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ZIP
FESTIVAL DE CREACIÓN CONTEMPORÁNEA
en el
TEATRO ESPAÑOL
de
MADRID
Del 25 al 30 de junio de 2019
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PROGRAMA
ALL GENIUS ALL IDIOT – De Svalbard Company
25 de junio – 21:30h.
Sala Principal
Creación y ejecución: Benjamin Smith, John Simon Wiborn, Tom Brand, Santiago Ruiz Albalate
Colaboración artística: Peter Jasko
Escenografía: Kasper Svenstrup Hansen
Diseño de luces: Zuzana Režná
Exterior eye: Methinee Wongtrakoon
Exterior eye/Acrobatic: coach Bahoz Temaux
Musical exterior eye: Mae Karthäuser
Vestuario: Michiel Tange van Leeuwen
Touring Technician: José Carlos Ferrer Hernández
Producción: Follow the Rabbit/Josefin Rosales
Duración: 70 minutos
Svalbard Company (Estocolmo), presenta su primera pieza de interior de larga duración con el nombre All genius all idiot, galardonado en la categoría de Mejor Espectáculo Circense y Teatro Físico en los Adelaide Fringe Weekly Awards de 2016.
Es un espectáculo multidisciplinario en torno al circo, un extraño "Frankenstein" donde el sin sentido puede llegar a ser hermoso, ridículo y profundo. Todo esto en un universo donde la tecnología moderna se encuentra con elementos naturales y el hombre de las cavernas conoce al científico
Este grupo tan heterogéneo compuesto por Tom Brand (Alemania), Santiago Ruiz (España), Ben Smith (Inglaterra), John Simon Wiborn (Suecia) y Carlos Ferrer (España) Desde el estreno en 2016, Svalbard ha recorrido 30 ciudades en 15 países con más de 120 actuaciones.
MASA - De Isaak Erdoiza
25 y 26 de junio – 20:00h.
Sala Margarita Xirgu
Concepto y Coreografía: Isaak Erdoiza
Creación e Interpretación: Antonio L. Pedraza, Isaak Erdoiza, Luis Moreno Zamorano, Nazario Díaz
Sonido: Myriam Rzm
Iluminación: Ana Rovira
Acompañamiento: Rosa Casado
Co-producción: BAD / Bilbao Eszena, Programa “Artistas en Residencia”
Residencias Artísticas: Harrobia Eskena (Bilbao), Histeria Kolektiboa (Bilbao)
Agradecimientos: Wikitoki, María Salazar, Maia Villot, Ibon Salvador, Luciana Chieregati, Iñigo Lersundi, Dori González, María Jerez, Cécile Brousse, Cuqui Jerez, Compañeras del MPECV 2016/17
Duración: 65 minutos
MASA toma como punto de partida la carga simbólica que contiene el cuerpo del hombre y, poniendo el foco en él como elemento de representaciones y de imaginarios, propone la construcción de un cuerpo complejo, una masa donde el individuo se diluye para pasar a formar parte de un paisaje inclasificable que nos lleva más allá del cuerpo, un viaje hacia la materia.
Isaak Erdoiza es coreógrafo e intérprete. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual 2016/2017 (ARTEA/UCLM/MNCARS). Realiza una formación en danza y estudios del cuerpo con artistas y pedagogas como Lisa Nelson, Sofia Neuparth, Idoia Zabaleta, Hisako Horikawa y Blandine Calais-Germain. Ha trabajado y colaborado con Olatz de Andrés, Coletivo Qualquer, Aitana Cordero y Nazario Díaz, entre otros. Desde el año 2012 organiza La Cosa en Casa junto a Maia Villot, un encuentro con artistas de distintas disciplinas que muestran su trabajo en contextos domésticos en la ciudad de Bilbao. En la actualidad participa en P.I.C.A., un programa intensivo de acompañamiento a un grupo de artistas e investigadoras/es que tiene lugar en Azala, Vitoria-Gasteiz.
SACRIFICIO - De La Señorita Blanco
25,27 y 29 de junio – 19:00h.
Sala Tirso de Molina
Creación y Dirección: La Señorita Blanco
Texto y Dramaturgia: La Señorita Blanco
Intérpretes: Lara Ortiz, La Señorita Blanco, María Pizarro, Sergio de Pablo Y Tomás Pozzi
Composición musical: Ojo Último
Espacio sonoro: Fer Monedero
Espacio escénico e iluminación: La Señorita Blanco
Vestuario: La Señorita Blanco
Fotografía: Ana Pizarro
Vídeo: Gaby Vila
Producción ejecutiva: Laia Montoya
Comunicación: Ana Pizarro
Distribución: Laia Montoya
Duración: 30 minutos
Espectáculo gratuito
Huí a las montañas para dejar de ser humana. Huí porque ya no entendía lo que nos queda como especie. A mí me queda la vergüenza de pertenecer a esta raza, de vivir en occidente, de tener privilegios, de comer todos los días, de no ser apedreada, bombardeada, aniquilada, desterrada. Huí a las montañas para sobrevivir. Pero ningún sacrificio será útil. Nada me alejará de nuestra barbarie.
"Ningún sacrificio será suficiente para compensar nuestra barbarie"
Paisaje dentro de un paisaje es el nombre de la investigación que La Señorita Blanco viene realizando desde finales de 2017. El trabajo se basa en la investigación en profundidad de los paisajes naturales de la escena. La artista explora un nuevo concepto de movimiento creando una coreografía de imágenes compuestas de cuerpos humanos, escultura y sonido. Paisaje dentro del paisaje es un fractal, un espejo de la realidad, un zoológico, un lugar por donde pasean las imágenes y el movimiento, un intento de entender los rituales y al ser humano, un ejemplo del aislamiento en el que nos encontramos inmersos, una tragedia griega en colores ácidos, un espacio sonoro, un tiempo imaginario marcado por un cronómetro. El proyecto se compone de varias piezas que La Señorita Blanco estrenará entre 2019 y 2021: Sacrificio, Democracia, Actos de Fe Y Lo animal.
CONTROL FREAK - De Kulu Orr
26 de junio – 21:30 h.
Sala Principal
Autor, dirección, Intérprete, escenografía, música e iluminación: Kulu Orr
Vestuario: Rivka Glaubman
Distribución: Proversus
Duración: 60 minutos
Un personaje gracioso y conmovedor intenta interactuar con el público, mientras lucha con su ineptitud social y con los complejos sistemas en el escenario. Finalmente logra tocar música en directo a la vez que demuestra habilidades circenses, controla la iluminación y edita vídeo en directo. Saca voluntarios del público para meterlos en una vorágine orquestal, y al final, todo el público acaba siendo parte del proceso creativo musical.
El espectáculo combina humor inteligente y tecnología puntera: el artista lo controla prácticamente todo dentro y fuera del escenario, a través de accesorios digitales y ordenadores en el traje del actor. El corazón de Control Freak es una serie de elaborados arreglos musicales de composiciones atemporales: desde Bach, Beethoven y Pachelbel a Nina Simone, los Beatles y muchos más. Toda la música es tocada y mezclada en directo, utilizando "Loops Stations" controladas con los pies.
Kulu Orr es director y artista multidisciplinario residente en Israel. A lo largo de los últimos 25 años se ha formado y entrenado intensamente en 2 campos: por un lado teatro, artes circenses y música y por el otro lado física, informática y creación audio- visual. Control Freak viene a ser el resultado de más de dos décadas de exploración e investigación: cuenta con títulos académicos en física y matemáticas, trabajo como líder de un equipo de I+D de alta tecnología y acumuló un serie de producciones teatrales exitosas.
FRÁGIL - De Leonor Leal
27 de junio – 21:30h.
Sala Principal
Concepto: Todo el equipo
Idea original: Michio y Leonor Leal Baile Leonor Leal
Composición/ Música: en vivo Michio
Coaching coreográfico: Maura Morales
Concepto visual: Ana Lessing Menjibar
Diseño de iluminación: Michelle Hummeltenberg - Carmen Mori
Diseño de vestuario: Tina Miyake, Teresa Baena y Michela Kraft
Producción: Adela Algarín -
Compañía: Leonor Leal
Distribución: Adela Algarín -
Compañía: Leonor Leal
Coproducción: Tanzhaus NRW Dusseldorf
Especial agradecimiento: a Dorothee Schackow y Klaus Handner
Duración: 60 minutos
“El ojo que tú ves no es ojo porque tú lo veas, es ojo porque te ve”
Frágil, una obra dedicada a la experimentación y el diálogo entre la música electrónica de Michio y el baile de Leonor Leal. Sus inquietudes por el uso de un lenguaje común como el flamenco así como la ilusión de convivir en un proceso de investigación da como resultado este espectáculo-performance donde se intenta abordar a nivel conceptual y expresivo la fragilidad del artista como ser humano y en este caso como bailaora.
Cuentan además con dos artistas invitadas a este proyecto: la coreógrafa contemporánea Maura Morales y la artista multidisciplinar Ana Lessing Menjibar. Una reflexión sobre el mirar y ser mirado. Sobre la exposición libre y desnudo ante el público de lo que uno cree ser.
BAILAR EL AGUA – De Bailar el agua
27 y 28 de junio – 11:30 h.
Sala Andrea D’Odorico
Dirección: Chefa Alonso y Raquel Sánchez
Saxo soprano, percusión, kechapi: Chefa Alonso
Movimiento, ukelele, acordeón y piano de juguete: Raquel Sánchez
Contrabajo: Jorge Frías
Movimiento: Alba G Herrera
Producción: Jorge Rúa
Iluminación: Cristina L Bolívar
Coordinación y gestión: Sofía Manrique
Duración: 60 minutos
Bailar el agua es un espectáculo de estimulación sensorial concebido especialmente para personas con discapacidad intelectual. El equipo artístico (dos bailarinas y dos músicos), se entremezcla y comparte el mismo espacio que el público. Esta proximidad entre intérprete y espectador provoca un diálogo vivo entre ambos al propiciar la libertad de movimientos y reacciones espontáneas del público, que pasarán a formar parte del espectáculo.
RAQUEL SÁNCHEZ Intérprete y pedagoga estudió artes escénicas en la RESAD, música en el Conservatorio de música de Madrid y el Circo en la Ciudad de los Muchachos, especializándose en expresión corporal. Desde 1992 viene trabajando estrechamente con la coreógrafa Mónica Valenciano (Premio Nacional de Danza 2012); juntas fundan la compañía El Bailadero con la que estrenan 13 espectáculos. Paralelamente, ha estado ligada a la improvisación a través de una fuerte vinculación con el trabajo de la compositora Chefa Alonso con la que ha desarrollado diversos proyectos escénicos. Ha dirigido montajes para adultos y para niños. Ha trabajado con notorios coreógrafos y directores. Ha trabajado en salas y teatros de Madrid y Barcelona, así como como en diversos festivales tanto nacionales como internacionales. Forma parte del equipo pedagógico de la escuela de teatro Cuarta Pared y ha impartido clases en la fundación Yehudi Menuhim, en el Instituto Superior de Danza de Alicia Alonso, Universidad Rey Juan Carlos I de Madrid, en la sala Estudio 3 o en la escuela TAI de Madrid, entre otros. Es profesora titulada de yoga Iyengar y, además, está formada en psicología aplicada a la enseñanza, rol de directora de grupos y psicología social a cargo de la Sociedad Española de Psicología Dinámica, (especialidad didáctica con el equipo Schinca).
CHEFA ALONSO Estudia música y medicina. Si bien lleva más de treinta años dedicada a la música, nunca ha olvidado su segunda vocación y compagina ambas en Bailar el agua. Saxofonista y percusionista de free jazz e improvisación libre, compone música para espectáculos teatrales, de danza, poesía, circo y espectáculos audiovisuales, además de realizar una importante actividad docente, impartiendo talleres de improvisación a profesionales. Es cofundadora de Musicalibre y ha organizado durante varios años el Festival Internacional de Improvisación Hurta Cordel, en Madrid. Realiza la dirección musical de Circo interior bruto, un espectáculo de circo contemporáneo español estrenado en Amiens, (Francia) en abril del 2015 y de Al Filo 2011 y 2012, maratón de circo contemporáneo, producido por Escena Contemporánea y el Circo Price. Crea y dirige la Orquesta Carníval, proyecto que mezcla la improvisación libre (con y sin conducción) y la composición previa, para integrar con un espíritu libre, la música de circo, el free jazz, la poesía, la música electrónica y experimental, la danza. Ha tocado en diferentes festivales europeos y ha dado cursos y talleres de improvisación en distintos países de Latino-América y en Indonesia. Es doctora en improvisación libre y composición por la Universidad de Brunel (Londres, 2007) y ha publicado los libros: Enseñanza y aprendizaje de la improvisación libre. Propuestas y reflexiones e Improvisación libre. La composición en movimiento.
ESPÍRITUS AL HABLA - De Marisa Llul y Javier Montero
27 y 30 de junio 20:30h.
Sala Ensayo Planta 4ª
Performers: Ana Bokesa, Diego Garrido, Joseph Junior, Lys Kamdem, Ksenia Guinea; Edvander Marques; Omar Martín; Marcos Matus Ramirez, Bea Mbula y Adiza Sanogho
Creación y dirección: Marisa Lull y Javier Montero
Agradecimientos: a The Black View por su colaboración
Duración: 45 minutos
El Laboratorio Espíritus al Habla… de magia y creación escénica tendrá lugar dentro del Festival ZIP 2019 está dirigido por Marisa Lull y Javier Montero.
Durante el Laboratorio investigaremos la relación de aspectos de nuestra vida cotidiana con rituales y sucesos mágicos. Trabajaremos la alteración de las condiciones de espacio y tiempo; la invisibilidad, las apariciones y las desapariciones. Seguiremos la pista de fantasmas y espectros… Y además, desarrollaremos una pieza escénica que será presentada dentro del festival. Proceso de Trabajo Nuestro método gira sobre varios ejes: - Cuerpo: Investigaremos el cuerpo sutil, la repetición y el trance, la musicalidad corporal, su resonancia y el dibujo de sus formas. - Interpretación: Indagaremos sobre el intercambio de identidades y la creación de escenas. - La palabra: Trabajaremos con textos propios, mensajes cifrados y la poética de los números. - El sonido: Crearemos un paisaje sonoro con músicas, voces, objetos y espectros. - El espacio: Construiremos arquitecturas para nuestros fantasmas y comunicaremos con los que habitan en el Teatro. - Desarrollaremos lenguajes y prácticas experimentales a partir de metodologías específicas. - Crearemos la atmósfera adecuada que nos permita asumir riesgos, afrontar procesos creativos complejos y desafiarnos a nosotros mismos. - La pieza creada será dialógica, coral y abierta, y se presentará al público al final del proceso.
MARINA LULL es directora de escena, actriz, coreógrafa y comisaria. Licenciada en Sociología por la UCM se ha formado y ha trabajado en artes escénicas en Madrid, Londres, Roma, Uganda y Nueva York donde funda su propia compañía The Lull Group. En Madrid abre la escuela de teatro y danza, Nueve y Medio Teatro en 2001 donde imparte clases de danza africana mandinga de forma regular e inicia el proyecto escénico Yo Me Experimento donde explora temas como el Amor, la Belleza, la Amistad o el Miedo a través de proyectos de creación colectiva que involucran material biográfico. En 2007 funda la Asociación Cultural Mandjani y codirige la compañía de danza y teatro infantil afro-española Compañía Samadeni, con la que ha dirigido dos espectáculos Samabá Samadé y Mali y Sayo que han girado por toda España y ambas estuvieron en el Teatro Español 2017-2018. Es coach de actores, su último trabajo en la serie Vergüenza T2, T3. Desde 2019 es comisaria del Festival Internacional de Artes Escénicas ÍDEM en La Casa Encendida
JAVIER MONTERO es dramaturgo, director de artes escénicas, artista visual y escritor. Su última obra estrenada es La colonia de vacaciones (Teatro del Barrio, Madrid, 2018) y ahora se encuentra en fase de ensayos y preparación con Las maquinaciones de las voces interiores. Es director y co-autor, junto a la compañía Zaleatro, de la obra Esto no es un juego sobre el acoso escolar. Se está mostrando en colegios públicos y centros culturales de la Comunidad de Madrid y será estrenada en septiembre de 2019. En los últimos años ha dirigido y es autor de numerosos proyectos de creación escénica como La secta de las vampiras (Teatro del Barrio, Madrid), El Teatro de Acción Violenta presenta El Ruido y la Furia (Festival Escena Contemporánea), The paranormal anticapitalist society (Festival In- Presentables, La Casa Encendida) o La muerte del Pop ( La Casa Encendida). Entre sus proyectos de creación colectiva más recientes están el laboratorio La creatividad como espacio de conflicto (Museo Reina Sofía, Madrid), el proyecto escénico La máquina del tiempo (Intermediae -- Matadero) y Aventuras Teatrales junto a la directora Marisa Lull (Galería Travesía Cuatro). Imparte el curso de escritura y nueva dramaturgia La normalidad como campo de batalla en el Teatro del Barrio, así como cursos y talleres en numerosas instituciones artísticas y académicas.
A REASON TO TALK – De Sachli Gholamalizad
16 y 17 de junio – 21:30h.
Sala Principal
Autoría e intérprete: Sachli Gholamalizad
Diseño de escenografía: Steven Brys
Diseño De Sonido: Andrew Claes
Técnica: Donald Berlanger
Distribución / tourmanagement: Saskia Lienard
Coaching actoral: Greet Vissers
Producción: Kunstz, Royal Theatre Plymouth, Richard Jordan Productions, Kvs
Agradecimientos: Shokat Armon, Bart Baele, Julie De Clercq, Zeynab Hamedani Mojarad, Ehsan Hemmat, Senjan Jansen, Bart Van Nuys
Duración: 75 minutos
En A reason to talk, Sachli intenta descubrir por qué experimenta una relación tan tensa con su madre. Ella se sumerge en su historia familiar y se enfrenta a su madre y abuela en una compilación de textos y videos. Las múltiples capas y contradicciones en las vidas de estas tres mujeres quedan reflejadas en el escenario a través de distintos recursos.
Sachli Gholamalizad integra recuerdos, paisajes sonoros, extractos de novelas y su diario, y un video que filmó ella misma (de Irán y Bélgica) para crear una actuación muy personal. Con A Reason to Talk, la primera parte de una trilogía ganó el Premio Circuit X en el Teatro Aan Zee en Oostende (TAZ # 14) y fue seleccionada para el Festival de Teatro 2014. Sachli realizó una gira con esta producción en Bélgica y en el extranjero, y en el verano de 2015 la presentó en el Festival Fringe de Edimburgo, donde ganó el PRIMER PREMIO y fue incorporada a la lista de Premios a la Libertad de Expresión de Amnistía Internacional. Un año después cruzó el océano para actuar en Toronto. También creó su segunda pieza, (Not) My Paradise, con la que ha realizado una intensa gira. En marzo de 2017 regresó a Bruselas para el estreno de la versión en francés de A Reason to Talk en el Théâtre National. En 2019 presenta su tercera creación en KVS: Let us Believe in the Beginning of the Cold Season. Desde la temporada 2016-17, Sachli ha sido miembro del conjunto abierto de KVS.
Actualmente en su tercera actuación en solitario, Sachli Gholamalizad rinde un homenaje a las mujeres que con sus palabras moldearon los caminos de su madre y su abuela. Sus palabras representan mundos prohibidos y permiten que las mujeres se sientan como en casa en sus propios cuerpos. Sachli entrelaza esta herencia con voces feministas contemporáneas en una interpretación musical serpenteante y en capas.
ELLEN/LAURIE/PAULINE. CONCIERTO PARA VIOLÍN EXPANDIDO – De Luz Prado
28 y 30 de junio – 19:00h.
Sala Ensayo -2
Puedo dibujarte para que no tengas orejas. Puedo dibujarte para que no tengas oídos en absoluto. De modo que donde estén tus orejas solo haya papel en blanco. Laurie Anderson un violín que amplifica el espacio un espacio que amplifica el movimiento un movimiento que amplifica el sonido un sonido que amplifica el violín Luz Prado con la escucha de Silvia Zayas y Elsa Paricio.
Iluminación: Cristina Bolivar.
Duración: 50 minutos
Luz Prado (Málaga, 1985) es violinista e improvisadora. Su trabajo parte de un diálogo constante con el violín y toma como base el espacio y la dialéctica evento-proceso propia de la improvisación libre. En los últimos años ha desarrollado proyectos junto a dramaturgas, coreógrafas y performers que amplían las dimensiones de su propia escucha, generando nuevas líneas de trabajo en torno a lo escénico. Desde su encuentro en noviembre de 2016, gracias al Programa de AMEE para Nuevos Creadores, tiene la suerte de compartir procesos con Wade Matthews. También forma parte de El Triángulo, un proyecto educativo basado en la escucha del CA2M, y colabora con artistas como Nilo Gallego, Silvia Zayas y Elena Córdoba.
ESQUEITERS - De Nao Albet y Marcel Borràs
Basado en una producción original de La Brutal, del Festival Grec y Temporada Alta
29 y 30 de junio – 21:30h.
Sala Principal
Composición dramática y dirección: Nao Albet y Marcel Borràs en colaboración con Juan Miranda
Creación y actuación: Nao Albet, Alfredo Baccetti, Marcel Borràs, Mike Diligent, Dallas Bailey y Kristina Westad
Composición musical: Nao Albet y Marcel Borràs basada en canciones de Bad Bad Not Good
Escenografía: Max Glaenzel
Iluminación: Luis Martí
Coreografía: Nao Albet, Marcel Borràs y Anna Hierro
Sombras y subtítulos: Oslo Albet Vídeo Miquel Diaz
Construcción decorado: Xarli et Ou
Diseño de vestuario: Catherine Argence Rampa Amalgama Studio
Traducción: Julien Couturier
Producción: Anabel Labrador
Producción asociada: del l'Archipel, escena nacional de Perpignan.
Duración: 65 minutos
El conocimiento os hará libres – Sócrates
Me siento libre cuando hago skate - un skater
El punto de partida de esta pieza se encuentra en la plaza del MACBA en Barcelona, la meca del skate, frente a la Facultad de Filosofía que data del siglo XV. Principios del Renacimiento 127 y principios del siglo XXI: dos períodos cruciales de la Historia de la Humanidad que conviven en el mismo lugar. ¿Por qué no en el mismo escenario? Uno con un carácter intelectual, el otro con un carácter físico.
El espectáculo explora esta búsqueda de libertad tanto en este período del humanismo como en el mundo de los skaters que llenan hoy las calles. El intercambio es recíproco: dos artistas-filósofos introducen a los patinadores en el mundo clásico, en el humanismo y el academicismo. Su sesgo es decir que, si el conocimiento nos hace libres, deben aprender griego y latín para poder leer los textos clásicos sin el filtro dogmático de la Edad Media, y así percibirlos en su forma original. En cuanto a los patinadores, entrenan a los filósofos en su pasión con toda la disciplina que requiere. Juntos, recrean los movimientos, subyugan sus cuerpos a las experiencias necesarias para convertirse en una presencia física. Todos están en busca del mismo deseo: la libertad. Intercambian sus respectivos pensamientos, sus filosofías, sus reflexiones, sus puntos fuertes y sus movimientos a lo largo del espectáculo; un espectáculo que tiene lugar en una escena imaginada para representar las calles de una ciudad.
Las aceras, las curvas, las escaleras, los bancos y los parques son perfectos para practicar el monopatín y de golpe esta ciudad se llena de skaters de todo el mundo. La idea del espectáculo es mostrar la diversidad de nacionalidad y culturas de los skaters para plantear temas como globalización, el desapego (provocado por su carácter nómada) y la identidad. La finalidad de ello es presentar varias maneras de considerar la vida. Los skaters seleccionados no están patrocinados, lo que les concede una gran libertad y son ellos, sin duda alguna, los que han vivido las historias más inverosímiles. Después de haber hablado con ellos sabemos que afirman que se sienten libres cuando practican el monopatín. Pero, ¿qué libertad es esta? ¿Se trata de una libertad consciente? ¿O bien de algo que se parece a una vía de escape? ¿Se trata de una libertad física o mental? ¿Qué diablos entienden por ser libres?
VINCLES – De Circ Bover
29 de junio 19:30h. y 30 de junio – 19:00h.
Plaza de Santa Ana
Idea original: Tià Jordà
Dirección y dramaturgia: Pau Bachero
Escenografía: Pau Caracuel
Vestuario: Steffi Knabe
Diseño de iluminación y técnico: Pau Caracuel
Fotografía: Circ Bover
Producción: Circ Bover
Artistas en escena: Maëlys Rousseau; Arce López; Gràcia Moragues; Mateu Canyelles
Duración: 45 minutos
Espectáculo de circo contemporáneo, a partir de un sencillo elemento: las cañas de bambú. Se construye un espectáculo con el objetivo de transmitir la elegancia y la técnica de las artes circenses, a través de un montaje totalmente diferente y sin precedente. Los elementos escénicos se transforman, junto a las emociones y entre ellos surgen diferentes números de circo. Se nos muestra que partiendo de aquello más esencial, de elementos sencillo, se llega a la sofisticación y a la calidad artística y técnica extremas.
El Circ Bover es una compañía de circo profesional que hace ya 11 años celebra con este montaje una nueva producción para celebrar su primera década como compañía. La compañía emprendió la iniciativa de difundir las artes circenses en las Islas Baleares, hasta entonces una tradición inexistente. La compañía produce espectáculos de creación propia, de circo moderno, que combina con las últimas tendencias de circo, con música en directo, teatro y danza, que goza de un amplio recorrido nacional e internacional. El Circ Bover dispone de un centro de programación propio llamado, Es Centro de Circo, con artistas residentes y una escuela de circo. Vincles ha sido galardonada con el Premio Zirkolika 2016 al Mejor espectáculo por votación popular, Premi Move Award 2016 mejor espectáculo de teatro visual de Europa, Premio Feten 2016 mejor espectáculo de calle Premio Atapib 2016, mejor espectáculo Premio Noctívagos 2018, Primer premio IX Certamen Internacional de Teatro en la Calle
TRÓPICO DE COVADONGA – De Rodrigo Cuevas
29 de junio – 22:45h.
Plaza de Santa Ana
Autor e intérprete: Rodrigo Cuevas
Voz, percusiones, sintes y electrónica: Rodrigo Cuevas
Guitarra eléctrica, bajo, efectos, coros: Rubén Bada Panderos, coros, palmas, vocoder Mapi Quintana
Percusiones: Juanjo Díaz Sintetizadores, coros, programaciones, acordeón Tino Cuesta
Diseño de escenografía y vestuario: Constantino Menéndez (Made by Kös)
Coreografía: Dana Raz
Diseño de iluminación: Txus Plágaro
Sonido: Jorge Irazábal
Producción, Management, contratación: El Cohete Internacional y Rodrigo Cuevas
Duración: 45 minutos
Rodrigo Cuevas presenta su nuevo disco Trópico de Covadonga, su tercer espectáculo escénico en solitario después de Electrocuplé y de El Mundo por Montera. Con este último recorrió infinidad de escenarios por España y fuera de ella, con más de cien actuaciones repartidas por algunos de los mejores festivales (de teatro, música, de poesía, etcétera) así como por teatros y auditorios de las ciudades españolas más importantes lo mismo que en pequeñas poblaciones.
Con este nuevo espectáculo pretendo dar un salto cualitativo para lo cual voy a realizar una Residencia en Laboral Ciudad de la Cultura de Gijón durante el mes de mayo
Él mismo se define como agitador folclórico. Cuenta con formación musical académica: grado medio de piano y estudios de tuba en el Conservatorio de Oviedo además de tres años de Sonología en Barcelona.
Utiliza el arte popular tradicional como una parte más del espectáculo, quizás el pilar fundamental junto a la electrónica, el cabaret, el monólogo, el humor y el teatro. A través de ellos plantea cuestiones que le preocupan como la desconexión con nuestros ancestros y llevando así a escena la sabiduría que se fraguó a base de ensayo-error durante cientos de años de humanidad, esto es, la conexión con la naturaleza y con el mundo rural.
Rodrigo Cuevas (Oviedo 1985), es un artista total: cantante, compositor, acordeonista y percusionista. Difícil hallar equivalente cuando sus intereses artísticos apuntan a ramo de flores de colores. Su más reciente lanzamiento discográfico, de 2016, es un EP de cuatro temas titulado Prince of Verdiciu, que incluye Verdiciu, Xilguerín Parleru, El Toro Barroso y ¡Viva Grecia! Entre las colaboraciones musicales se destaca a Celerina Sound System y a Rubén Bada, músicos que, también, le acompañan en muchas de sus actuaciones en vivo.
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