TENORIO (ÓPERA DE CÁMARA) Música y libreto TOMÁS MARCO basado en Don Juan Tenorio de José Zorrilla, con añadidos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo da Ponte, Lord Byron, sor Juana Inés de la Cruz y Francisco de Quevedo Dirección Musical SANTIAGO SERRATE Dirección De Escena ÀLEX SERRANO, PAU PALACIOS (Agrupación Señor Serrano) Intérpretes JUAN ANTONIO SANABRIA / JOAN MARTÍN-ROYO / ADRIANA GONZÁLEZ JUAN FRANCISCO GATELL / LUCÍA CAIHUELA / SANDRA FERRÁNDEZ … MADRIGAL en el TEATRO REAL (SALA PRINCIPAL) de MADRID Estreno absoluto Versión Escénica Tenorio será grabada para emitirla en MyOperaPlayer.  13, 15, 17, 19 de mayo de 2024: 19:30 horas

JUAN FRANCISCO GATELL / PABLO PUÉRTOLAS  / JOAN MARTÍN-ROYO FOTO: JAVIER DEL REAL

La ópera comienza con un Don Juan al estilo antiguo. El plató es invadido por el grupo de grabación que expulsa del escenario a ese Don Juan y se dispone a presentar un nuevo Don Juan. Es lo que veremos durante todo el cuerpo de la presentación. Al final de toda esta parte es que ese Don Juan es expulsado por un nuevo equipo que viene a hacer su propia propuesta y presenta un Don Juan del que no sabemos nada y, prácticamente, no vamos a ver nada, pero intuimos que habrá una visión siguiente de Don Juan. Así se crea una escala de Don Juanes, dando continuidad al mito en ciclo repetitivo.

 EL INTRINCADO CAMINO DE TENORIO
DESDE BURGOS AL TEATRO REAL

Tenorio es una ópera que ha sufrido el intricado camino de poder llegar a la versión escénica. como sucede frecuentes con las óperas, en opinión de Tomás Marco, compositor y libretista de esta versión  operística.

	TOMÁS MARCO FOTO: www.madridteatro.eu

Fue un encargo para el Festival de Burgos, bastante pobrete en su momento, para hacerlo en el 2010, año en que hubo una crisis económica y se paró. Luego se intento hacer escénicamente e incluso en versión concierto, y al final con la ayuda del BBA, se consiguió una versión para hacer un disco y aprovechamos para estrenarla pero en versión concierto. Después se interesó el Teatro Maestranza (Sevilla) para hacerla representada. Estuvimos hablando con un director de escena, pero, de repente, cambiaron todo y decidieron hacer la versión concierto. Ahora, por fin, se hace la versión escénica que es a lo que aspira cualquier ópera, las óperas son para representarse y no sólo en versión de concierto. Yo diría que ni siquiera son para hacer en concierto, pero, bueno, lo dejamos en que no sólo para hacer en concierto. La versión en escena va a dar otra imagen no sólo de lo que es la ópera, sino incluso la imagen de la música, porque la música de una ópera cuando se da en concierto o se graba suena de una manera distinta de cuando se escenifica.

Tal distinción es principalmente en los "timbres". En este caso en la grabación se utiliza un único tenor para distintos personajes, lo cual en la versión escénica son varios. Lo mismo sucede con las sopranos. De todos modos el cambio ente una versión de concierto y la escénica no va mucho más allá de las diferencias que puede hablar entre un reparto y otro.

Cuando se pensó para el Teatro de Burgos - "un teatro muy bonito, pero muy pequeño" - se pensó para 4 intérpretes y un Madrigal de 4. Al pasarlo al Real, un escenario más amplio, había que hacer un poco mas de orquesta y se ha aumentado la cuerda, pero no todo el rato.

Hay momentos en la cuerda tiene los mismos solos que tenía antes, porque nos resulta mejor, y en otros tenemos un "tutti" mayor, pero no es orquesta sinfónica. Tiene cuerda flauta, clarinete, fagot, trombón y dos percusiones. 

¿POR QUÉ ACUDIR AL TEMA DE DON JUAN?
CASTILLA-LEÓN Y EL CENTENARIO DE ZORRILLA

JOAN MARTÍN-ROYO / SANDRA FERRÁNDEZ
ADRIANA GONZÁLEZ /SANDRA FERRÁNDEZ FOTOS: JAVIER DEL REAL

Elegir el tema de Don Juan, de alguna manera se relaciona con el último trabajo que Tomás Marco había compuesto: El Caballero de la triste figura, así como otros trabajos en que había tratado ciertos mitos, como es el caso de La Odisea. Le propusieron algo que tuviera que ver con Castilla-León, y estaba cercano el centenario de Zorrilla. Ahí parece el tan traído y llevado Don Juan.

El mito de Don Juan sale de lo popular y es Tirso quien lo pone en teatro, y acaba convirtiéndose en una especie de tradición durante la época de los difuntos. Anteriormente a él estaba la versión de Antonio Zamora, representada más de 50 años. El Don Juan se ha hecho en ópera muchas veces y se trataba de hacerla de otra manera. Por eso elegí ese tema. Tenía una ventaja, que luego no lo fue tal, que es, al no hacerse en Burgos, se podía haberlo hecho en el año de Zorrilla en Valladolid. No se hizo y luego se hizo en versión de concierto.

ZORRILLA ADEREZADO POR
OTROS AUTORES DEL S.XIX

El libreto es totalmente de Tomás Marcoguiado por la obra de Zorrilla, pero también alimentadocon textos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo Da Ponte, Lord Byron, sor Juana Inés de la Cruz y Francisco de Quevedo, e incluso con textos del propio Tomás Marco.

Los textos de otros autores se utilizan según cómo y para qué. Hay bastantes textos de Tirso de Molina que tienen que ver con uno de los tres papeles que tiene el  Coro; hay alguna alusión a Antonio de Zamora - No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague y Convidado de piedra, obra sobre la leyenda de Don Juan -; y en otros contextos fuera de lo que pasa en el Don Juan de Zorrilla, peri sí lo que está contando es la leyenda de don Juan. Hay bastante de Lord Byron, alguna cosa de Moliére y luego también, en lo que se parodia a Don Juan, el texto de Da Ponte con música de Mozart, pero no se copia la música. Después hay dos cosas muy importantes que no tienen nada que ver con Zorrilla: una es la primera aria que canta Doña Inés, ante el espejo, cuando está esperando a que venga Brígida con la carta, y canta un soneto de Sor Juana Inés de la Cruz (CLICK), Juana Inés. Carmen Cortés. Naves Español (CLICK) que es la justificación de ella como justificación de que la han metido en un convento porque sí, y la propia Sor Inés que también la metieron porque sí. Canta  como " la belleza es pasajera y al final todo es cenizas". Está justificando que se ha metido a monja por eso, pero porque tiene que justificarse, si no, no se hubiera metido a monja. Eso,  creo, que es importante en Doña Inés. Luego hay un  final que nada tiene que ver con Zorrilla, ni de hecho con Don Juan, que es sobre el amor y la pervivencia de algo que es amor, cuando ya no hay nada, que  es el famoso soneto de Quevedo del Polvo enamorado, que es como acaba la obra.

Al utilizar estos otros textos sobre Don Juan, viene a ser un homenaje hacia los que han tratado el personaje.

Lo que he evitado son textos del siglo XX que han tratado el personaje. Me hubiera gustado sacar el Don Juan: el amor de la geometría (1933) de Max Frisch, pero no pegaba mucho con Zorrilla; o el de Torrente Ballester que es una especie de endemoniado, un maldito. Me he quedado en el XIX.  

SANTIAGO SERRATE, director musical
NO ES UNA ÓPERA QUE NO ES QUE
NO SE VAYA A ENTENDER,
SINO TODO LO CONTRARIO.

	SANTIAGO SERRATE FOTO: www.madridteatro.eu

Si Tomás Marco es el "fac totum" de este Tenorio, no le va a la zaga el director musical Santiago Serrate, prácticamente presente desde los inicios de subir a escena a Tenorio, cuando se planteó estrenarla en Burgos. Lo primero que señala es la excepcionalidad del reparto. Santiago califica de  10 en cada cantante, y un 10 a toda la Compañía por el compromiso musical y escénico que han tenido desde el principio. A nivel de escritura musical, la cataloga  de  "muy lírica".

La gente no debe tener miedo el que sea una ópera del siglo XXI, y sea una música fuera de los cánones que se pueden esperar de la ópera.Hay arias cerradas típicas, cabalettas, melodías que se quedan en la cabeza. Tiene el don de ser muy humana la melodía que parece en el Tenorio, y, sobre todo, muy basado en la conversación. Quiero decir, en la música que hacemos cuando hablamos. Como es una ópera que es en verso, y hay mucha conversación entre los personajes, cuando se trata de un momento lírico  o del famoso "No es verdad ángel de amor…", de repente, llegan momentos  oníricos, casi impresionistas, una melodía muy larga, muy tranquila, y cuando hay una conversación es la música que hacemos cuando hablamos. En ese sentido va a ser muy fácil para el espectador conectar en seguida con el Tenorio, ya que además tiene una estructura muy mozartiana, de tempos, lo cual da una unidad a toda la ópera que ese muy remarcable. No es una ópera que no es que no se vaya a entender, sino todo lo contrario.    

Por otro lado la orquesta, según Santiago, se utiliza muy hábilmente.

Se implican los instrumentos con la voz, a veces fusionándose, haciendo como resonancias, que le dan una imagen muy operístico. Ha sido un lujo trabajar en el Teatro Real. 

Tanto para Serrate como para Tomás Marco la interpretación de los solistas como la del coro es muy buena, y llama la atención el entusiasmo de los cantantes jóvenes.

El reparto consta de seis solistas - Joan Martín-Royo (Tenorio), Juan Francisco Gatell (Don Luis), Adriana González (Doña Inés), Juan Antonio Sanabria (La Narración), Lucía Caihuela (Doña Ana), Sandra Ferrández (Lucía) -, de la Orquesta Titular del Teatro Real y de un grupo vocal formado por cantantes del programa Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real.

LA AGRUPACIÓN SEÑOR SERRANO:
ÀLEX SERRANO, PAU PALACIOS

La dirección de escena se la reparten entre Àlex Serrano, Pau Palacios, que forman la Agrupación Señor Serrano, con la ayudantía de Cristina Cubells y Anna Llopart.

En opinión de Pau Palacios, abordar el mito de Don Juan Tenorio, viene condicionado por  cada época, y en ello está la gracia de los mitos.

	PAU PALACIOS FOTO: www.madridteatro.eu
	ÀLEX SERRANO FOTO: www.madridteatro.eu

Cada época los recoge, los reinventa y les da una mirada nueva. Lo que nos planteábamos era cómo enfocar el mito de Don Juan desde hoy en día, sin caer en el actualismo, pero teniendo en cuenta los cambios y los procesos históricos que está habiendo con los roles de géneros, a las relaciones de géneros. Nos interesaba hacer un personaje complejo, un personaje que manteniendo la idea de fondo como es alguien que "no tiene ninguna responsabilidad emotiva hacia las personas con las que intenta tener relaciones", según Tomás Marco en el programa de mano, porque él es un conquistador, hay esta terminología casi militar detrás, y por lo tanto quien conquista es como el enemigo y por tanto hay algo muy problemático. Se trataba de ver el personaje no desde el rechazo, sino de entender hoy día que haya personalidades que no ven más allá de su deseo, y que no ven más allá de su voluntad, y que no tienen consideración por el otro, pero sin darse mucha cuenta, a la vez. No queríamos un Don Juan que cayese antipático; queríamos un Don Juan al que estamos señalando con el dedo todo el rato, pero se viese la complejidad que hay detrás de este tipo de personalidades, y que, hay veces que empatizas y simpatizas con él, pero, de repente, te das cuenta  cómo esas cosas te llevan a todo lo contrario: a la imposición, al abuso, a tomarse algo a lo que no te ha dado el permiso para interactuar con ella, en este caso.

Toda esta situación escénica se ha trasladado a un set de rodaje.        

Tenemos el "back stage"- entre bambalinas -, donde sucede la gran parte de la ópera y luego el "stage", el plató donde se rueda. Hay cosas que suceden en el "back stage", por lo tanto es el actor el que lo canta en el siglo XXI, y otras suceden como en la ficción del s.XIX, en este caso el de Zorrilla, pero ambientado en un lugar un poco más pretérito, y cómo estos dos mundos de realidad y ficción colapsan pare revelar todo lo que hemos comentado.

UN PLATÓ DE RODAJE
REALIDAD Y FICCIÓN
EN DON JUAN

La puesta en escena se basa en un plató de rodaje: zona de rodaje con croma; zona de maquillaje; zona de catering; zona de camerinos; zona técnica, donde un actor principal interpreta a Don Juan Tenorio, un actor secundario interpreta a Don Luis, la actriz principal a Doña Inés y así sucesivamente los demás personajes. Àlex Serrano, la otra mitad de la dirección escénica, aclara que se trata de un juego en el que

qué es aquello del actor que lleva a su personaje, a la ficción. En el caso de Doña Inés tendríamos una actriz principal activa, empoderada, enormemente empática con todo el equipo, pero en el momento en que se pone en set de rodaje empieza la filmación, que se retransmite en una pantalla, y se convierte en su personaje. Se deja raptar por ese personaje más cándido, más dócil, más aéreo, el cual todos tenemos en la cabeza y sería la Doña Inés del texto. En cambio tenemos a Don Juan que es ese conquistador, entrado en sí mismo, que juega para alimentarse a sí mismo. Es el personaje que está en el plató de filmación, pero el actor, a su vez, tiene el mismo "rol". No hay diferenciación entre lo que sería dentro y fuera del rodaje.

Este juego es lo que permite ver qué es la realidad y qué es la ficción.

Empezamos con una idea muy claro de lo que es rodaje y lo que es el espacio de Doña Inés, pero, poco a poco las cosas se van mezclando. Todo esto lo expresamos con nuestro lenguaje que es muy audiovisual. Lo que verá el espectador es todo este set de rodaje, pero encima una gran pantalla donde vamos retransmitiendo, no sólo lo que sucede en plató - allí donde rodamos con el croma verde y sus incrustaciones -, sino esos pequeños accidentes, a veces muy diminutos, que suceden fuera del plató. Por ejemplo en el camerino de Don Juan, donde una cámara se pasea muy, muy lentamente, en un traweling, por todo ese camerino y vamos descubriendo todos sus objetos y vamos entendiendo cómo es el personaje a través de ellos. Lo mismo sucederá con Doña Inés en la zona de catering, y demás.

DOS DRAMATURGIAS:
LA ESCÉNICA Y LA AUDIOVISUAL

	CRISTINA CUBELLS FOTO: www.madridteatro.eu

De este modo se tejen dos dramaturgias: una audiovisual en la parte superior de la escena, y otra escénica en la parte inferior, las cuales se equilibran mutuamente.

Cristina Cubells subraya los papeles de las mujeres que juegan en ese claroscuro.

Todo gira alrededor de Don Juan, pero ellas desde el principio se dan cuenta de este juego y también están jugando un poco, y entran dentro de esta historia. Quiero remarcar lo de la cámara. Lo que hace interesante es que la cámara muestra lo que teóricamente no tendría que ser visto, y en otros momentos realza la historia.  

En la asesoría dramatúrgica, para ese desdoblamiento de actor y personaje, una gran ayuda ha sido Clara Serra, la cual en opinión de Àlex Serrano tiene la virtud de no dar respuestas sencillas, sino que a los problemas complejos da respuestas complejas.

Tiene esta idea no punitiva. Ya desde un principio ayudó mucho a todo lo que es la definición de personajes. Cómo tenía que ser cada uno y cómo debían resolver cada uno de los conflictos. Era muy importante que este Don Juan no nos provocara un rechazo. Un personaje escrito por Tirso, en esa época, podría estar bien acogido, pero ahora con estas palabras o con las de Zorrilla podrían provocar algún conflicto. Entonces era ver cómo acercarlo, cómo tener como público un punto de conexión que me reconozca, y en el fondo me haga cuestionarme cosas sobre mí mismo. Si rechazas al personaje, no te toca. Por eso era muy importante cómo dibujar a cada uno de los personajes y los roles de las mujeres en toda la pieza. Está Doña Inés, Lucía, doña Ana, que son personajes un poco apagados a nivel textual. Lo que hemos hecho es que escénicamente estuviesen muy presentes. Que su mirada estuviese influyendo continuamente en lo que sucede. Aquí el papel de la mujer es que "lo estamos viendo y sabemos lo que sucede, y el que no castiguemos, no supone que no tengamos opinión al respecto".

La Agrupación Señor Serrano ya había estado en Extinción (CLICK), una coproducción del Teatro Real y el Teatro de la Abadía en abril de 2022, y Tomás Marco en una coproducción del Teatro Real con los Teatros del Canal en El Caballero de la triste figura. 

UN PECULIAR CORO

ADRIANA GONZÁLEZ / JOAN MARTIN-ROYO
ADRIANA GONZÁLEZ / INÉS LORANS FOTO: JAVIER DEL REAL

El Coro en esta obra es un tanto peculiar, según Joan Matabosch - director artístico del Teatro Real -, ya que está a medio camino entre Coro y Solistas, muy pocos por voz, y algunos interpretan papeles de personajes secundarios, como es el caso de el Madrigal.

Es un Coro muy pequeño, pero juega mucho a individualizar los integrantes de ese coro. Hemos invitado a participar a algunos cantantes de las últimas ediciones del programa Crescendo, de la Fundación Amigos del Teatro Real, con lo cual se da una oportunidad a esos cantantes jóvenes de iniciar sus caminos profesionales.

Esos personajes secundarios  vienen  interpretados por cantantes del Madrigal y ahí hay un desdoblamiento de voces: Gonzalo: Ruiz Domínguez / Enrique Torres; Brígida: Inés Lorans / Miriam Silva / Aida Gimeno; Ciutti: Pablo Puértolas / Eduardo Pomares / Manuel de Filera; Hostelera: Ana Molina García / Paola Leguizamon / Yeraldin León, pero no tanto en los personajes protagonistas.

Tomás  Marco precisa que no gusta del término Coro, ya que podría haber estado cantado por un cuarteto madrigalista, del tipo manierista de la época de Monteverdi.

Aquí lo hacemos con un pequeño Coro, y está bien. El Coro se utiliza de tres maneras diferentes: una la manera popular que es la de Tirso de Molina cuando canta Sale el sol…, es Coro, coro;  luego hay otros momentos que comenta la narración que ya es un papel de Coro, y otro que hace personajes. Yo en el libreto los había pensado con bailarines o muñecos, y la voz la pone el Coro. Es un Coro muy distinto de los otros dos: es muy cortada, y todo lo que dice Brígida, el Comendador lo dice el Coro. Hay uno que hace el personaje pero es todo el Coro el que lo canta.  Es algo que se les ha ocurrido a los Serrano. Se puede hacer  de muchísimas maneras  y es lo bueno que tiene la ópera. 

JOAN MATABOSCH / PAU PALACIOS / TOMÁS MARCO / SANTIAGO SERRATE / ÀNGEL SERRANO FOTO: JAVIER DEL REAL

FUNCIÓN
13, 15, 17, 19 de mayo de 2024: 19:30 horas

PRECIO
ESTRENO: De 289 € a 18 €
NORMAL: De 218 € a 17 €

	ADRIANA GONZÁLEZ / INÉS LORANS
	JOAN MARTÍN-ROYO
	ADRIANA GONZÁLEZ  / JOAN MARTÍN-ROYO / RAQUEL VILLAREJO / MAR COSTA / ALEJANDRO VON BÜREN / LUCÍA CAHIUELA  FOTOS: JAVIER DEL REAL

Título: Tenorio (Ópera de cámara)
Música y libreto: Tomás Marco (1942), basado en Don Juan Tenorio de José Zorrilla, con añadidos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo da Ponte, Lord Byron, sor Juana Inés de la Cruz y Francisco de Quevedo
Estrenada en versión concierto en el Festival de Verano del Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial en 2017
Estreno absoluto en versión escénica
Nueva producción del Teatro Real

Escenografía e iluminación: CUBE.BZ
Dirección de arte: Jacobo Cayetano (Zuloark)
Vestuario: Joan Ros Garrofé, Atena Pou Clavell
Asesoría dramatúrgica: Clara Serra
Diseño de videoescena y realización: Xavier Gibert
Asistente de la dirección musical: Rubén Sánchez-Vieco
Asistentes de la dirección de escena: Cristina Cubells, Anna Llopart
Operadores de cámara: Bibiana Gispert, Marc Costa
Creación de vídeos digitales: Boris Ramírez 

Intérpretes:
Actores:
Asistentes de rodaje: Raquel Villarejo/ Joseba Priego
Actores: Victoria Lucena / Roberto Lua
Orquesta Titular del Teatro Real
Coro formado por cantantes del programa
Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real.
Preparado por Santiago Serrate y Rubén Sánchez-Vieco. 

La Narración: Juan Antonio Sanabria
Tenorio: Joan Martín-Royo
Doña Inés: Adriana González
Don Luis: Juan Francisco Gatell
Doña Ana: Lucía Caihuela
Lucía: Sandra Ferrández

Madrigal:
Comendador: Alejandro von Büren
Gonzalo: Ruiz Domínguez / Enrique Torres
Brígida: Inés Lorans / Miriam Silva / Aida Gimeno
Ciutti: Pablo Puértolas / Eduardo Pomares / Manuel de Filera
Hostelera: Ana Molina García / Paola Leguizamon / Yeraldin León

Dirección musical: Santiago Serrate
Dirección de escena:  Àlex Serrano, Pau Palacios (Agrupación Señor Serrano)
Estreno absoluto
Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos
Estreno en Madrid: Teatro Real (Sala Principal), 13 - V - 2024

Más información                                                                             José Ramón Díaz Sande Copyright©diazsande

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