CABARET
CABARET DE LUJO EN EL BERLÍN NAZI

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Todo comenzó con Adiós Berlín, una serie de relatos acerca de la vida berlinesa en los años treinta del siglo XX, vivida y novelada por Christopher Isherwood, profesor de inglés en ese Berlín con más que ribetes de nazismo. Entre los múltiples personajes sobresale Sally Bowles que canta en el bar "bohemio y sofisticado"  Lady Windermere, a la cual Christopher describe como una cantante de "voz sorprendentemente baja y bronca y cantaba mal, sin la menor expresión, con los brazos pegados al cuerpo, y sin embargo resultaba impresionante a su manera, debido a lo extraño de su aspecto y a su aire de no importarle un pito lo que el público opinase".

FRAGMENTOS DE UNA VOLUMINOSA NOVELA
NUNCA ESCRITA: THE LOST

Todo este material fue apareciendo sucesivamente. Con motivo de la publicación Adiós Berlín en 1939, la primera edición, el propio Christopher Isherwood comentaba en un prólogo:

CHRISTOPHER ISHERWOOD   Los seis relatos contenidos en este volumen forman una narración más o menos continua. Son los únicos fragmentos que han quedado de lo que originalmente había de ser una voluminosa novela sobre el Berlín anterior a Hitler. Mi intención era haberla llamado The lost. Sin embargo, cambié ese título: era demasiado pretencioso para esta breve secuencia un tanto inconexa de diarios y apuntes. Los lectores de Mr. Norris changes trains (publicado en Estados Unidos como The Last of Mr Norris) advertirán tal vez que algunos personajes y situaciones de aquella novela coinciden a veces y contradicen otras lo que he escrito en ésta. Sally Bowles, por ejemplo, tenía que tropezar con Mr. Norris en la escalera de Fräulein Schroeder; Christopher Isherwood encontraba ciertamente a William Bradshaw dormido en su cama al regresar a casa una noche. La explicación es sencilla: las aventuras de Mr. Norris formaron una vez parte de The lost. Aunque haya dado mi propio nombre al «yo» de este relato, los lectores no tienen por qué suponer que sus páginas son puramente autobiográficas, o que sus personajes son difamatorios retratos exactos de personas reales. «Christopher Isherwood» no es más que el práctico muñeco del ventrílocuo. El primer «Diario de Berlín», «Los Nowak» y «Los Landauer» ya han aparecido en la edición New Writing de John Lehmann. A su vez, el «Diario de Berlín» y «Los Nowak», así como el segundo «Diario de Berlín», han aparecido en su New Writing de Penguin. «Sally Bowles» fue originalmente publicado como un volumen independiente por Hogarth Press. Christopher Isherwood Septiembre de 1935

SALLY BOWLES, POPULAR GRACIAS A CABARET 

	YO SOY UNA CÁMARA (Versión cinematográfica)

A esta Sally Bowles nos la entregó Bob Fosse en el musical cinematográfico a través de la figura de Liza Minelli, y para la mayoría del público Liza es Sally. El musical de Bob procedía del musical de teatro en Broadway (1966), y éste, a su vez, de una obra teatral Yo soy una Cámara, que también encontró su versión cinematográfica.

Cabaret, teatro musical, llegó a Madrid en la versión de Sam Mendes con Natalia Millán como Sally. Ahora vuelve a subir en otra producción con Cristina Castaño como Sally, bajo la dirección de Jaime Azpilicueta, quien considera Cabaret como

• uno de los clásicos que sobrevive a cualquier estilo de musical, cantar, bailar y decir cosas. Yo tuve algo que ver con la última producción de Madrid en el Teatro Nuevo Alcalá, que fue un gran éxito indiscutible, y sería muy aburrido plantearse una repetición. Mi punto de partida es algo que pude contemplar a lo largo de múltiples representaciones. Bob Fosse, en la película, tiene una panorámica en la que se reflejan en unos espejos deformantes las caras no identificables de las personas que acudían al Kit Kat Klub. Vemos que era gene muy bien vestida, con alto poder económico por lo que aparentaban. No era nada barato entrar en este sitio. Gentes que iban a ver un espectáculo de cabaret, género muy alemán, que lo incorpora París a partir de los años sesenta. Era un espectáculo muy crítico políticamente, muy trasgresor y muy atrevido en todos los sentidos. En el momento en que el nazismo era un  partido subterráneo, no autorizado y no claro. Lo que hacían era pegar a la gente, secuestrarla, romper cristales...El club tal como lo cuenta Christopher Isherwood ,era donde se decía la verdad. Se parodiaba a Hitler y se reían de lo que después iba a ser un régimen tremendo y asesino. Los contemporáneos no creían que iba a ocurrir para nada algo malo. Por eso ocurrió. Cabaret refleja esa situación. el dueño de la frutería dice:"Yo soy judío, pero también soy alemán. He nacido aquí". Hacer un musical de esto, una historia que todos conocemos era muy difícil. Era compaginar el espectáculo, la música con una tragedia inmensa, terrible. Seguramente la gran tragedia del siglo XX. La calidad y categoría de los autores consiguieron hacer un musical absolutamente universal y un clásico de la historia del género, sin duda alguna.

LUJO PARA EL KIT KAT KLUB

JAIME AZPILICUETA FOTO: www.madridteatro.net

El punto de partida para el musical de Jaime Azpilicueta, como ha dicho, era ese reflejo de esas gentes adineradas en los espejos.

• no creo que fueran a un sitio sórdido, en el que las chicas salían con medias rotas y que tenían pinta de algo que no era ser bailarina o cantante. Iban a ver un espectáculo muy divertido, muy atrevido, muy picante y detrás de eso corría toda esa incertidumbre, esa pesadilla y ese miedo al terror del Tercer Reich, que sobrevino. Epidérmicamente el espectáculo era de categoría. No era una casa de prostitución. A lo más las chicas se llevaban una comisión por las copas que lograban vender, y ellas tenían sus citas fueran del cabaret. Por lo tanto el espectáculo no tenía por qué ser tan sórdido y tan lúgubre como la versión, por otra parte muy respetable, de Sam Mendes. Aquí hemos hecho dos puntos muy diferenciados, pero mezclados entre sí. Por un lado la cara alegre del payaso de siempre, que por dentro lleva la procesión muy lenta, muy triste y muy dramática.

DEL LADY WINDERMERE AL KIK KAT KLUB

Aunque la opción de Jaime es la de un Cabaret de lujo, el Lady Windermere de la novela Adiós Berlín, es un piano y poco más:  "era un bar bohemio y sofisticado(...) donde el propietario se habíaesforzado en crear una atmósfera de Montparnasse. Las paredes estaban adornadas con menús cubiertos de dibujos, caricaturas y fotografías dedicads de actrices y actores (...) un abanico gigantesco presidía la barra y en el centro del local, sobre un estrado, había un gran piano".    

• A veces el teatro tiene que mentir la realidad - observa Jaime. Efectivamente el Lady Windermere tenía un escenario no más grande que una mesa grande. Ahí pasaban cosas no espectaculares, pues no había espacio ni medios, pero esto no se puede llevar al teatro. El teatro necesita recrear algo más grande, seguramente para que se vea mejor. Necesita poner una lente de aumento par que todo resulte evidente, y efectivamente, Bob Fosse que es el genio musical de todos los tiempos, comprendió eso e hizo un montaje paralelo, que es maestro. Mezcló como nadie lo que era la vida real y la que se enseñaba en el Cabaret. El cine no necesita dimensiones. Tiene el primer plano. Sin embargo cuando se hace esta versión de Harold Prince, la señorita Liza Minelli va a las audiciones y no la aceptan. La rechazan y eso que iba bien recomendada por papá (Vicente Minelli) y por mamá  (Judy Garland), porque el cine es otra cosa. Pocos años más tarde hace la película y gana el Oscar. Son visiones distintas, en el fondo deformaciones distintas de la realidad para hacer comprender la historia de una forma más clara.

FOTO: SOM

YO SOY COMO UNA CÁMARA

El Cabaret de Jaime comienza con un obturador del objetivo de una cámara fotográfica, que al abrirse aparece el maestro de ceremonias con la canción Willkommen... En Adiós Berlín, en el comienzo del segundo párrafo Christopher advierte:"Yo soy como una cámara con el obturador abierto, pasiva, minuciosa, incapaz de pensar. Capto la imagen del hombre que se afeita en la ventana de enfrente(...) Habrá que revelarlas algún día, fijarlas cuidadosamente en el papel". Posteriormente la adaptación teatral primera no musical y su traducción cinematográfica se titularon Yo soy una cámara.

• Creo que esta historia está contada a través de una cámara. Cada mirada, cada reacción es una foto. una foto tiene tantas cosas detrás de la, sobre todo del interior de la gente de aquella época y a lo mejor de todas las épocas. Me apetecía mucho empezar con ese obturador que diera esa idea. Estamos viendo fotografías con vida. En un momento dado el telón desaparece y dentro está toda la historia.

Desde que se estrenó en 1966 las canciones en cada puesta en escena han ido variando, en lo referente a la selección, ya que depende de la concesión de los derechos de autor. En esta versión, se encuentran fundamentalmente, los temas que la gente espera.

EL REPARTO: AUNTÉNTICOS SERES HUMANOS
Y GRANDES ARTISTAS

	CRISTINA CASTAÑO FOTO: www.madridteatro.net

Jaime  resalta que

• por primera vez en muchos años me he encontrado con un reparto que después de mes y medio de larguísimas audiciones, eso del "casting" no me gusta nada, me he encontrado con auténticos seres humanos y con grandes artistas. Sería muy largo hablar de todos. Quiero mencionar a Enrique (Enrique R. del Portal) que interpreta a Schultz, a Marta (Marta Ribera), que personifica a la señora Schneider. Interpreta a dos personajes que nunca se han hecho así. Todo el elenco ha puesto todo su entusiasmo más allá de su propia juventud y del esfuerzo físico. También destacar a Federico Barrios, que como coreógrafo me ha aportado  tanto, y a Maximiliano Lavía, mi ayudante, que me soporta día a día y no es fácil.

CRISTINA CASTAÑOS: SALLY, UN SUEÑO HECHO REALIDAD

Cristina Castaño (Villalba, Lugo) tuvo su faceta de cantante en la profesora de danza en Fama, el Musical. Interpretó varios conciertos como solista con el músico Carlos Núñez, y su imagen ha invadido los hogares a través de la serie televisiva La que se avecina, interpretando a Judith, una psicóloga muy peculiar. Con Cabaret vuelve a la canción. Tras agradecer los elogios de Jaime, subraya que

• no tengo palabras para agradecerte cómo me has hecho sentir, desde el inicio, en los ensayos. El apoyo del director es fundamental para un actor. Desde el principio me sentido querida por ti, apreciada y valorada. Eso me ha hecho dar todo lo que tengo para dar. También quiero agradecer a los productores, porque desde el principio me han dejado aportar y decidir cosas, que para mí eran importantes a la hora de subirme al escenario y dar lo mejor de mí.

CRISTINA CASTAÑO FOTO: www.madridteatro.net

El interpretar a Sally supone para Cristina sentirse muy afortunado porque

• es un sueño hecho realidad poder interpretar a Sally Bowles y estar en este Cabaret en concreto. Es un personaje que está en la memoria colectiva de todos. Liza Minelly lo hizo grande, pero es un personaje muy rico que un actor lo puede hacer muy grande. Para mí es un clásico como los grandes clásicos de Shakespeare, de Chéjov. Es una obra llena, rica con un tema muy grande. Siento un gran respeto por lo que se habla en esta función. Este personaje lo tiene todo, es un bombón y es un disfrute. Tiene todos los registros posibles para un escenario: tiene comedida, drama, canto, baile, contrastes. Tengo que agradecer a Daniel Muriel que, en su momento, me dejó el libro - Adiós Berlín - en el que está basado el musical, donde hay un capítulo que habla de Sally Bowles, y define muy bien al personaje Hay muchos referentes a la hora de crearlo. En el libro está muy claro quién es. A raíz de leer el libro y la directrices de Jaime, con las funciones previas que estamos haciendo y a partir del estreno es cuestión de volar y de dejarme llevar por los otros personajes y por lo que pase cada día con el público. Esta es una de las épocas más bonitas de mi vida. No sé lo que me depara el futuro, pero lo que estoy viviendo ahora es un sueño.

La Sally Bowles de Adiós Berlín está inspirado, muy de lejos, en un personaje real, Jean Rose, al cual se puede conocer en la versión real del Adiós Berlín, que años más tarde Christopher Isherwood relató en su obra Christopher y su gente. Son sus años berlineses reales, sin pasar por el tamiz de lo novelado. Sigue la línea de la autobiografía.
 

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EDUARDO SOTO: JAIME HA SABIDO LEERME,
HA SABIDO ACEPTARME Y EXPLICARME 

	EDU SOTO FOTOS: www.madridteatro.net

Eduardo Soto es el maestro de ceremonias del cabaret, a veces un tanto siniestro. Salto a la popularidad a través del programa de Buenafuente con un personaje histriónico: El Neng de Castefa. Fue un peldaño para subir al escenario, y a lo largo de estos años ha encarnado personajes de humor y dramáticos. La Compañía Nacional de Teatro Clásico, el Centro Dramático Nacional y el Teatro de la Zarzuela han contado con él. Evita el dar las gracias para no repetirse, pero ahí están.

• Creo que las cosas no pasan porque sí. La vidas es un carnaval, un cabaret, una montaña rusa y hay mil opciones que te sucedan cosas a lo largo de tu vida .Parece que las eliges tú, pero son ellas las que te eligen. El día que Marcos Cámara me llamó para hacer Cabaret, me estaban diciendo que No a un proyecto, del cual no voy  a decir el nombre, y que era muy interesante, muy bonito y con un papel bastante dramático, aunque tenía su punto cómico. A alguien le pareció que no estaba capacitado para hacer ese papel. Te quedas con eso de "Joder, si ya lo tenía ahí, ¡qué putada!" Una hora después me llamo Marcos Cámara ofreciéndome Cabaret. "¡Ah!, ¡Coño!, a lo mejor no tenía que hacer aquel y tenía que hacer éste". Cuando todo empieza tan fácil, parece que la ruta sigue su camino y ha sido muy fácil desde la producción, la dirección. Todos nos tenemos que adaptar a todos, pero entiendo que no soy un tipo fácil o difícil. Soy un tanto peculiar. Cada uno es como es, hijo de su padre y de su madre. Hay momentos en tu carrera que te tienes que adaptar a los productores y al director, y, en este caso, ha sido bastante cómodo para mí. No sé si para ellos he sido incómodo. Jaime ha sabido leerme, ha sabido aceptarme y explicarme. Me ha dicho:"Ve a tu ritmo, ve a tu manera. Confiamos en ti". Esta es la mejor manera que  hay en el mundo para trabajar. A partir de ahí, estar con el talento de un grupo de compañeros, es un placer sumarte a estas coreografías, a estas voces, a esta orquesta, a ese diseño de luz, a esos trajes y maquillajes. Cuando empiezas a ensayar te sientes ridículo cuando llegas a tu casa con tu chandal y con tus zapatillas "hippies" de ensayo. Ahí no vales nada. haces casi el ridículo. Empiezas a ser un buen actor cuando te ponen un vestuario, te dan unas indicaciones, cuando te ponen una escenografía y empieza a crecer la historia. Ahí empiezas a ser lo que te crees que eres, pero necesitas a ellos. No comparemos con otros Cabaret's, porque los hay y los habrá siempre, pero, ahora, éste es el que hay y el que hemos hecho entre todos nosotros.                

DANIEL MURIEL: MI PERSONAJE ES UNA MARAVILLA

A Daniel Muriel (Valladolid), lo hemos podido ver últimamente en Dignidad (CLIKEAR). Desde el 2012 acumula títulos emblemáticos. Interpreta a Clifford, que si nos remontamos a la historia del personaje desde la literatura al teatro, es un personaje que ha sido concebido un tanto ambiguamente. De él, el propio Christopher Isherwood opina que en la película Cabaret se traiciona el personaje.

• 	DANIEL MURIEL FOTOS: www.madridteatro.net

  Yo llevo la parte dramática de la función - precisa Daniel Muriel. Es una pena porque me gustaría bailar y cantar más, aunque tengo mis trocitos de canción. Mi personaje es una maravilla. Es un poco el público, el que va entendiendo todo, lo vive, a la vez que lo hace el público, el cual empieza riendo mucho y acaba siendo tocado. Es lo bonito de este musical. No sólo es un divertimento, sino que te cuenta una historia muy potente. Cuando he visto musicales, aquí y en el extranjero, a veces se pierde un poco la historia y lo actoral. Importan más las plumas y el brillo. Eso importa muchísimo, pero si a eso le sumas una buena historia y el dar un trocito de tu alma en el personaje, y que el público se lo lleve, pues es maravilloso. Tenemos un espectáculo muy potente desde el principio, pero tiene un final brutal y deja al espectador impactado.       

NECESIDAD DEL PÚBLICO PARA CRECER
CADA FUNCIÓN ME LA TOMO
COMO UN MOMENTO MÁS DE INVESTIGACIÓN

Referente a los ensayos par Cristina

• el proceso de ensayos es una época que vivo con mucha intensidad. Unos días encuentras una cosa, al otro la pierdes. En teatro estoy acostumbrada a trabajar con textos. Aquí tienes texto, canto, baile y es un "puzzle" en el que vas montando todas las piezas diferentes. Todo tiene que estar dominado. A nivel actoral Jaime me ha dado mucha libertad y mucha guía. Todavía me la sigue dando, porque los  ensayos no terminan nunca. Cada función me la tomo como un momento más de investigación. Con Daniel interactúo a través de los diálogos y con Edu, que no interactúo  tanto, su presencia me da el personaje. Es muy potente la presencia de Edu en el escenario.

TODO EMPIEZA A ENGRANARSE
Y ES UNA MARAVILLA

• Jaime es muy intenso. Cuando llegamos tenía todo muy pensado y en los ensayos te dedicas a perfilar - añade Daniel. Hay muchas cosas que hacer y siempre te faltan horas, pero, a la vez, todo empieza a engranarse, y entonces es una maravilla.

ENSAYAR ES UN COÑAZO

• Quiero añadir que son maravillosos todos los compañeros y todo lo que tenemos, pero ensayar es un coñazo - declara Edu. Si hubiera un microchip que se te metiera en la piel y te entrara el texto, las coreografías, el tono de voz y todo, yo me lo ponía. Cuando tienes una respuesta del público se hace más agradable. Cuando ensayábamos en el Teatro Nuevo Alcalá, donde Priscilla, harto de pasar texto, Jaime me dijo:"Súbete al escenario a ver si se te pega algo" "Pero no hay público, Jaime. No quiero hacerlo". "Bueno, pues hazlo aunque sea para mí".  "Lo hago, pero no me apetece, porque estoy hablando constantemente con el público".
• Fue tu mejor ensayo- apostilla Jaime.
• Cuando hice mi primera representación con público, fue cuando hice el ensayo de verdad, porque hasta ahora era solo imaginarlo. Necesitaba esa respuesta, que durante los ensayos no la he tenido. Es un personaje muy difícil. A pesar de que no tuviese es "handicap" ensayares un coñazo. Después aquí arriba todo parece muy bonito, pero es un sacrificio brutal, y un musical más aún.
• Todo lo que pasa detrás es una locura. Hay otro musical detrás. Es verdad que en el último tramos de ensayos necesitamos al público. Me he dado cuenta lo importante que es el público y su aplauso para venirte arriba y crecer. - concluye Cristina.
• El director por muy bueno que sea tiene que levantar la ceja izquierda o derecha del actor, pero la ceja es del actor. Quien la levanta es él. El que sale aquí y da la cara es el que tiene todo el mérito - añade Jaime. El director es simplemente una ayuda. Debe comprender al actor, amarlo, no esconderlo. Sacarle todo lo que él piensa que lleva dentro. 

PEPA LUCAS / ENRIQUE R. DEL PORTAL	MARTA RIBERA / VÍCTOR DIAZ
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ME OLVIDO DE LOS REFERENTES

Puesto que detrás están muchos intérpretes, Edu reconoce que no deja de ser una responsabilidad el cantar canciones tan conocidas y bien interpretadas, pero

• me meto tanto en la historia que olvido los referentes. No he tenido demasiado presente ninguna de las versiones anteriores, aunque en algún momento pueda haber algún flash. Seguro que nos compararán. Si nos parecemos es porque es la misma canción y el mismo tono. si no te pareces estás haciendo un "cagarro". Te tienes que parecer porque estás contando lo mismo y con el mismo personaje. No me pongo esa comparación. Sería como tener una novia y compararla con la anterior. Te mandaría a tomar por saco en dos días. Hay que hacer borrón y cuenta nueva, y yo lo he hecho.    

LA SALLY ES LA QUE VIVE EN MÍ

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Cristina también coincide en que no se ha fijado en otras Sallys.

• En todo caso mi referencia sería Liza Minelli, pues está en el imaginario de todos. La propia actriz se comió al personaje. Con todo la veo, está el libro que dejó Dani, pero en el escenario está la Sally que vive en mí. La que me sale. Todos los personajes están dentro de mí y esos los tengo que dejar salir. me ayuda todo lo que ponen a mi servicio. Todavía está por descubrir a Sally. Hay una Sally que está saliendo ahora y que estoy segura que dentro de un mes saldrá otra. Me gusta mucho el personaje.

Jaime Azpilicueta insiste en que ese ha sido el punto de partida. No comparar. Recuerda que nunca hay dos Sally Bolles idénticas.

• Ahí está  la aportación del actor. Marta Rivera, que interpretó a Sally en otra versión, es un lujo para nosotros tenerla aquí. Hace una señora Schneider absolutamente insólita completamente nueva, como era su Sally Bolles que nada tiene que ver con la de Cristina. Cristina, Edu y Daniel hacen otros personajes con la colaboración de ellos mismos, porque así tiene que ser.

Juanjo Rivero uno de los productores ejecutivos, subraya la difícil elección del reparto, puesto que, en su opinión,

• el nivel artístico de este país es impresionante. Cada producción que realizamos nos sorprendemos más y más de este nivel y de cómo evoluciona. Ha sido una elección muy reñida y, al final, hemos tenido al mejor equipo creativo. Estamos orgullosos del elenco y de que ellos quieran trabajar en esta producción. Entre coreógrafos, director artístico, música etc., tenemos un total de 88 galardones, por lo cual la excelencia del equipo no es algo solamente subjetivo. Hasta la fecha no ha habido un equipo tan creativo y tan galardonado.

COREOGRAFÍAS ORIGINALES

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La coreografía pertenece a Federico Barrios, quien ha creado unas coreografías totalmente originales. En opinión de Juan Rivero, uno de los productores ejecutivos

• son coreografías muy vivas y muy vitales, al servicio de la historia de los personajes. Se combinan diversos estilos y movimientos par esta nueva versión. Para ellas se han buscado bailarines que tuvieran una gran técnica y muchísima experiencia en comedia musical.

Raúl Patiño se encarga de la dirección musical quien ha reproducido toda la partitura original y  la ha arreglado para las transiciones y cambios que Jaime Azpilicueta ha marcado. Quedará como director residente durante toda la temporada.

19 ESCENAS PARA LA ESCENOGRAFÍA

Ricardo Sánchez Cuerda ha diseñado la escenografía, que Juanjo califica de que ha sido un trabajo

• complicado, lo mismo que la iluminación. Ha habido que crear dos mundos diferentes como es el Berlín de los años treinta y la ilusión del Kit Kat Klub. hay un total de 19 escenas. Ha habido que hace una reforma integral en toda la infraestructura. Se ha restaurado todo el proscenio, la parte técnica, escotillones, elevadores y está aprovechado al máximo el escenario hasta llegar a las propias paredes.

VESTUARIO MUY AMBICIOSO Y ARRIESGADO

Una de las grandes diferencias con respecto a otras puesta en escena es en el vestuario.

• Antonio Belart, cuando nos hizo la propuesta, a nosotros mismos, nos dejó boauiabiertos. Nos encantó. Es un vestuario muy ambicioso y arriesgado a la vez, pero sobre todo muy optimista Rezuma muchísimo color y está basado en el Berlín de los años treinta, con un punto de contemporaneidad. Todos los tejidos se han adquirido en los mejores telares de París y Londres. Se ha elegido tejido por tejido, según las muestras de cada vestuario y no hay nada que se haya comprado hecho. Absolutamente cada uno se ha confeccionado a mano. 

TÉCNICA CLÁSICAS Y MODERNAS
PARA LA ILUMINACIÓN

CRISTNA CASTAÑO FOTO: www.madridteatro.net

La iluminación es de Juanjo Llorens ha combinado técnicas más modernas con  otra más clásica, con lámparas de descarga, leds..

• Se ha combinado todos. Normalmente se utilizan uno  u otro sistema, pero jamás se habían combinado. Ello permite separar los dos mundos de la historia y que entre mucho por los ojos. A través de los cambios de temperatura de color, el espectador puede llegar a vivir la historia. Hay más de 450 efectos de luces. Aparte de las más de 2.000 bombillas que enmarcan el escenario,  hay 500 focos.  En un espectáculo normal hay unos 250 focos, no más.

SONIDO NATURAL SIN GRAN AMPLIFICACIÓN

El sonido pertenece a Gaston Briski, que lleva más de 25 años en producciones musicales a nivel internacional.

• Ha creado un diseño muy transparente y muy natural ,sin que sea una gran amplificación. En total 163 altavoces repartidos por toda la sala para que el nivel sea suave y sea contundente a la vez.

DOBLE CARACTERIZACIÓN

Antonio Belart y Laura Rodríguez se han encargado de la caracterización y maquillaje,  es de tipo muy berlinés de la época.

• Se destaca mucho a los artistas del Kit Kat Klub, y es muy realista en todas las escenas fuera del club, que son un poco más decadentes.

Esta prolija enumeración de todos aquellos que están detrás del escenario la valora especialmente Jaime Azpilicueta porque

• sin ellos no se puede hacer nada. Tengo que decir que si esto no sale bien, yo soy un canalla. He tenido todos los mejores elementos para jugar esta partida. He podido contar con Antonio Belart, que lo tenía secuestrado Mario Gas, par el vestuario por la importancia de esta producción. He repetido con todos y después de trabajar juntos tantos años somos amigos, y esto es importante para el resultado final. 

FOTO: www.madridteatro.net

SOM: UNA GRAN PRODUCTORA TEATRAL

• Desde el 2011 no se estrenaba en este Teatro Rialto- señala Marcos Cámara - un espectáculo musical de Gran Formato. Después de esos cuatro años hemos podido poner en marcha este musical de Cabaret de gran envergadura. SOM es una gran productora que se ha hecho con tres teatros en Madrid, cuatro salas. Tenemos un triángulo fantástico a través del Teatro Nuevo Alcalá, en va ya con la segunda temporada de Priscilla, tras la primera temporada de gran éxito; estamos inaugurando recientemente el Teatro Calderón, tras un año de cierre y con una remodelación muy importante a nivel económico que hemos compartido con los propietarios del recinto, los cuales son propietarios de este maravilloso edifico, donde está el Teatro Rialto, el cual hemos vuelto a poner en marcha para estrenos de grandes producciones musicales. También contamos con otras obras en otros espacios.  A su vez seguimos con la distribución de espectáculos a nivel nacional. En Barcelona tenemos las entradas agotadas para  Cuarto Milenio en colaboración con los amigos de Mediaset. Participamos con pequeñas producciones como Buena Gente, actualmente en el Teatro Arriaga de Bilbao  o El Zoo de cristal en gura con más de 200 bolos. Quiere decir que la productora en estos 4 años ha dado mucho de sí y esperamos poder seguir ofreciendo a Madrid espectáculos como éste que ponemos en marcha. Este fin de semana estamos sacando al mercado 21 funciones en tres días. 

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(1)
1935: Christopher Isherwood publica “Mr. Norris Change Trains”, una novela corta acerca de agentes dobles, seguida por otras cuatro, incluyendo “Sally Bowles”, en 1939. Esperando escribir una novela “al estilo de Balzac”. Isherwood describe la gente que conoció en Berlín durante el apogeo nazi. Sus historias fueron publicadas en Estados Unidos como “Historias de Berlín”.

1952: “I am a camara”, la obra teatral de John van Druten basada en “Sally Bowles” de Isherwood, se estrena en Broadway con Julie Harris como Sally.  Isherwood conoció a Harris durante los ensayos y escribió, “ella es en esencia la verdadera Sally, mucho más que la de mi libro, y mucho más que la chica en la que me inspiré para escribirlo”.

1955: “I am a camara”, la película inglesa, es adaptada para teatro y es protagonizada por Julie Harris. Laurence Harvey es Cliff y Shelley Winters como la chica judía que se encuentra con el anti-semitismo.

1966: Cabaret, el musical dirigido por Harold Prince con música de John Kander, letras de Fred Ebb y libro de Joe Masteroff se estrena el 20 de noviembre, permaneciendo 3 años en cartel. El elenco original estaba compuesto por Joel Grey como el Maestro de Ceremonias, Bert Convy como Cliff y Jill Haworth como Sally Bowles.

1972: Cabaret, la versión fílmica del musical, dirigida por Bob Fosse y protagonizada por Liza Minnelli como una Sally Bowles americana. Joel Grey como el Maestro de Ceremonias y Michael York como Cliff. Kander y Ebb escribieron nuevas canciones para la película, incluyendo “Mein Herr”, “Money, Money” y “May be this time”.

1987: Cabaret se repone en los escenarios de Broadway, nuevamente dirigida por Harold Prince. Joel Grey fue aclamado por el público y será siempre recordado por este trabajo.

1993: Cabaret es puesta en escena nuevamente por el director inglés Sam Mendes en el Donmar Warehouse de Londres protagonizada por Alan Cumming y Jane Horrocks. El musical tuvo excelentes críticas, con localidades agotadas cada noche.

1998: Cabaret es presentada en Broadway por la compañía del Teatro Roundabout en un verdadero night club, después de convertir el Teatro Henry Miller en el “Kit Kat Klub”. Co-dirigido y coreografiado por Rob Marshall, es protagonizado por Alan Cumming, Natasha Richardson y Ron Rifkin. Se estrena el 19 de marzo. A partir de noviembre del mismo año se traslada a Studio 54. Por su elenco han pasadoestrellas como Brooke Shields, Deborah Gibbson, Jon Secada, Gina Gershon, Neil Patrick Harris o Lea Thompson. Ésta producción se estrenó en 2003 en España, donde fue vista por 1.500.000 espectadores.

2014: En abril de 2014 Cabaret regresa al Studio 54 versionado por Sam Mendes y Rob Marshall. En principio, la temporada duraría únicamente 24 semanas pero tras la gran acogida del público decidieron prolongar las funciones hasta marzo de 2015, estando casi un año en cartel. Esta producción fue nominada a dos Tony Award.

2015: El 1 de octubre de 2015 se estrena en el Teatro Rialto de Madrid en versión de Jaime Azpilicueta.

Más información    Cabaret. El musical de Broadway    Cabaret. Azpilicueta. Crítica     José Ramón Díaz Sande Copyright©diazsande