LA PECHUGA DE LA SARDINA
 CASA CON PAREDES DE CRISTAL

NATALIA SÁNCHEZ / AMPARO PAMPLONA FOTO: marcosGpunto

Lauro Olmo (1921-1994) estrena en 1962 La Camisa, en ella reflejaba el drama de los condenados a emigrar a otro país para poder subsistir. Obtuvo numerosos premios y su reconocimiento universal. Después, en el 1963, vino La pechuga de la sardina y posteriormente una larga lista de títulos. Fue poeta, novelista, narrador de cuentos y otras narraciones breves. Vivió la emigración de su padre, la II Repúblico, la Guerra civil y los años más duros de la Censura Franquista.

LAURO OLMO, VOZ FUNDAMENTAL
EN LA DRAMATURGIA ESPAÑOLA

	MANUEL CANSECO FOTO: www.madridteatro.net

El que se retome a Lauro Olmo en el Centro Dramático Nacional, según Ernesto Caballero

• Lauro Olmo es una voz fundamental de la dramaturgia española del siglo XX, un autor imprescindible perteneciente a la llamada generación realista que tan brillantemente alimentó la escena española de aquellos difíciles años del franquismo y sus postrimerías. La figura de Lauro representa como nadie esa actitud serena de persistencia en unas convicciones estéticas e ideológicas a contracorriente del momento y el lugar que le tocó en suerte vivir: la España del franquismo, tan beligerante hacia cualquier relato que exhibiese las miserias de aquel país de todos los demonios, que diría el poeta Gil de Biedma, otro resistente, coetáneo de nuestro dramaturgo.

Ernesto define el teatro de Lauro Olmo, que la democracia olvidó como

• un teatro capaz de aunar el realismo crítico con una mirada indulgente y festiva hacia los personajes. Compromiso, indulgencia y alegría no sólo definen la obra sino también la propia personalidad de este muñidor de conmovedoras historias protagonizadas por gentes humildes en quien el autor deposita la confianza para expulsar a todos los demonios que impiden cambiar el rumbo de la Historia. La pechuga de la sardina nos habla de ello con precisión, entusiasmo, inconformismo y bondad.

UN PASADO TREMENDAMENTE CERCANO

Quien se encarga de la dirección es Manuel Canseco, que firma las opiniones de Ernesto Caballero en lo que concierne a la figura de Lauro Olmo y su obra.

• Estamos en un pasado tremendamente cercano donde hay una serie de autores que influyeron muchísimo dentro de la dramaturgia. Cuando somos jóvenes pensamos que vamos a renovar todo y que es mejor olvidar lo anterior, en España hay una serie de autores dramático que, al menos, uno o dos  todas las temporadas se pudieran reponer. Ojalá contaran conmigo para poder hacerlo, porque me he encontrado muy a gusto, pues es un teatro que conozco, ya que conoces al autor y conoces las circunstancias en que se escribe, se lucha y se pone en escena.

AMPARO PAMPLONA FOTO: www.madridteatro.net	AMPARO PAMPLONA (DOÑA ELENA) FOTO:marcosGpunto

El texto ha sido "peinado" (retocado con algunas eliminaciones cortas) y cambiado de orden alguna escena por conveniencia espacial.

• En estos momentos sería muy difícil transportar esta función a otro espacio. En el caso de una gira, que por el momento no tenemos proyectada, tendríamos que hacer otro montaje para adaptarnos al Teatro a la italiana. Esto ya me pasó con La Paz de Aristófanes. Nació parel Teatro Romano de Mérida. Nos llamaron para el María Guerrero y hubo que hacer un montaje que en nada se parecía al anterior. 

UN PATIO DE CORRALA

La pechuga de la sardina se representa en la Sala Francisco Nieva, la Sala pequeña, del Teatro Valle Inclán, a pesar de que cuenta con 12 actores en el reparto. Se han suprimido algunos personajes, pero que

• no son absolutamente necesarios para el desarrollo de la función. Lo que no se ve, se escucha y nos han servido para unas transiciones, en este espacio que es  tremendamente complicado. La idea es como si estuviéramos en el patio de una Corrala, donde los espectadores están en el piso de arriba y son capaces de fisgar, que es lo que ocurre en la vida y en el alma de estos personajes, fundamentalmente femeninos.

NO FUE ESTRENADA
CON LAS CONDICIONES ADECUADAS

	MARÍA GARRALÓN FOTO: marcosGpunto	MARÍA GARRALÓN FOTO: www.madridteatro.net

Elegir esta función u otra fue fruto de conversaciones con los hijos de Lauro Olmo. Había una función no estrenada, Desde abajo (1993). El no haber recurrido a ella fue porque, según Manuel Canseco

• no tenía la entidad suficiente para poder decir "Lauro era esto".  Era un Lauro de una época posterior y además era una obra corta y sin que pasaran demasiadas cosas.

Otra opción hubiera sido La Camisa, pero

• ya se repuso y La pechuga de la sardina no. No sé si algún grupo de aficionados lo hizo, aunque no es obra para aficionados en la interpretación, pero, sobre todo, yo tenía obsesión por La pechuga de la sardina, que, en su época, no fue maravillosamente acogida ni por la crítica, ni por el público.  Creo que no fue estrenada con las condiciones adecuadas, y la función tenía mucho más de lo que nos habían hecho ver o de lo que habían percibido los críticos del momento. La empresa privada siempre ha sufrido para ofrecer obras de cierta complejidad tanto de escenografía como de actores. Este es el caso de La pechuga de la sardina. El esfuerzo de una persona como Pepe Osuna- director de teatro -, tan maravilloso y encomiable en muchas cosas, aquí en un teatro a punto de cerrarse como el Goya y en unas circunstancias "Aquí te estamos esperando, pues has tenido un éxito con La Camisa, creo que influyeron, como para que la función no cuajara. Después de los cuarenta y tantos años que llevo en esta profesión yo estaba perfectamente motivado y capacitado  para poder llegar al fondo de cada una de las actrices  y de los actores y que diéramos lo que la función tenía dentro. La ventaja, y de esto tengo que dar gracias al CDN, es que hemos contado con el reparto que le he pedido desde el primer momento. Esto ha hecho el trabajo sencillo. Por tanto elegí la función porque nos habla de cosas auténticas, que no son folclóricas. Por otro lado, porque no creo que sea un teatro realista de Lauro. Hay algo más que transciende del realismo, que es esa parábola con laque se solía hablar en los años sesenta, a falta de otra cosa, donde se denuncia bastante la sociedad, y, al mismo tiempo, es suficientemente onírica para que la mujer, su espíritu, lo que ocurre a través de ella, que es lo que nos ocurre a todos nosotros, quedara patente. No es un trozo realista donde se pelean dos. Hay una sutileza tan grande que merecía la pena. Ojalá hayamos acertado. Si es así me daría por contento, porque es uno de los trabajos más bonitos de mi vida.    

NECESIDAD DE UN BUEN REPARTO

NATALIA SÁNCHEZ FOTO: www.madridteatro.net	NATALIA SÁNCHEZ FOTO: marcosGpunto

Para esta obra era necesario un buen reparto, afirma Manuel Canseco, puesto que es

• una función llena de pequeños detalles. Aunque se decía que era una función plana, es mentira. Está llena de pequeños guiños, de pequeñas intensidades dramáticas, donde frase a frase se va desvelando cuál es el problema de la mujer, fundamentalmente respecto a la sociedad de aquellos tiempos, sino  de tiempos aún anteriores. Toda esa herencia educacional cómo influye, cómo castra a la mujer y, de alguna manera, le impide ser ese ser libre capaz de decidir su propio futuro, y cómo el "qué dirán" influye. Tal vez para los que vivimos en Madrid parezca que no sea tan grave, pero en provincias o pequeños pueblos, todavía puede ser un mundo y las convenciones sociales son capaces de ahogar la respuesta del individuo. Ese es el por qué se ha elegido esa función.

FRASES CONTUNDENTES
EN LAS MUJERES Y LOS HOMBRES

	JESÚS PALACIOS FOTO: marcosGpunto	JESÚS PALACIOS FOTO: www.madridteatro.net

A este respecto Jesús Cisneros, que interpreta a Hombre A y otros, insiste en esta idea

• Cuando leí la función, me pareció muy valiente, porque si analizamos en el año que se escribió, 1963, aunque es verdad que había empezado un poco la apertura y había gente y voces que  podían hablar de lo que estaba sucediendo, pero hay frases contundentes en cada una de las mujeres y en lo hombres. Reflejan muchísimo la sociedad. Mi madre, que tiene 86 años, le he escuchado muchísimas veces esas historias y cómo vivían, cómo se relacionaban, cómo pensaban de los hombres lo que sus familias les decían y sus madres. El personaje de Juana(María Garralón), que es una rebelde y que le hubiera gustado  cambiar su forma de vida dice: "Yo me tenía que casar y me cayó un hombre encima" Otra frase super-valiente que dice es: "¡Malditos los que han complicado tanto esto!" Era una crítica social ante y, también, ante la influencia social que había en la Iglesia. Eso está muy presente en las campas que aquí las utiliza como tristeza. Podíamos recurrir a Dámaso Alonso cuando decía: "Madrid, un millón de muertos", bueno pues aquí no eran muertos, pero seguían un poco zombies. Me parece muy valiente, y todo lo que pone en boca de los personajes, es de mucha modernidad para esa época, porque es un reflejo de una sociedad 

UN BORRACHO FILÓSOFO

JUAN CARLOS TALAVERA FOTO: www.madridteatro.net	JUAN CARLOS TALAVERA FOTO: www.madridteastro.net

Otro de los personajes es el borracho (Juan Carlos Talavera) que habla como un filósofo.

• Una de las frases que la dice el filósofo más grande que tiene la función, que es el borracho (Juan Carlos Talavera), que expresa todo lo que puede sentir una mujer al sentirse mayor - añade Canseco.
• "... puede compararse a una gachí que s'a dao cuenta que el fluido se la va, Ahí sí que no hay pilas de repuesto. De qué forma se agarran a uno. Oye, tú, te juro que ese es un momento de mucho respeto" - ilustra Juan Carlos Talavera.    
• No es un lenguaje realista de un borracho que va por la calle - advierte Canseco. Son cosas que definen lo que hay en el interior de la función.

Una de las curiosidades es el propio título La pechuga de la sardina. En algunos colectivos la "sardina" es el apelativo del sexo femenino. En Galicia cariñosamente se le conoce como "la parrochita". Parece ser que algo de connotación hay en el título ya que se habla en ciertos momentos

• "Tenía la sardina enclaustrada en una braga de hojalata" ,en la canción de la criadita. Sí está muy relacionada con el aparato - confiesa Canseco.

MARÍA GARRALÓN:
JUANA UNA MUJER QUE
QUIERE VIVIR A TODA COSTA

	ALEJANDRA TORRYAL FOTO: marcosGpunto	ALEJANDRA TORRAY FOTO: www.madridteatro.net

María Garralón es Juana y describe su personaje como

• una mujer que quiere vivir a toda costa. Le han pasado cosas terribles en la vida, con un marido que "le cayó encima", pero que ella lo quiere, aunque le han salido mal las cosas. Un hijo que se le muere, tiene que salir adelantey decide montar una pensión, donde ocurren las historias de las demás mujeres, que son terribles para cada una.Ella intenta dar a cada una la humanidad que necesita ,el regaño que necesita...Su comportamiento con el marido esentre lo que los mejicanos dirían "amor apache", porque lo odia y lo quiere, pero no lo puede evitar. Es visceral, una mujer con muchos arrestos, y aunque la vida no se lo ha puesto fácil, quiere continuar como sea. Eso es muy de Lauro Olmo, porque era muy observador. Observaba mucho a la vida, a la mujer. Yo lo conocí muy jovencita y siempre te estaba como mirando. Te encontrabas con su mirada. Cuando yo era pequeña vivía en Argüelles, quisieron hacer El Corte Inglés , y compró todo aquel barrio de Pozas, un barrio donde se rodaron miles de películas, porque era empedrado y resultaba muy madrileño. Lauro vivía en lo que es la fachada de Princesa de El Corte Inglés, que eran viviendas con portales. Al Corte Inglés les costó la vida sacarlo de allí. Se fue todo el mundo y él con sus pancartas en las ventanas. Mis padres esa historia la conocían perfectamente, y cuando empecé a dedicarme al teatro, les dije:" Conocí a un señor que se llama Lauro Olmo" ¡"Hombres, si ese es el vecino que ponía las pancartas en las ventanas", o sea que Lauro fue un díscolo. Un hombre que luchó contra las cosas injustas y que observaba mucho la vida. Entonces, Juana es esa parte de él que quiere salir adelante como sea, pero muy en la triste realidad de su momento. Nada de estar por las nubes.   

VOLUNTAD REDENTORA

MANUEL BRUN FOTO: www.madridteatro.net	MANUEL BRUN FOTO: marcosGpunto

Hay una voluntad redentora por parte del autor según Juan Carlos Talavera porque estas mujeres no huyen.

• Se quedan, perviven en el sitio. Afrontan los problemas y tienen el objetivo de salvarse ellas e incluso a sus represores. La voz de Lauro Olmo está en el personaje de Paloma, que interpreta Cristina Palomo, y ella lo que sostiene es que hay que quedarse y "hay que salvarse todos, incluidos a nuestros represores". Hay que salvar también a Doña Elena.  Es una metáfora literaria de la resistencia del barrio de Pozas. él no se quería ir. Puso una bandera de España en la puerta de su casa, que según la legislación del régimen estaba prohibida pasar por encima de ella, y a ver si la propia policía de Franco se atrevía a pisarla. Ese fue el gesto supremo de su resistencia y creo que está sublimando literariamente la actitud del personaje de Paloma.   

AMPARO PAMPLONA:
DOÑA ELENA ES UNA VÍCTIMA MÁS

Amparo Pamplona es Doña Elena, una víctima más.

• Es una mujer amargada, educada en un colegio de monjas requetemonjiles  y es un producto de una sociedad y educación equivocada, que, por otra parte, en aquella época era lo que primaba. Todas hemos conocido a Doñas Elenas. Le contaba a mis compañeros que hace años hacía El malentendido de Camus y me vino a ver al camerino una pariente política, y me dice:"¡Ay! yo también hubiera querido ser actriz, pero tengo un alma que salvar" Le contesté:"Anda, pues yo también tengo de eso", y me empezó a contar una serie de estupideces que cuadran perfectamente con lo que es mi personaje. En esta mujer yo me he basado un poco para organizar mi personaje odioso, lamentable y digno de lástima. 

ALEJANDRA TORRAY:
SOLEDAD, SIN BELLEZA
QUÉ VA A HACER.

	MARISOL MEMBRILLO FOTO: marcosGpunto	MARISOL MEMBRILLO FOTO: www.madridteatro.net

Alejandra Torray interpreta a Soledad, una mujer que está viendo que envejece y cuál es su sitio.

• Le tengo mucho cariño a este personaje - confiesa Alejandra -, y lo grande de este personaje es que totalmente actual. Hoy pasa con  otros factores, pero estamos viendo que, en esta sociedad, a partir de los cuarenta se vuelve invisible. Seguimos en franca desigualdad, tanto en sueldos como en muchas otras cosas. Perdemos el lugar. Hay un abuso del sistema estético. Esa obsesión por las operaciones estéticas, pues eso situado en los sesenta, sin la cirugía, en la belleza tiene su refugio. Sin belleza qué va a hacer, cuál es su lugar. Es el hondo sentir de esa mujer y esto es absolutamente actual y universal.

NATALIA SÁNCHEZ ES CONCHA,
NO DEPENDE DE ÉPOCAS PORQUE
SON TEMAS ACTUALES

• Y  no depende épocas, porque se trata de temas como el embarazo, el aborto, esa presión de la Sociedad que, en esta obra, es un personaje más y se puede trasladar al mundo de hoy, y no actuábamos de forma tan diferente como actuaríamos en el mundo de hoy. Hoy se plantea un embarazo, un aborto o que el fluido se le va y hay un estigma con ese tema en la sociedad. Hay miedo a hablar - añade Natalia Sánchez.
• para mí ha sido muy triste encontrarme con una obra de teatro escrita en el 1963 y ver qué poco ha cambiado ,sobre todo en el papel de la mujer a partir de una edad, en la sociedad internacional. A partir de los cuarenta, se nos da muy poco hueco. Es una realidad - insiste Marisol Membrillo. 

CRISTINA PALOMO FOTO: www.madridteatro.net	CRISTINA PALOMO FOTO: marcosGpunto

Es una crítica social al momento, subraya Jesús Cisneros

• la prueba es que sólo pone un personaje femenino feliz y lo pone en Cándida (Nuria Herrero), que es analfabeta, por eso es pizpireta y tiene una vida que le gusta. Piensa que la vida es de otra forma. Lauro Olmo, parece decir, que para ser feliz hay que ser analfabeto. No darse cuenta de la realidad que estamos viviendo.
• Por contra está el personaje de Paloma que estudia, trabaja en un laboratorio y representa a la mujer trabajadora y rompe con todo  -.
• Soy el contrapunto a Doña Elena- corrobora Cristina Palomo - , que es la castración, la mujer que vive ahogada. Paloma es la que tiene un punto de esperanza.

LAURO TIENE MUY PRESENTE
EL ASPECTO MUSICAL 

El aspecto musical es algo presente en la función y en el propio Lauro Olmo

• Tenemos también tener en el reparto a Marisol Membrillo(La renegá, beata 2 y la vieja) que canta como los ángeles, y hemos descubierto que Lauro tiene muy presente el aspecto musical. Nos habla de los pasos de fox-trot, de que la vida es un tango y por otro lado había unas letras y una que podía ser muy emotiva. No existían las músicas y o se le han inventado las propias actrices como es el caso de Cándida (Nuria Herrero), o con Marisol y Antonio Moreno, voz y guitarra.
• También hay una canción que me cantaba mi madre que es la del borracho- añade Amparo Pamplona (Doña Elena).       

	NURIA HERRERO FOTO: marcosGpunto	VÍCTOR ELÍAS FOTO: marcosGpunto

Otra de las razones es que

• yo estoy enamorado de las actrices, y mis elecciones siempre han sido femeninas más que masculinas y lo siento por nuestros queridos compañeros de reparto masculino aquí. Hasta cuando hemos hecho cosas en Mérida, los Coros eran femeninos.  La mujer tiene esa sensibilidad que a nosotros, a veces, se nos niega, no sé si, al estilo mejicano, queremos ser más machos que nadie, y expresamos menos la delicadeza de las cosas, y esta es una función de delicadezas. Lo que más me gustaría, en estos momentos, que cada espectador se fuera con un trocito de función, de personaje, de un momento íntimo de lo que ocurre alrededor.

LA VOZ DEL HOMBRE
SIGUE ESTANDO MÁS PRESENTE

Para Marisol Membrillo este elegir el mundo de las mujeres sobre el de los hombres honra a Lauro Olmo

• Estamos acostumbrados a ver historias contadas desde perspectivas de hombres y por hombres, donde la mujer tiene un espacio bastante mínimo frente al de los hombres. Si esto ocurre hoy en día, qué no ocurriría en la época de Lauro Olmo. Escribe esta función y le da la voz a las mujeres con todo lo que dicen. Esta crítica a la Sociedad en la que viven. Lo desconozco, pero, seguramente, tendría graves problemas con este texto . Hoy sigue pasando que la voz del hombre sigue estando más presente en los escenarios que la mujer. Olé por La pechuga de la sardina.
• Lo triste de todo esto - constata María Garralón -, es que en aquella época, todo estaba basado en el miedo a todo: el miedo que te hacían pasar las monjas, tus padres, la sociedad, el salir a la calle, el venir tarde...y ahora, afortunadamente, hay menos miedo y hay gente que se arriesga más. El miedo ha hecho mucho daño en esta sociedad.     

LAURO OLMO,
MÁS ALLÁ DEL TEATRO

MARTA CALVÓ FOTO: marcosGpunto

El abandono del teatro de Lauro Olmo, en parte, con respecto a otros autores contemporáneos y en concreto con Antonio Buero Vallejo, Manuel Canseco piensa que la brillantez, dentro del teatro realista, de Buero, anuló la obra dramática de Lauro.

• De todos modos no hay que olvidar que escribió otras cosas más allá del teatro, y sobre todo tuvo una vida, entre comillas, conflictiva aunque también la tuvo Buero, pero Lauro tuvo todos los problemas de su casa, las inquietudes que le rodearon y pesaron sobre él. Se identificó con todas las causas progresistas y militó entre los intelectuales durante la Dictadura y los vaivenes partidistas de la Transición Política, siendo así conocido no solo por su calidad de dramaturgo sino también por su ejemplo de ciudadanía activa. También no es un hombre que tuviera la facilidad de escritura que tuviera Buero. Sus funciones son elaboradas, y, en esta función, hemos ido descubriendo la construcción dramática. Una obra que parecía que no tenía ninguna construcción dramática, porque no es al viejo estilo en el que se va desarrollando, se va incrementando el conflicto, ya que son varios y cada uno es disperso, pero el modo de situar las escenas dramáticas con las escenas, más o menos, cómicas y con la vida diaria, hacen un conjunto que se ve que está perfectamente entramado. Funciona. Algo que leído no parece tan sólida, a la hora del contacto con el público, se ve que es necesaria esa risa o sonrisa para poder otra vez sufrir, todo lo que queremos que sufra. 

UNA DRAMATURGIA NO FÁCIL

Al ser diversas historias que se alternan, la estructura dramática no resulta fácil y eso es lo que, según Canseco, les ha complicado el montaje.

• o lo ha facilitado, no lo sé aún muy bien. La primera idea era que nadie saliese de escena, pero hay pasos de tiempo, y eso era difícil el darlos, porque en esta Sala no hay entrecajas. Salimos directamente de vestuario a la Sala, o del vestíbulo a la Sala.  Los personajes o salen de escena porque van a hacer algo o tienen que estar todo el tiempo en escena. Por otro lado esos pasos de tiempo no nos permitían haberlo hecho con continuidad: cambio de vestuario, un personaje que queda con el otro...Obligaba a oscuros que me horrorizan. En este caso hemos aprovechado todos los personajes que no salen, que eran el mundillo del bar y las vecinas, se han quedado en grabaciones que unidas al "leiv motiv" del fox-trot, nos permiten los cambios.

ALEJANDRA TORRAY / MARÍA GARRALÓN FOTO: marcosGpunto

Algo que ayuda mucho a que todo sea creíbles según María Garralón es

• el decorado y las luces y el espectador nunca se pierde.

Al haber escenas simultáneas, cada espectador puede centrar su atención en aquella historia que más le interesa.

• Es como el engranaje de un reloj- aclara  Natalia Sánchez (Concha).Van entrando y saliendo personajes y todos tienen un quehacer, un motivo por el que estar ahí, y eso se ha cuidado mucho en las escenas en que no se habla. 

TRABAJAR EN EL CDN, UN RESPIRO

El que este montaje se pueda dar en el CDN supone un respiro para Manuel Canseco.

• te despreocupas del resto y te centrasen la dirección. Para mí eso es un descanso después de tantísimos años luchando en esta profesión.  Ello ha permitido que toda la gente, actores y equipo artístico, haya trabajado relajadamente. Estar dentro de la Sala 10 ó 12 días probando luces, sonidos, viendo cómo acababa una función que teníamos muy difícil de acabar, porque no es una función con un final claro, y que  no quiere influir en el público.  Nos ha permitido que el espacio sonoro ha quedado sensacional, luces, decorado...todo. Esto ha permitido un perfecto acabado, que es lo que necesitaba Lauro en ese momento. Era arropar la función con todos esos medios escenas que por sí solas pueden resultar más anodinas. El final queda sin palabras y sólo con una canción y gesto de la gente.
• Todo eso nos ayuda mucho, porque leída la función no es fácil de hacer- añade María Garralón. Cuando lo hizo Pepe Osuna el decorado eran dos pisos. Cuando yo ví nuestra escenografía en un solo plano, pensé " unos no ven, cuando otros ven". Era complicado, pero unido todo es un espectáculo bonito sin inventos raros. Es teatro.

Más información     La pechuga de la sardina. Olmo.2015     La pechuga de la sardina. Crítica     La camisa. L. Olmo. Reseña 1995. Crítica José Ramón Díaz Sande Copyright©diazsande