Esta es la quinta producción que Goebels trae a Madrid:

• Me siento muy orgullosos de estar en este Festival de Otoño y siento el no haber podido estar en la presentación de Stiffers Dinge. Lo siento, porque  me encanta el espacio del Matadero. Es un espacio que se ajusta muy bien a la obra. Les pido que me hagan preguntas sobre lo Stiffers Dinge.

• …el teatro es algo muy centrado. Es expresivo y dirigido hacia fuera, especialmente el teatro musical. Hace 4 años, con motivo de Eraritjaritjaka, hice que en un momento el actor desapareciera. Es placentero y un respiro para el propio actor. Yo voy descubriendo progresivamente cuando creo que es necesario descubrir algo y que viene dado por sí mismo o hay una motivación para ello. Con Stifters Dinge intenté hacer algo sin nadie sobre el escenario. No quiere decir que no ocurra nada, puesto que en el escenario están los medios acústicos y visuales, que son los elementos con los cuales juega todo teatro. Mi intención con Stifters Dinge es invitar al público a encararse con lo desconocido.

• Siempre he trabajado con excelentes intérpretes: André Wilms, Joseph Bierbichler, las actrices de Hashirigaki, o los músicos del Ensemble Modern. Ahora quería rendir un homenaje particular a los otros elementos que hacen del teatro lo que hoy es, sacar la alfombra roja para todas esas maquinarias e instrumentos fantásticos que habitualmente sólo tienen una función práctica y que al final son responsables de la luz, del sonido, de las imágenes… y preguntarme si esto inspira nuestra imaginación. Es mi forma de presentar mi respeto a los objetos. Otra cosa es si ha funcionado bien para el público que es soberano y que es el que lleva las riendas de los espectáculos.

I WENT TO THE HOUSE…
FOTO: KLAUS GRÜNBERG

• Al revés de la ópera – aclara Goebbels – los del conjunto Hilliard Ensemble, especialistas en música de la Edad Media y Renacentista, en estos últimos 30 años han actuado en iglesias y no sobre escenarios. Con este proyecto se han sentido con mucha curiosidad, muy animados y motivados. A pesar de estar en el escenario su actuación es muy diferente a la del cantante de ópera. No están acostumbrados a expresar una gestualidad fuerte con voz dramática. Ofrecen algo diferente, que un cantante de ópera no podría hacer. La presencia escénica  es muy discreta y alejada de la pompa tan característica del estilo operístico.

• Las cuatro voces hacen una quinta voz que resuena más que las 4 individuales. Es, pues, una voz colectiva, pero que va más allá de la existencia de las propias voces.

El punto de partida de este espectáculo surgió del propio grupo vocal.

• Hace dos años vinieron a verme para proponerme una obra de teatro. Hasta esa fecha yo había rechazado varios encargos de óperas. Sin embargo esta propuesta la acepté con gran agrado. Empecé a buscar textos que encajaran con esta presencia tan especial. Surgieron estos 4 textos del siglo XX de formas estéticas muy distintas, pero que todos tienen en común el definir al sujeto, el YO.

I WENT TO THE HOUSE…
FOTO: KLAUS GRÜNBERG

• El primer poema de Eliot, a pesar del título, nada tiene que ver con un poema de amor convencional. Es una canción de amor fracasado. Tal fracaso es el vínculo de esta historia y las otras 2. Son historias que se tratan de contar, pero que se fracasa en su intento. El último texto, el de Samuel Beckett, habla también del fracaso, pero para Beckett fracasar es lo mejor. Puede decirse que se trata de tres actos individuales con el vínculo de este “fracaso”.

El misterio de que los 3 textos se conviertan en 4 es porque  Kafka también está presente, aunque entre cajas, puesto que se encuentra diluido en el texto de Maurice Blanchot y, también, se asoma un poco:

• La relación con Kafka está en cuanto decepciona las expectativas del espectador. Maurice Blanchot fue un personaje muy influyente como filósofo y entre los franceses, pero sobre todo porque fue el que introdujo a Kafka. Además La locura del día de Blanchot está inspirado en Kafka, por eso al lado del texto de Blanchot he puesto un textito de Kafka.

FOTO: KLAUS GRÜNBERG

• …algo utópico y no tanto un fracaso. Se trata del aspecto de comunión o comunidad que ofrece el conjunto Hilliard Ensemble. Una comunidad en la que no se trata de que alguno prevalezca, sino que todos se mantienen juntos buscando un sonido común, esa quinta voz de la que he hablado. De todas mis obras es la más tranquila. No hay muchos sonidos, salvo las voces, cuando las hay. Es una obra que se puede definir con el calificativo de frágil.

FOTO: KLAUS GRÜNBERG

• Sí, y soy muy respetuoso con los textos. He tratado de de evitar lo que hacen la mayoría de los compositores: tomar el texto e incluirlo en su estructura musical. He respetado la música del propio texto al ponerle la música. Realmente creo que el teatro musical es capaz de describir con más fuerza que el teatro textual. Con esto he jugado en los textos anteriores. Ahora me he acercado a lo literario, y aunque ya era una literatura brillante, he intentado arroparla. He intentado preservar la calidad de la lectura en el teatro. Cuando uno lee en privado, su imaginación acústica y visual es muy rica, pero en cuanto eso se escenifica todas esas opciones quedan reducidas al director o a la interpretación del actor. Esta forma de presentar un texto teatralmente nos priva de lo que puede aportar nuestra imaginación. Yo intento mostrar un teatro que no cierre esas opciones imaginativas, sino que queden abiertas.

• Yo nunca comienzo por escribir la música. Por lo general cuando se aborda una obra de teatro se crea una jerarquía con los elementos que se utilizan. Es frecuente que, por ejemplo, los trajes o las luces se añadan tres días antes del estreno, exagerando un poco. En ese caso sólo juegan un papel ilustrativo. Mi modo de trabajar no ha sido así. Yo quería desarrollar todos los elementos desde un principio y me mantengo abierto a todas las opciones desde el principio y también con respecto a la música que en ese año y medio de trabajo ha sufrido cambios y también descartes.

• El que tienen una mentalidad abierta. A pesar de ser especialistas en música medieval y renacentista, han abordado también música contemporánea. Llevan 30 años ofreciendo conciertos y actuando, preferentemente en Iglesias y ahora han querido hacer algo diferente, emprender un camino nuevo. Con obras anteriores como Eraritjaritjaka o Schwarz auf Weiß (Blanco sobre negro) – se presentó en el Festival de Otoño de 2007 - siempre trabajo con los artistas como “performance”. Creo que nunca he ido tan lejos como con los de Hilliard Ensemble. Ellos siempre trabajan con períodos muy largos, así que hace 2 años empecé con los primeros ensayos. Volvimos a juntarnos 1 año después, luego 6 meses más y en todo ese tiempo he ido viendo las diversas opciones y posibilidades. El resultado obtenido ha ido más allá de lo que pudimos imaginarnos.

• Esta obra no va de enterarse – apostilla Goebbels -, pues no se trata de “comprender”, sino de aceptar las cosas que no se comprenden y el modo de aceptarlas. En el teatro se utiliza mucho la palabra “comprensión”, como reducción de lo que ya conocemos, pero eso es la muerte del arte.

El espectáculo se estrenó en el Festival Internacional de Edimburgo en el 2008 (Reino Unido) y ese arranque continuaría su periplo por Alemania, España, Italia y Francia. La crítica especializada ha sido favorable en Edimburgo y en Estrasburgo. Otra cuestión es el público medio.

FOTO: KLAUS GRÜNBERG