El Público. Lorca. Rigola. Entrevista Imprimir
Escrito por José R. Díaz Sande   
Miércoles, 28 de Octubre de 2015 13:13

EL PÚBLICO
NUEVA DIVINA COMEDIA

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FOTO: ROS RIBAS 

En 1986, el Festival de Otoño de Madrid invitaba al THÉÂTRE-DANSE DU GRAN THÉÂTRE DE GENÈVE, para presentar  El Público deFedrico García Lorcaen una versión de Teatro-Danza, dirigida porOscar Araiz. Era la primera vez que lo representaba una compañía tradicional, aunque eliminando el texto.

En 1986, en Milán,Lluis Pasqual estrenaba la versión textual que llegaría a Madrid en 1987. Fue todo un acontecimiento.

En Marzo de 2015 se estrenaba en el Teatro Real El público, como ópera, con música de Mauricio Sotelo. Era la herencia de Gerard Mortier como director artístico del Teatro Real, quien pensaba que este texto "pedía a gritos" la versión operística.

SI ME OCURRIERA ALGO LO DESTRUYES TODO

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  MANUSCRITO EL PÚBLICO

El público(1933-1936), fechado para algunos el 22 de agosto de 1930 en su primer boceto, es un drama en cinco actos de corte surrealista y con una anécdota: el amor homosexual. Pero cuando uno se acerca al texto, ve que puede ser eso y mucho mas.

Rafael Martínez Nadalfue, en julio de 1936, el depositario de un paquete de manuscritos lorquianos, seguido de una advertencia del propioLorca: "Si me ocurriera algo lo destruyes todo; si no, ya me lo devolverás cuando nos veamos." En ese paquete estaba el primer borrador, y nunca se lo pudo devolver. El texto pertenece  a lo que se calificó de Teatro Imposible, cuyos títulos son Comedia sin título y El Público. Hay estudiosos que piensan que ambos títulos son una sola obra.

Vuelve de nuevo con dirección de Álex Rigola y en una producción del Teatro de La Abadía y el Teatre Nacional de Catalunya.

José Luis Gómez, director artístico del Teatro de La Abadía, recuerda el estreno de Lluis Pasqual de 1986/87 que califica de "ikónico".

  • Después se han hecho otras versiones pero aquella pervive en la memoria con un brillo y un fulgor muy especial. La obra está hecho con los mimbres más íntimos de su propia persona y los mimbres de la propia tradición literaria española.

EL PÚBLICO: NUEVA DIVINA COMEDIA

Por parte de Xavier Albertí, director del Teatre Nacional de Catalunya, abordar este texto

  • es un reto perseguido durante tiempo. Cuando hablé con José Luis el modo de coproducirlo, el  "sí" fue inmediato y rotundo cuando entre los nombres para dirigirlo se puedo el Álex Rigola, que  adora a García Lorca. Dos de sus textos se estrenaron en Barcelona: Mariana Pineda y Doña Rosita la Soltera, y ahí comenzó la combinación extraordinaria del teatro español que fue Margarita Xirgu y García Lorca. Hay obras que van con un Manifiesto bajo el brazo, el público es una obra con un Manifiesto abiertamente. Un día hablando con Lluis Pasqual me dio: "De las obras que hay en la literatura dramática, hay algunas que podíamos ponerle el epíteto de Nuevas Divinas Comedias. El Público es una de esas. Tiene muchos elementos para poder ser un viaje telúrico hacia las zonas donde sólo las Artes lo pueden hacer.
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ÁLEX RIGOLA
FOTO: PRODUCORA
 

Álex Rigola alaba la valiente disposición de estos Teatros Públicos para un texto como éste, que, a primera vista, no es fácil para el público.

  • Cuando la gente lo ve por primera vez, se dice :"No entiendo el viaje". Eso se soluciona al entrar en el montaje. Quiero resaltar la valentía de La Abadía, porque llevaba tiempo sin hacer un producción con 14 artistas. Para mí ha sido un sueño, y también el querer trasladar al público a un sueño.

VIAJAR A LA CABEZA DE LORCA

Álex resalta que la idea es que el espectador

  • viaje a la cabeza de Lorca, entre en su cabeza y se deje llevar por este viaje, a través de lo que puede suceder en su cabeza, en un momento realmente muy personal para él. Cuando escribe esta pieza viene de estrenar en el Teatro Goya de Barcelona Mariana Pineda, con la que ha tenido un éxito fantástico de público, pero ha tenido un rechazo de sus amigos más íntimos, que le dicen que puede hacer un teatro que vaya más allá. Un poco antes hay una carta tremenda de Dalí hablando de su poesía, en la que le dice que puede pasar de la tradición e ir mucho más allá. De hecho Buñuel y Dalí están muy influenciados por el surrealismo francés, que ya han vivido todos ellos en la Residencia de Estudiantes.      

EL PÚBLICO, TRAS DOS FRACASOS AMOROSOS

El otro contexto en el que Lorca concibe su obra es a nivel personal. Viene de dos fracasos amorosos.

  • Una más confirmada que es la de Emilio Aladrén, entre 1927 y 1928, que lo deja para casarse con una mujer, y después hay esta supuesta relación, que no sabemos si fue sexual, pero seguro que fue amorosa a juzgar por unas cartas que desprenden un amor realmente increíble. Dalí acaba, de alguna forma, separándose de él, entre otras razones, por la aparición de Gala.  En esta situación de depresión personal, Fernández de los Ríos, invita a su padre a que le haga viajar, para que cambie un poco de aires. Se va a Nueva York y Fernández de los Ríos le acompaña un tiempo en este viaje. Entre Nueva York y luego Cuba, es el momento de fecundidad de El Público. Al regresar la leerá a unos cuantos amigos y tendrá un cierto rechazo de la pieza.  La guardará en un cajón y piensa "para dentro de unos años. Ahora el público no está preparado, pro dentro de 15 ó 20 años, seguro que será un éxito." Consta en algunos textos estas declaraciones. A eso nos enfrentamos.

30 AÑOS DESPUÉS

ESTÁ BIEN ASUMIR ESE RETO

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  EMILIO ALADRÉN / FEDERICO GARCÍA LORCA
FOTO: ARCHIVO

Álex recuerda la profunda huella que el montaje de Lluis Pasqual dejó en el teatro español.  A pesar  de ello piensa que

  • 30 años después está bien asumir ese reto, teniendo constancia de lo que se hizo , pero renovando la pieza para el público actual. Lo que nos propone Lorca en este viaje es un encuentro con todo este momento de crisis y de cambio tanto a nivel personal como artístico. Pone en cuestión su honestidad personal y hasta qué punto está siendo sincero y abierto con su situación sexual y amoroso. También hasta qué punto está siguiendo, realmente, el teatro que querría hacer. Sabe cómo hacer un teatro y conectar con el público, pero busca la tensión en ver quién va por delante: el público o el artista y dónde se encuentran. En el cine, en la literatura lo que hoy no puede ser un éxito, mañana sí lo puede ser. En teatro no. Lo estrenaremos hoy para el público de hoy, y esto crea una tensión de comunicación con, directamente, el "bagage" actual de hoy de los espectadores. En ese encuentro hay que tensar la cuerda y no dejarse llevar sólo con los gustos del público. Hay que pensar llevarlo a tu terreno, también.

UN VIAJE POÉTICO ALUCINANTE

EN LA CABEZA DE LORCA

En El Público Álex afirma que Lorca nos plantea

  • un viaje poético alucinante en su cabeza donde hay la tensión de todos estos elementos. Aparecerán sus pulsiones sexuales en forma de caballos; sus alter egos, a través de personajes como el Hombre 1, el hombre 2, el hombre 3; sus vestuarios, lo que él ha sido y sus provocaciones; todos sus miedos  a la muerte en todos sus significados: muerte artística, amorosa, personal, su muerte en vida. Lorca tenía una gran intuición en relación con la muerte. Junto con el amor es un tema que le persigue en casi todas sus piezas. Hay una cosa maravillosa, que es poder hacer un "flhas back" a su infancia, una regresión a ese momento precioso, pero también tan duro que es la perdida de la inocencia, como ese primer amor e y con la figura de ese padre castrador... a través de todos esos simbolismos, ambiguos, pero que puestos en escena quedan clarísimos para el público, nos deja hacer un juego poético impresionante en el que no sólo hay palabras, sino a propuestas de espacios  escénicos.
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FOTO: ROS RIBAS  

La finalidad central de este montaje es que

  • quede muy claro, desde el principio, que el espectador va a entrar realmente en un espacio especial espacial.  Vamos a ver una discusión sobre el teatro al aire libre, representado por este teatro más popular que conecta más fácilmente, y el teatro bajo la arena, un teatro que va a las raíces, al contenido de esos problemas que él hace en su teatro. Lo que le preocupa, lo que sucede en ese momento en el País, lo que sucede con sus libertades sexuales y cómo tiene que reprimirlas públicamente. Este es el contexto de la pieza. Por tanto para entrar en este espacio con el escenógrafo Max  Glaenzel combinamos dos elementos: uno orgánico como es la tierra, que es corcho, y una cortina de tiras  plateadas envolvente de un material inorgánico. Al mismo tiempo hay una idea de meternos en un espacio extraño, en un sueño, dentro, casi, de una nave espacial dispuestos a hacer un viaje poético de altas temperaturas.               

NO SABEMO SI SOMOS HONESTOS

CON NUESTRA VIDA

La historia se centra en este doble director de escena,

  • que no se sabe si, como nos sucede a todos, seamos homosexuales o heterosexuales, somos honestos con nuestra vida sexual, en los caminos que llevamos tanto en nuestro camino personal como en el artístico. En el teatro hay esa esclavitud, que sólo se da en la cabeza del propio artista. No hay otro censurador y castrador de tus líneas de trabajo que tú mismo. No hay excusas fuera de ti. Esto me sirve, una vez que he pasado el ecuador de mi vida artística y orgánica,  pues me interesa en este planteamiento. Ceo que no soy sólo yo. Sobre todo lo que vamos a hacer es viajar y dejarnos llevar, pero no solamente para un público acostumbrado a espectáculos poéticos, sino con todo el público. Queremos conectar con el público de La Abadía, con el que va al Nacional, con un público abierto y con el que viene por primera vez, al cual lo podamos llevar y entre en ese viaje. Tenemos la voluntad de comunicarnos con ese público. Todo esto a través de este director de escena que viene interpretado por Pep Tosar.
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  PEP TOSAR
FOTO: ROS RIBAS

Álex insiste en que es un texto con muchos símbolos freudianos, incluso.

  • Es una lucha entre el Yo, el SuperYo y el Ello, pero tiene un Principio, un desarrollo y un final. En su última parte, que comparten Juan Codina y Pep Tosar es un decálogo de ese teatro que querríamos hacer todos. Son contemporáneas a Peter Brook y al mensaje vacío. Es un texto no sólo bello, sino que los artistas lo tuvieran grabado en la cabeza porque realmente es un camino a seguir. Va desde un alto vuelo poético a un contenido de lo que debería ser el teatro, al menos para mí, que tendría que tener anotado en las salas de ensayo, en la mesita de noche, en la cocina, en el baño, en todas partes.

UN VIAJE RODEADO DE VERDADEROS ARTISTAS

Para llevar a cabo tal viaje Álex ve esencial rodeare de verdaderos artistas. De ahí que se haya acompañado de un equipo de intérpretes multidisciplinares: unos en la voz, otros en lo musical, otros en el movimiento... Ello lleva a distintas formas de narración.  en la misma línea de excelencia está el vestuario de Silvia Delagneau, la iluminación de Carlos Marquerie, el espacio sonoro de Nao Albert y la realización de video de Eduardo López.

NAO ALBERT: IMPORTANTE UNA AMBIENTE SONORO

Parte importante del espectáculo es la música de Nao Albert, la cual fue importante en Lorca, el cual no existiría, según Álex

  • sin todo su "bagage" inicial como músico. De hecho, cuando era muy joven, a lo que quería dedicarse es a la carrera de músico, pero su padre no lo dejo, y por tanto toda su obra, a través del conocimiento musical clásico y del folkore alrededor de Granada, impregna toda su obra, no solo en su contenido sino en esa facilidad para la métrica que tiene, tanto en los textos en verso como en textos como éste , que está escrito en prosa, pero que es prosa poética. Puedes hacer unas cesuras exactas dentro del propio texto, manteniendo una métrica que tienes que regresar a ella, cuando te sales de ella.
  • Cuando empezamos a trabajar con el texto - aclara Nao Alberten las reuniones previas, nos dimos cuenta de que era necesario e importante para el desarrollo de la función tener una especie de ambiente que nos acompaña durante gran parte de los cuadros, para que el espectador tenga más facilidad para meterse en este mundo más onírico. Aparte que el momento de la Canción del Pastor bobo la experiencia ha sido muy interesante, por coger un texto de García Lorca y ponerle la música. Él dice que es una canción pero no le pone música a esos versos. Luego hay esas atmósferas  en cada cuadro que ayuda al espectador a entrar en este mundo lorquiano.   

ELEONORA HERDER, LA DRAMATURGISTA.

IMPRESCINDIBLE PARA UN DIRECTOR

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IRENE ESCOLAR / ÁLEX RIGOLA
FOTO: ROS RIBAS
 

Una figura que se incorpora, no habitual en la mayoría de las Compañías, es la de dramaturgista. En este caso Eleonora Herder.        

  • No es un dramaturgo - aclara Álex - aunque puede darse esa coincidencia. En Alemania existe, así como en La Abadía. Es imprescindible para un director de escena, porque es alguien con la que puedes confrontar. No te va a hacer la adaptación del texto. Tiene bastantes conocimientos de Arte y  Filosofía, y según vas creando te sirve como "Pepito Grillo" par tu lucha de significados entre tu viaje dionisíaco, el tuyo, y el apolíneo que se ve desde fuera. Eso permite que el director de escena pueda hacer un viaje mucho más lejos.

JUAN CODINA:

EL PÚBLICO ES UN DESNUDO ABSOLUTO

Juan Codina interpreta al Prestidigitador y al Caballo Negro. Con Álex ya había trabajado en Maridos y mujeres de Woody Allen en  La Abadía. Par él este texto no deja de ser misterioso.

  • Yo me rajé al segundo día cuando vi que Álex llegaba con más dudas que certezas. Es una de las pocas veces donde yo no tengo claro qué es lo que va a ocurrir. Al  ser Lorca contemporáneo de Brecht, me parece antibrechtiano, porque lo que propone es un viaje de identificación: entrar en su cabeza y compartir tanta fragilidad, tantas dudas. Es un misterio lo que puede ocurrir el día del estreno, porque el texto es de una complejidad enorme, la poesía es abrumadora, tanto que tiene la capacidad de extasiar como de abrumar.  Hay algo que supera al surrealismo. Es un desnudo absoluto, un ensayo homo-erótico maravilloso, un ejercicio de fragilidad, de vulnerabilidad el que Lorca plantea. Es un sueño, un misterio.   

PEP TOSAR:

LORCA, UN HOMBRE

LLENO DE CONTRADICCIONES

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  LORCA Y DALÍ
FOTO: ARCHIVO

Pep Tosar interpreta a el director. En el Grec 2015 intervino en Federico García, fusión de teatro, música y danza a partir de la vida y obra de Lorca. En el 2014 presentó, como actor y director, en La Abadía, Con la claridad aumenta el frío sobre textos de Thomas Bernhard. Para Pep, El público entra en la categoría de obra clásica.

  • Está llena de matices. Lo que vale es lo que yo llamaría el espíritu de la contradicción. Al menos esa es la puerta por la que yo viajo cómodamente a través de mi personaje. La contradicción que es algo que ha formado parte del hombre desde el origen de los tiempos, y que nos ahoga. Lorca era un hombre lleno de contradicciones, y no sólo la que habitaba en él como era el tener una naturaleza homosexual, que fue incapaz de confesar a sus padres principalmente, sino que la contradicción tiene un nivel más extenso. Ahí  está su discurso acerca del teatro. Las imágenes de La Barraca que duran 8 minutos, son absolutamente estremecedoras. El compromiso de Lorca con La Barraca, en la República, con un teatro absolutamente popular, divulgativo y de enseñanza. Viajaba con  el uniforme puesto por encima de su declarada elegancia. Viajaba con esas camionetas por todos los pueblos más profundos de la España analfabeta, y enseñaba Calderón, los clásicos del teatro español ante unos espectadores que, imagino, estaban totalmente emocionados frene a la experiencia del teatro. Creo que Lorca creía profundamente en ese teatro, en esa forma de vivir el teatro. Tenemos un montón de frases: Teatro de la Escuela del Pueblo...Era un teatro no burgués, y, en cambio, él, después del rechazo con la lectura de El Público, decide volver a los dramas rurales andaluces con el que sabe que conecta directamente con el público y que es el que va a hacer de Lorca lo que ha hecho. Eso es absolutamente contradictorio, porque él, incluso, al final de sus días, reafirma que su verdadero propósito es el Teatro Imposible y no los dramas rurales. Esa contradicción también me asalta a mí. Soy partidario del teatro popular y no sé cómo vivirlo. Me veo como actor y como director, que es lo que hago más a menudo, atrapado. No sé cómo encontrar el camino. Éste es el motor que me empuja a conducir mi personaje: la contradicción como una categoría del espíritu; la contradicción como motor creativo y como espíritu de lucha para ser algo y comprender algo de toda esta agitación que nos caracteriza. Aparte de lo dicho, el motivo de que yo esté aquí, es que cuando era un adolescente y sabía que quería hacer teatro, tuve la suerte de tener un profesor me puso en las manos la edición del manuscrito y su corrección y me dijo:"Léete esto". Leí el prólogo de Martínez Nadal con la narración de los hecho y todo el misterio que envolvía a la obra, por el que no sabemos qué ocurrió con las versiones corregidas. Aquello me poseyó profundamente y lo que soy ahora como persona de teatro tiene algo que ver con esa lectura inicial, cuando tenía 16 años. A través de Eleonora Herder, la dramaturgista, he recuperado ese libro.    

INRENE ESCOLAR: ESCUCHAR EL TEXTO

PRODUCE UNA EMOCIÓN

QUE NO HE SENTIDO NUNCA

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IRENE ESCOLAR
FOTO: ROS RIBAS
 

Irene Escolar es Julieta, la Estudiante 5 y la señora-madre de Gonzalo. En La Abadía la vimos en  El mal de la juventud de Ferdinand Bruckner con dirección de Andrés Lima y en  Días mejores de Richard Dresser, dirigida por Álex Rigola. Entre sus últimos trabajos están Agosto, El cojo de Inishmaan (ambos dirigidos por Gerardo Vera) y La Chunga de Mario Margas Llosa, dirigida por Joan Ollé.  Considera este montaje muy especial  por varias razones

  • la primera es porque significa volver a La Abadía. Hice mi primer montaje aquí con 17 años,  y éste ha sido mi lugar de referencia y de formación, al que si empezaba mi carrera como actriz, quería empezarla en este teatro. Es algo que tenía clarísimo y tuve la suerte de hacerlo gracias a José Luis Gómez y a Álex, que fue la persona que confío en mí. Es muy emocionante poder hacer este viaje. En los últimos años he podido estar con Álex en  Venecia, cuando se ocupó en 2010 de la dirección de la sección teatral del Bienal de Venecia. Su labor ha sido increíble para muchísima gente joven como yo, puesto que nos pudimos formar con los mejores maestros allí.  Sí que todo este camino desde Días mejores hasta ahora, en gran parte, se lo debo a Álex. Tampoco sé cuál va a ser el resultado ante el público, sí sé que para nosotros ha sido un viaje apasionante. Escuchar el texto, entre cajas, en boca de mis compañeros  produce una emoción que no he sentido nunca. Creo, sinceramente, que esto es lo mismo que le va a ocurrir al público cuando lo vea.  

Álex, a raíz de la citación de la Bienal de Venecia, recuerda que este proyecto tuvo una primera fase de experimentación

  • que en otro sitio no hubiera sido posible. Nos permitió hacer un taller de una semana, donde estuvimos experimentando con 40 jóvenes profesionales este texto y lo pusimos en pie. Había 20 participantes por la mañana y 20 por la tarde. Con ellos ya tuvimos un primer "coach" realmente importantísimo. La experiencia fue que yendo máximo a la sencillez, dejando que aflorara Lorca lo máximo y poniéndolo en pie, la comprensión aumentaba en un 90%. Eso nos dio la fuerza para abordar el montaje.  

UN ORDEN DE ESCENAS DISCUTIDO

Y UN CUADRO QUE FALTA

Una de las dificultades, ya en el texto, es el orden de las escenas, puesto que no se sabe exactamente cuál es e incluso se barrunta que falta, al menos una, si tenemos en cuenta la numeración. En las diversas puestas en escena se ha buscado el orden primigenio, sin llegar del todo a una conclusión definitiva.

  • Una parte importante del trabajo en Venecia fueron una serie de conferencias que nos dieron acerca de la obra de El Público. había figuras desde Lluis Pasqual y Federico Amat, que había participado en el montaje de Lluis, hasta otros teóricos. Ninguno se puso de acuerdo en el orden. Hay un cuadro que no existe. Pasamos del cuadro I, II y III, V, Canción del Pastor Bobo  y VI. Esta es la distribución clásica. Este cuadro IV que falta, no sabemos si se perdió o si no existió nunca. Hay un momento en que ellos bajan a las profundidades, y en el cuadro V vemos que se ha hecho una representación. Sabemos de esa representación porque no los cuenta el público de ese cuadro V. Por un lado un público  más burgués y conservador que son las damas, y por otro lado el público más joven que indaga, que debate más que son los estudiantes ,los cuales no están todos de acuerdo, pero han recibido un "imput" de la función  y debaten. Las damas salen bastante asustadas. Eso crea una revolución interna, que sucede en la cabeza del propio artista. Ese cuadro IV podría ser esa obra que no se ha visto, pero como el teatro siempre evoluciona y depende de cada público, a lo mejor nunca se ha escrito y es mejor saltarlo. Puede ser la Canción del Pastor bobo, que nos remite a un tipo de público que de la máscara, que necesita de esa máscara, donde es muy difícil entrar en las profundidades, con esa máscara delante. Es un misterio

Álex al montarlo siente que

  • no echo en falta nada. Para mí no es un texto inacabado. Entro en una total comprensión e incluso el público va a poder seguir este viaje. La obra que no hemos visto, sí que es narrada con secuencias que provocan. Incluso algunos de los elementos que salen ,a través de este cuadro V que nos lo narran.  Me siento muy cómodo con el orden oficial o clásico de Martínez Nadal

LA DIFICULTAD ESTÉTICA Y DE CONTENIDO

MÁS GRANDE SON LOS CABALLOS

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  FEDERICO GARCÍA LORCA
FOTO: ARCHIVO

Una de las dificultades que el mismo Lorca se plantaba es cómo representar escénicamente los caballos. A lo largo de los diversos montajes las soluciones han sido más o menos ingeniosas.

  • Todo el lenguaje poético que él propone y que está invadido de imágenes de la época, muchas de las propuestas que él propone de una estética surrealista  tienen caducidad al pasar el tiempo. Lo que ayer eran imágenes muy potentes, hoy pueden quedar fuera de sitio, totalmente desplazadas, o antiguas. Hay que encontrar el significado profundo de esas imágenes que proponía. Por eso me he rodeado de un buen equipo artístico y nunca he tenido tanto trabajo de mesa como en este montaje. La dificultad estética y de contenido más grande son los caballos, que representan la pulsión sexual. En ese viaje podíamos decir o tomamos la figura simbólica del caballo y que el espectador hiciera que en este viaje, caballos son igual a pulsión sexual, o buscar directamente la pulsión sexual y lo acompañamos de una estela de caballo.  hemos optado por ir al origen de lo que representan los simbolismos. Estuvimos mucho tiempo proponiendo y probando qué podrían ser los caballos antes que entrasen los actores en el período de ensayos. Al final está acompañado de un trabajo corporal de los tres caballos. dos tienen una formación amplia en el campo del movimiento, pero sobre todo, por una opción estética muy potente, por encima de todo está la pulsión sexual.    

GUILLERMO WEICKERT:

VEO LA INTERPRETACIÓN APOYADA EN EL CUERPO Y

LA DANZA APOYADA EN LA INTERPRETACIÓN

Guillermo Weickert es el caballo blanco 2 y la dama 3. Es bailarín, actor, coreógrafo y director de escena. En 2007 creó su propia compañía. Sus últimos trabajos han sido Lirio entre espinas, Code Unknown y coreografías para The Hole. Ha colaborado con diversas compañías. En este montaje precisa que más que danza como tal

  • es importante el movimiento de cuerpo, sin que sea visible. Para mí es una parte más de la formación actoral. Nunca lo he entendido como dos disciplinas que se justifican en sí mismas, sino que se ponen al servicio de un mensaje o de una intención superior que es la de comunicar algo en concreto. Entonces  realmente sin necesidad de definirlo como danza, creo que , para mí el trabajo con Álex, toda esa formación es fundamental, pero como lo es siempre. Veo la interpretación apoyada en el cuerpo y la danza apoyada en la interpretación.  En ese sentido muchos de los compañeros que no vienen de la danza, gestual etc.. veo danza a Julieta reptando por la arena en el mejor sentido de la palabra sin necesidad de  identificarlo como danza.

Para Álex este trabajo con el cuerpo es imprescindible en el montaje. Lo que deja claro es que no se trata de danza al uso como si fuera una coreografía aislada.

 


José Ramón Díaz Sande
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Última actualización el Jueves, 24 de Noviembre de 2016 08:57