon Hoskins, colaborador de grupos como Coldplay y Massive Attack, eleva aún más este espectáculo, estrenado en Sadler’s Wells (Londres) en abril de 2008 y presentado también en la Biennale de Venezia con gran éxito.

Wayne McGregor ha recibido encargos de The Big Chill, The Royal Opera House y La Scala y coreografiado los movimientos de la película Harry potter y el cáliz de fuego. Además, es el primer coreógrafo en residencia nombrado por el Royal Ballet en los últimos dieciséis años y el único que proviene del mundo de la danza contemporánea en toda la historia de la institución.

Dirección artística y coreografía: Wayne McGregor
Música: Joby Talbot, Jon Hopkins
Bailarines: Neil Fleming Brown, Catarina Carvalho, Agnès López Rio, Paolo Mangiola, Ángel Martínez Hernández, Anh Ngoc Nguyen, Anna Nowak, Maxime Thomas, Antoine Vereecken, Jessica M Wright
Escenografía: Patrick Burnier
Vestuario: Patrick Burnier
Iluminación: Lucy Carter
Fotografía: Ravi Deepres
Vídeo: Ravi Deepres
Es un encargo de Het Muziektheater, (Amsterdam), Sadler’s Wells, (Londres), Biennale de la Danse (Lyon), DanceEast (Ipswich) y Swindon Dance / Bath University ICIA / Wyvern (HST) (Swindon/Bath)
Subvencionado por The Linbury Biennial Prize for Stage Design, The Estate of Sir John Drummond, The Quercus Trust, Calouste Gulbenkian Foundation, University of California San Diego y PRSFoundation for new music.
Con el apoyo del British Council (España).
www.randomdance.com

EL ESPECTÁCULO

“Si de alguien se puede hablar con propiedad como fusión en el baile español es de arrieritos” - Roger Salas, El País

FOTO: MARCOS GPUNTO

Esta es la historia de Europa. De cómo, en el mito eterno, la princesa Europa se acerca confiada a un bello toro que parece manso. De cómo sube a su grupa y el toro corre, corre y rapta a la muchacha. De cómo el toro resulta ser Zeus, el más poderoso de los dioses, transmutado en animal para engañar, seducir y finalmente concebir con ella tres hijos. Pero esta es también la historia de Europa. De ese espacio geográfico llamado Europa, Arrieritos se atreve con una pieza que recrea el mito para hablar del continente y del contenido, diverso, plural y contradictorio.

Sobre el escenario, un espacio vacío. Y vallas. Vallas que parecen cárceles o jaulas o fronteras. Vallas que separan, que cruzan el suelo como una cicatriz: de un lado, los que están; del otro, los que quieren estar. La compañía explica: “El mito de Europa nos conduce a una reflexión sobre la relación perversa que se establece entre el raptor y el raptado, entre el depredador y su presa. Frente a la gran agresión a la dignidad que supone el secuestro de la libertad, la víctima puede desarrollar un mecanismo de defensa con el que justificar a su raptor”.

Sobre el escenario, guitarra flamenca, acordeón, voces, música electrónica, guitarras eléctricas, percusión y un coro de tragedia griega para narrar los hechos. Para contar lo que vemos pero también lo que no vemos, los hechos futuros y los pasados. Con el simbolismo de baile, música y palabra nos acercan la historia Florencio Campo (Primer Premio del Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid, 1992 y 1993) Kelian Jiménez, Pol Vaquero, Teresa Nieto (Premio Nacional de Danza, 2004), Elena Santoja y Patricia Torrero. Decididos todos a poner en pie una propuesta escénica contemporánea con un sentido flamenco en el que las luces, el espacio y la música son también protagonistas. Protagonistas junto a Europa, continente seductor. Espejismo de felicidad.

Europa (el rapto) se estrenó el 12 de diciembre de 2008 en el Palacio de Festivales de Cantabria.

Idea original: Arrieritos
Coreografía e interpretación: Florencio Campo, Kelian Jiménez, Teresa Nieto, Elena Santonja, Patricia Torrero, Daniel Doña
Música original e interpretación: Héctor González, Bettina Flater, Alfredo Valero, Kelian Jiménez
Voz flamenca: Saúl Quirós/ Montse Cortés
Dirección musical: Héctor González
Percusiones y sampling: Pablo Martín Jones
Masterización: Óscar Herrador
Diseño espacio escénico: Sergio Spinelli
Realización escenografía: Mambo Decorados, Israel Muñoz
Diseño y realización de iluminación: Sergio Spinelli
Sonido: Pedro Galán-Elías Artalejo
Vestuario: Arrieritos
Calzado: Gallardo
Fotografía: MarcosGpunto
Vídeo: David Picazo
Diseño gráfico: MarcosGpunto
Producción ejecutiva: Jorge Camarlengo
Producción: Arrieritos
Distribución: Producciones Teatrales Contemporáneas
Agradecimientos: a Manuel Bibi, Mateo Bibi, Martina Campo, Paula Campo, Lucila Garriga, Alejandro González, Tacha González, Lourdes Mas, David Picazo y Luisa Samper.
Subvencionado por el Ministerio de Cultura y la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid.
Con la colaboración de Ayuntamiento de Alcorcón, Escuela de Baile Antonio Canales, Emprendo Danza y Producciones Teatrales Contemporáneas.
www.arrieritos.com

EL ESPECTÁCULO

“La experiencia de la danza es ese momento único y fugaz en el que te sientes vivo... ” - Merce Cunningham

“No se trata exactamente de danza contemporánea. Es algo que parece salido de libros de historia que aún no han sido escritos... así de adelantado está a su tiempo. Esto es arte, arte que transfigura el presente y lo convierte en futuro” escribía un devoto Mikhail Baryshnikov en el New York Magazine para referirse a Merce Cunningham (Centralia, Washington, 1919).

MERCE CUNNINGHAM

Leyenda viva, creador admirado por sucesivas generaciones de doctos y profanos y merecedor de premios como la Legion d´Honneur de Francia, el Praemium Imperiale, el Dorothy and Lillian Gish Prize, la Handel Medallion, el León de Oro de Venecia, el Laurence Olivier Award y el Wexner Prize, entre otros muchos, presenta al mundo su último trabajo, Nearly Ninety (Casi noventa). Porque noventa son los años que Cunningham cumplirá el próximo 16 de abril. Para celebrarlo, el maestro reúne al legendario grupo Sonic Youth, al que fuera bajista de Led Zeppelin John Paul Jones y al compositor multimedia Takehisa Kosugi. Sus músicas sonarán en el misterioso decorado que ha creado para la ocasión la estrella de la arquitectura Benedetta Tagliabue.

Nearly Ninety no es sólo la prueba de la imaginación ilimitada de un hombre que frisa la centena, sino un testimonio más de su aproximación radical al espacio, al tiempo y a la tecnología para redefinir, como en todos sus trabajos, el modo en el que experimentamos la danza. La danza hablada con el lenguaje de Cunningham, que es el idioma del movimiento, la lengua capaz de iluminar el inherente drama que esconden todos los cuerpos y su ilimitada capacidad de transformación

Dirección artística y coreografía: Merce Cunningham
Música: John Paul Jones, Takehisa Kosugi, Sonic Youth
Bailarines: Merce Cunningham Dance Company, Brandon Collwes, Julie Cunninhgam, Emma Desjardins, Holley Farmer, Jennifer Goggans, Daniel Madoff, Koji Minato, Rashaun Mitchell, Marcie Munnerlyn, Silas Riener, Daniel Squire, Robert Swinston, Melissa Toogood, Andrea Weber
Músicos: John King, Takehisa Kosugi
Escenografía: Benedetta Tagliabue
Vestuario: Romeo Gigli para io ipse idem
Iluminación: Brian MacDevitt
Con la colaboración de Comunidad de Madrid-Teatros del Canal y Festival Internacional Madrid en Danza, Brooklyn Academy of Music, Théâtre de la Ville – Paris, Festival d’Automne à Paris y Barbicanbite 10, London.
www.merce.org