Estaciones de Isadora. Entrevista Imprimir
Escrito por José R. Díaz Sande   
Domingo, 30 de Octubre de 2016 12:21

ESTACIONES DE ISADORA
HOMENAJE A LA VALENTÍA

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 BEATRIZ ARGÜELLO
FOTO: www.madridteatro.net

A Isadora Duncan (1877 - 1927) la conoció el gran público gracias a la película interpretada por Vanesa Redgrave y dirigida por Karel Reisz en 1968. Han pasado unos cuantos añitos. El público especializado en el mundo de la danza la conoce de sobras. Ahora vuelve su figura encarnada por Beatriz Argüello en Estaciones de Isadora, a través de un monólogo teatral en que se fusionan teatro y danza, como una expresión completa. El texto es de Hugo Pérez de la Pica, que también codirige el texto con Beatriz. Los dos han creado también el espacio escénico.

ESTE MONTAJE SURGIÓ EN MI CABEZA
HACE MUCHOS AÑOS

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  BEATRIZ ARGÜELLO
FOTO: www.madridteatro.net

Beatriz agradece de modo especial al Teatro Español el que les haya permitido ensayar durante un mes, y tener una semana para ubicarse en el espacio escénico concreto. Algo crucial ya que es un estreno absoluto.

  • Este montaje surgió en mi cabeza hace muchos años - relata Beatriz -, cuando leí la autobiografía de Isadora Duncan. Sentí la necesidad de hacer algo con ese legado. También leí sus escritos sobre la danza, que me parecieron, aún, más interesantes. Con el paso del tiempo se ha ido conformando un equipo. El texto que escribió Hugo de la Pica es un texto poético, y es la clave para llevar a cabo lo que queríamos contar, que pretendía ir más allá de una autobiografía, la cual ya está en el libro. Se trataba de elevarla un poco más al ámbito poético.

Para conseguir ese halo etéreo, Beatriz recurrió a la danza, la poesía y la música como medios de expresión porque

  • conforman ese universo de una mujer que fue una auténtica revolucionara en muchos sentidos y, en concreto, abrió un nuevo camino a la danza, aunque no sólo ella, por supuesto. En este caso a Isadora la mostramos como la gran revolucionaria del Arte, y siempre cruzando fronteras, lo cual muestra la valentía, la denuncia y el fracaso, del cual surgen las ideas nuevas.

Para llevar a cabo esta empresa, Beatriz se ha rodeado de un grupo de profesionales que la han abordado desde

  • su sensibilidad personal y su entrega que agradezco muchísimo, porque es una apuesta por hacer teatro con lenguajes nuevos y no con una dramaturgia estructurada. Es un riesgo, y necesitaba artistas que comprendiesen ese riesgo, y estuviesen en estado de alerta y valentía para afrontar este trabajo.

Beatriz Argüello es una actriz con experiencia en más de una veintena de montajes de diversas compañías, con directores como Juan Carlos Pérez de la Fuente, José Pascual, José Luis Gómez, Eduardo Vasco, Gerardo Vera, Carlos Marchena y Götz Loepelmann, entre otros. Estudió interpretación en la Escuela de Arte Dramático de Ángel Gutiérrez y con José Luis Gómez en el Teatro de La Abadía, formando parte de la primera promoción de actores de esta institución. Se ha formado en danza clásica y contemporánea en el Real Conservatorio del Escorial. Ha participado en diversos seminarios.  Ha sido bailarina en la compañía profesional de danza Alabama Dance Theatre en Estados Unidos. Sus últimos trabajos en teatro han sido Numancia (CLIKEAR), de Cervantes, dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente en las Naves del Español, La Dogaresa (CLIKEAR), dirigida por Antonio López Monís, Don Juan Tenorio (CLIKEAR), de Zorrilla, dirigida por Blanca Portillo, Como gustéis (CLIKEAR) de Shakespeare (CDN), dirigida por Marco Carniti, Kafka enamorado (CLIKEAR) de Luis Araújo. También ha participado en el largometraje Báilame el agua, dirigido por Josetxo San Mateo, y en los cortometrajes Copenhague —de Luis Fernández—, ¿Quién es Florinda Bolkan? —de Rubén Torrejón— y Filis a Demofoonte —de Diego Herranz. Ha intervenido en diversos telefilmes y series televisivas.  

HUGO DE LA PICA
UN CREADOR CON LA SENSIBILIDAD
DE LO QUE QUIERE CONTAR

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BEATRIZ ARGÜELLO
FOTO: www.madridteatro.net
 
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BEATRIZ ARGÜELLO
FOTO: www.madridteatro.net
 

Hugo de la Pica ha escrito un texto muy personal inspirado en Isadora y que Beatriz califica de

  • inspirado por las musas. Tiene una capacidad impresionante para escribir. De hecho, hace dos días ha traído dos textos maravillosos y los hemos metido. Es un creador que tiene una facilidad enorme con la sensibilidad de lo que quiere contar. Lo ha llamado Estaciones y tienen un paralelismo con las Estaciones de Cristo, las caídas. aunque no quiere decir que se  vean esas caídas. Ha sido un punto de partida como juego dramatúrgico para escribir. Vemos textos que evocan la pérdida de sus hijos; textos que evocan su resistencia porque a pesar de todo resiste y sigue luchando por su misión de vida que ella tenía; textos donde se evoca el amor griego. Sí que es verdad que hay un fondo de dolor bastante latente, que siempre le acompañó en su tragedia personal. Esos niños siempre están de alguna manera. Hay un texto maravilloso: "No puedo olvidaros", que se repite continuamente, pero al final no sabes si se dirige a sus hijos, al público, porque acabo diciéndoselo a las personas. Son distintas pinceladas de su tránsito por la vida; homenajes al mundo griego, a la danza, a la belleza, a la renuncia. El texto refleja muy bien ese legado que está muy presente en ella. Está muy claro lo que ella dejó aquí.

Hugo de la Pica es codirector del Teatro Tribueñe y Cía Tribueñe. Comienza su andadura como creador y cantante en 1996, subiéndose a los escenarios de los Cafés Concierto. Multifacético y creador incesante como poeta, director, escenógrafo, figurinista, artista plástico y dramaturgo. Estudia Filología Hispánica en la Universidad Complutense de Madrid y cursa estudios de fotografía y cine. Su profundo interés por las raíces del folclore hispano le lleva a recorrer toda la geografía buscando fuentes y matices de viejas tradiciones: canciones populares españolas, rescata viejas músicas archivadas, analiza movimientos de danza casi olvidados y diseña trajes recuperando simbologías relacionadas con ritos y tradiciones, estableciendo un lenguaje sorprendente en su obra. Un lugar donde defender y promover la idea del arte en todas sus facetas y dimensiones, le lleva a crear junto con Irina Kouberskaya un nuevo espacio teatral en Madrid: Teatro Tribueñe, que levanta su telón por primera vez en 2003. Desarrollará una prolífica carrera como codiretor del Tribueñe y como colaborador con otras compañías.

DANIEL ABREU EN EL ARRANQUE
DE LA COREOGRAFÍA

En la coreografía ha colaborado Daniel Abreu, Premio Nacional de Danza. En las coreografías de este montaje hay poco legado de ella porque no hay imágenes. Se conserva sólo una imagen de ella bailando, pero es como un torbellino y saludando.

  • Lo que sí se baila la llamada Coreografía de la Revolución con música de Skriabin- precisa Beatriz -, que sí es de ella, y se baila hoy en día, pero hay poco material. Nos hemos inspirado en sus teorías, sus imágenes y, sobre todo, en esa sensación que ella estuvo bailando toda su vida su propia muerte. Esa cosa quebrada, con el cuello ladeado. Hay muchas imágenes fotográficas de esto. A partir de ahí hemos compuestos los movimientos con eso brazos que nunca están quietos, lo ondulante, la continuidad del movimiento, la liberación de las zapatillas al bailar descalza. A partir de ahí empezó Daniel Abreu en el proyecto. Estuvimos un mes trabajando. Luego tuvo compromisos de trabajo. No pudo continuar y me recomendó a Helena Berrozpe, maravillosa, una de sus bailarinas y coreógrafa que fue la que tomó el testigo.    

HELENA  BERROZPE,
LA NATURALEZA, EL MAR, 
Y AS VASIJAS GRIEGAS
HECHAS COREOGRAFÍAS

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   HELENA BERROZPE
FOTO: www.madridteatro.net

Helena Berrozpe confiesa que a nivel coreográfico

  • lo he gozado, porque de la mano del texto de Hugo y de Beatriz me ha sido fácil y gozoso el entrar en ese universo de la poesía que te va inspirando para poder dar un hueco a la danza. A través de los textos de Isadora, el legado de los escritos de su danza, sus fuentes de inspiración como son la naturaleza, el mar, esas vasijas griegas se ha ido formando toda la coreografía y con la colaboración de Beatriz que tiene una formación clásica de danza maravillosa. Ha sido algo revelador y muy gratificante.

Helena Berrozpe, en 1991, fue finalista en el Certamen Coreográfico de Madrid, con la obra: Esto queda? (Dirección: Enrique Cabrera). A partir de entonces posee un amplio curriculum con diversas compañías de danza y bailando en espacios no convencionales como fue Festival de calle de Getafe con la obra Going to work (Dirección: Angela Rodríguez). Fue finalista en el II Certamen Coreográfico de Maspalomas. Su labor se ha desarrollado como bailarina y coreógrafa. Del 2008-2012, forma parte del proyecto Omos Uno bajo la dirección de Cristiane Boullosa. Música y danza improvisada. Su último trabajo es Tokio Dream para Madrid en Danza 2014

CREO QUE ES UN HOMENAJE A LA DANZA

Beatriz Argüello posee una formación de ballet clásico, que desarrolló durante su adolescencia. Después vino su formación en Arte dramático, con lo cual parece que no ha debido ser muy dificultoso unir la faceta de bailarina a la de actriz.

  • No fueron muchos años los de mi formación en el ballet clásico, pero sí marcó la disciplina de la danza y veo que me es un lenguaje muy reconocible, pero de todas formas ves que la danza es de un nivel muy exigente desde el punto de vista físico. Aunque a mí me gusta mucho trabajar lo físico en el teatro, pero todos los calentamientos, los abdominales aquí se exigen más y hay que estar muy en forma para sostenerlo y para que aparezca que nada cuesta. Que no se note el esfuerzo.

Esas facultades dormidas son, en parte, lo que le ha llevado a abordar el personaje.

  • Me he enfrentado a Isadora sabiéndome capaz de abordar el personaje, de lo contrario me hubiese quedado fuera y habría cogido a otra bailarina. Me veía capaz de hacerlo y con mucho trabajo, creo que lo he conseguido. Además, para mí, hablando de homenajes, creo que es un homenaje a la danza, dentro del relato, y que creo que se lo merece, porque la danza parece que está…,bueno la cultura en general, pero la vida de los  bailarines es un tipo de vida muy sacrificada, muy corta y no está donde debería estar. Entonces me gusta reivindicar hoy la figura de una bailarina, aquí en Madrid.   

ROSA GARCÍA ANDÚJAR,
LEÓN BASKT Y MARIANO FORTU
VISTEN LA VALENTÍA DE ISADORA

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ROSA GARCÍA ANDÚJAR
FOTO: www.madridteatro.net
 
londres bakst  
TRAJE DE LA MUERTE DEL CISNE  PARA ANA PAVLOVA
DISEÑO: LÉON BASKT
FOTO: ARCHIVO
 

Del vestuario se encarga Rosa García Andújar, entre cuyos diseños

  • hay un vestido que es un homenaje a Léon Baskt que diseñó el traja para La muerte del cisnes de la bailarina Ana Pavlova. Es un homenaje basado en las condiciones de este espectáculo, y por la evolución que sufrió ese propio traje, seguramente por la propia Ana Pavlova que lo fue adaptando según la evolución de la propia interpretación de La muerte del cisne. Se fue aligerando. Nuestro traje ha partido del de Léon Baskt que está en el maniquí, pasando por un video de Ana Pavlova. Vemos cómo es traje se ha ido aligerando, perdiendo volumen y finamente lo hemos adaptado a nuestro montaje, que necesita que se abra de un solo golpe. También es un homenaje a Mariano Fortu con un traje rojo y su famoso delfos. Es un homenaje a un hombre de teatro al que se le debe la invención del ciclorama y de muchos instrumentos técnicos que siguen funcionando en el teatro. Era pintor y tenía una colección inmensa de tejidos antiguos. También hay un traje que es un homenaje a 28 años de figurinismo mío en España, porque es una resistencia que hay que valorar. Son tres homenajes orquestados por este homenaje a Isadora Duncan, que finalmente es un homenaje a la valentía. Hay que ser valiente para crear, para resistir en el teatro, para expresarse y no claudicar a las condiciones en las que muchas veces tenemos que crear. Así pues, el vestuario rinde homenaje a la valentía y a todos estos hombres de teatro y a todas las artes plásticas que se han expresado con el teatro.    

Diseñadora de vestuario escénico desde 1989, es Licenciada en Arte Dramático (RESAD) Cuenta con varias becas de estudio del Ministerio de Cultura Academia de San Fernando (Historia del Vestuario Teatral, Roma). Colaborando con grandes profesionales, sus vestuarios para ópera, danza y teatro han participado en producciones del Teatro Español, Teatro Nacional de Cataluña, Teatro Real, Teatro de la Zarzuela, Ballet Nacional de España, Compañía Nacional de Teatro Clásico, Centro Dramático Nacional, Centro Andaluz de Teatro, Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas, Expo Sevilla 92, Expo Zaragoza 08, Staatstheater Darmstad... Su trabajo ha sido galardonado con varios premios, tanto de figurinismo, como de Dibujo o Dirección cinematográfica

MIKHAIL STUDYONOV,
MÚSICA PARA DOS MUNDOS:
EXTERIOR E INTERIOR

Un factor importante es la música que emana de un piano de cola en directo interpretada por Mikhail Studyonov, el cual agradece su participación en el espectáculo ya que

  • para mí fue un laboratorio la elección de la música, pues encontramos desde el principio había una música y coreografía ya pensada. Era en tones un trabajo muy interesante previo, porque adaptamos una música, creando directamente sobre el escenario al ensayar la coreografía. Me gustó mucho eso de entrar en el escenario y crear juntos, con Beatriz. Es una maravilla y un privilegio para mí. El espacio sonoro cuenta con dos compositores. Empezamos por Saint-Saëns con El carnaval de los animales (El cisne) y el resto es un homenaje dedicado a dos compositores : Frederik Chopin y Alejandro Skriabin (1833 - 1887), un compositor ruso de principios del siglo XX. De alguna manera ambos reflejan dos mundos de Isadora: Chopin el exterior, como revolucionario, y el interior que es muy íntimo y muy diferente y también revolucionario. Al final de la función ambos mundo se juntan. Una parte de Chopin para, y comienza la de Skriabin. Es un laboratorio interesante, porque explotamos el mundo clásico que no puedes cambiar ni una nota. No cambiamos, pero, a veces, cortamos, prolongamos. Hacemos experimentos, lo que seguramente a Isadora le gustaría ver y escuchar.    
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  MIKHAIL  STUDYONOV
FOTO: www.madridteatro.net
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  MIGUEL PÉREZ MUÑOZ
FOTO: www.madridteatro.net

El piano, a veces, alcanza un gran protagonismo a nivel de volumen y lucha con el volumen de la voz de Beatriz. Está pretendido

  • Hay una lucha con el piano. Es una idea de Hugo par significar que la lucha está dentro de ella y no le permite hablar. Posteriormente se repite el texto, con lo cual no se pierde.

Mikhail Studyonov(Ucrania) Comenzó sus estudios en el Conservatorio Mayboroda de Zaporozhye y continuándolos en Kiev. En 1999 se graduó con el Primer Premio de Honor en el Conservatorio Superior P.Tchaikovsky de Kiev, obteniendo además los títulos de Concertista de Piano, Profesor Superior de Piano, Profesor Superior de Acompañamiento y Profesor de Música de Cámara. Después continuó sus estudios en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. En 2001 obtuvo el diploma de Profesor Superior de Música de Cámara. En actualidad desarrolla actividad concertística en toda geografía española y extranjera. Como compositor y pianista colabora con el Teatro Real, Centro Dramático Nacional, Teatros de Canal, Teatro Fernán Gómez, Teatro Tribueñe. Desde 2001 trabaja como profesor de piano en el Centro Superior Enseñanza Musical KATARINA GURSKA. Varios alumnos suyos han sido ganadores en Concursos Internacionales de Ibiza, San Sebastián y Villa de Salou. Es uno de los fundadores y vicepresidente de asociación cultural Diferarte.

MIGUEL PÉREZ MUÑOZ,
ILUMINAR EL MAR
Y EVOCAR EL TEATRO DE CANDILEJAS

Las luces las ha creado Miguel Pérez Muñoz. Diplomado en la UAX (Universidad de Alfonso X el Sabio, Madrid) a la vez que compagina estudios musicales de la mano de José Manuel Montoya y Andrés Olaegui. Se forma como Técnico de iluminación y actor en el Teatro Tribueñe de Madrid. También ha trabajado como técnico y actor con la compañía La casa Incierta y Mirage Teatro. Entre otros teatros ha trabajado en Reina Victoria de Madrid, en el Teatro Español (salas principal y pequeña), Naves del Español-Matadero, Teatro Clásico de Almagro, Corral de Comedias de Alcalá, Teatro Arteria Paralelo de Barcelona, Teatro Principal de Palencia, Teatro Carlos V de San Lorenzo del Escorial, Teatro Principal de Zaragoza, Teatro Principal de Sevilla, Teatro Fernando Fernán Gómez de Madrid, y en el extranjero en el Teatro Fontanka de San Petersburgo (Rusia), en el Teatro Chejov de Yalta (Ucrania) o el Teatro Les Atelliers de Lion (Francia), Teatro L´Atalante de París (Francia) como principales referencias.

  • Con la iluminación he intentado dos espacios diferentes: uno la austeridad y el drama de Isadora en su vida, por otro lado la poética de su danza y la poética de de la poesía de Hugo que es ensalzar esa dualidad. También está relacionado con la escenografía, en cuanto que estén todos los proyectores a la vista, las calles (los bastidores laterales, que no hay y se ven los proyectores), y, por otro lado, el suelo espejado. Todos estos elementos condicionan la iluminación y la búsqueda de esa dualidad.

El suelo plateado proyecta con la incidencia de la luz un reflejo de luces de candilejas como en los antiguos teatros. No es casual.

  • De alguna manera pretenden evocar el mundo del teatro. el antiguo mundo de candilejas. A su vez es una luz muy poética, así como es una especia de mar espejado 
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MIKHAIL STUDYONOV / BEATRIZ ARGÜELLO
FOTO: www.madridteatro.net

LO QUE TENÍAMOS CLARO ERA EL SUELO
POR ESTA SENSACIÓN DE AGUA.

El espacio escénico lo firman Hugo de la Pica y Beatriz Argüello, a partir de una idea de un espacio bastante vacío.

  • Como todo, la escenografía ha ido surgiendo en los ensayos. Ha sido un proceso muy creativo. No había nada impuesto con anterioridad. Es maravilloso poder trabajar así, aunque suponga un riesgo. Había una idea y en los ensayos se ha ido dando el espacio. Lo que teníamos claro era el suelo por esta sensación de agua. Siempre vimos agua. Luego surgió un armario que, al abrirse, es como un pequeño escenario iluminado. Es como una puerta de entrada y salida. El agua que, al principio, era más aparatosa, una especie de piscina, al final se ha reducido a un elemento del armario como un cajón. el suelo es el que nos ha ido inspirando como base. Luego la maravilla de tener el piano de media cola, en vez de tener uno de pared. Eso era importante. Le da una belleza estética.

 

Más información
    Estaciones de Isadora. Argüello

José Ramón Díaz Sande
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Última actualización el Domingo, 30 de Octubre de 2016 21:11