Madre Coraje. Atalaya. Entrevista Imprimir
Escrito por José R. Díaz Sande   
Jueves, 17 de Septiembre de 2015 14:30

MADRE CORAJE
 PATRONA DE TODOS LOS REFUGIADOS

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FOTO: ATALAYA 

El grupo de teatro Atalaya cerraba la temporada de la Compañía Nacional de Teatro Clásico con La Celestina de Fernando de Rojas, este verano cerraba el Festival Grek de Barcelona con Marat-Sade de Peter Weiss,  y ahora abre temporada del Teatro Español con Madre Coraje de Bertold Brecht.

MADRE CORAJE LLEGA EN EL MOMENTO JUSTO

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  FOTO: ATALAYA

Ante estas credenciales Juan Carlos Pérez de la Fuente se atreve a afirmar que

  • Atalaya es un gran referente de teatro, y tanto ego y protagonismo, yo el primero, que tenemos, impide que veamos a Compañías con nombre propio en la sociedad teatral española. Abrimos con Atalaya. Si nos llegan a decir en septiembre de 2014, cuando dijimos "¡Adelante! Empezamos con Madre Coraje, lo que iba a suceder, por desgracia, en Europa, no lo hubiéramos creído. El que coincida realidad y ficción, podría servir de orgullo de una oportuna programación, pero no es motivo de alegría. A pesar de todo este conflicto migratorio convierte a Madre Coraje en la patrona de todos los refugiados de Europa. Una vez en la calle tiene que estar ese puto carro, ese maravilloso carro y esa mujer tirando una vez más, como estamos viendo en todos los telediarios del mundo. Es un montaje que ha recorrido España entera y está muy bien que llegue a Madrid. Además en el momento justo.

Referente la temporada del Teatro Español, cuya presentación se ha pospuesto hasta que el Ayuntamiento tenga en oren los presupuestos, Juan Carlos Pérez de la Fuente subraya los dos pilares sobre los que se sustenta  la programación:

  • La mujer y la libertad. Hubo un tiempo que programábamos por conceptos y hacía que los teatros no fueran unos almacenes maravillosos, sino que hacías un discurso con las producciones propias y las invitadas. Lo primero que pregunté a Ricardo "¿Qué hacemos el año que viene?" 

REFUGEES WELCOME

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RICARDO INIESTA
FOTO: www.madridteatro.net
 

Ricardo Iniesta es el adaptador y director de esta Madre Coraje.

  • El día de esta rueda de prensa en el periódico El País, se cuelga la foto de la fachada del Ayuntamiento de Madrid con la pancarta  Refugees Welcome (Refugiados, bienvenidos). Está hecho como a posta, porque el primero que fue un refugiado fue Bertold Brecht. Escapó del nazismo, y decía que el esperaba que sus obras y, especialmente Madre Coraje,  no tuvieran vigencia ninguna en el siglo XXI, porque sería señal de que el mundo habría cambiado y sería mucho mejor. No solamente tienen vigencia, sino que son absolutamente necesarias que hagamos Madre Coraje. Se me saltan las lágrimas cuando veo a personas mayores y jóvenes sin poder articular palabra antes ese final estremecedor. No es una emoción desagradable que produce dolor, sino una emoción que produce ansias de cambiar el mundo. Madre Coraje produce una empatía, aunque no es ninguna santa, sino que es verdugo igual que víctima. En nombre de salvar su negocio, en el que van sus hijos, al final termina sin ellos, por negociar la vida de sus hijos.

METÁFORA IMPRESIONANTE
DE LO QUE ESTÁ SUCEDIENDO

Más allá de una vivencia personal Ricardo insiste en que

  • por encima de todo es una metáfora impresionante de lo que está sucediendo, y por la Madre Coraje que hemos apostado, todavía más, porque hemos apostado por un trabajo coral, por el cual todos los actores están todo el tiempo en el campo de batalla. El frente de batalla está abierto, pues estamos recibiendo millones de refugiados, con la posibilidad de lo que han hecho las autoridades húngaras, que tienen poco de diferencia con los nazis: apaleando. Hay fotos que son literalmente algunas escenas de Madre Coraje. Apaleando al Caracuajo, uno de los hijos. uno de los bandos van vestido casi igual que las fotos que se ven en la vía de un tren, en la uno de los soldados húngaros apalea un padre y a una hija pequeña. En 70 años lo poco que ha cambiado Europa cuando los valores que debían primar son los de la libertad, y ahora estamos haciendo Marat-Sade, en la que también reivindico la igualdad y la fraternidad. Por eso estoy feliz por llegar a un Madrid que apuesta por la libertad, la igualdad y la fraternidad. Un Madrid solidario. Es un gustazo ver esa pancarta en la fachada del Ayuntamiento.
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  FOTO: ATALAYA

Todas estas circunstancias le lleva a Ricardo a valorar Madre Coraje como

  • un texto necesario. Cerramos la temporada del clásico y el Teatro Pavón - este año la Compañía Nacional del Teatro Clásico pasa a su sede oficial, el Teatro de la Comedia, ya totalmente restaurado - con La Celestina, y, curiosamente, Madre Coraje viene a completar lo que fue Celestina en el siglo de oro, el mito referencial femenino, pues Madre Coraje es el mito referencial del siglo XX. Sin que esto quiera decir que a Celestina y a Madre Coraje se les pongan en un altar. Celestina se las traía, pero Madre Coraje se las trae.

UNA VALLA: SÍMIL DE LAS CONCERTINAS

La escenografía es una gran valla y el carromato que se despliega en diversas posibilidades: colmado, la cocina...

  • La valla es un homenaje al gran director griego Angelopoulos, que, curiosamente murió por el atropello de una moto cuando estaba montando La Ópera de tres centavos, con 78 años. Estaba muy sensibilizado con el tema de los refugiados. Esa valla viene a evocar esa separación entre Albania y Serbia. Hay cuerpos vivos agarrados a la valla, pero que parecen electrificados. Esa imagen es con la que empieza el espectáculo, y la valla que antes era Este/Oeste  de Berlín, ahora es Norte/Sur. Parece mentira que los húngaros que han escapado del llamado telón de acero, ahora sean ellos los que ponen un muro de concertinas. ¡Qué falta de memoria de los países de Europa! Si alguien sabe de refugiados en el s. XX es Europa. El siglo XXI son otros condicionamientos, pero el siglo XX es Europa quien sabe. Ahora hemos perdido esa memoria, por eso es absolutamente necesaria Madre Coraje y la recuperación de Bertold Brecht. Hay una serie de frases que con tremendas como cuando dice "Ella es un tobogán de frases en favor y en contra de la guerra". Cuando muere su hijo dice "¿Malditas sean las guerras!", pero rápidamente se olvida y dice:"Para mí no hay nada como la guerra. Cuentan que acaba con los más débiles, pero en cambio la guerra alimenta a los más fuertes". "Eso es la guerra, hermosa fuente de ingresos". Leía cómo Franco se había estado nutriendo con millones y millones mediante la guerra, pero no vamos a hablar de Franco sino de la sociedad de ahora. De la libertad de los países civilizados que se nutren del armamento. Cómo fomentan, apoyan o toleran guerras. Entonces todas estas frases y la muerte final de Katherina con un silencio de tres minutos, después de esa mezclas de sonidos musicales, interpretados por los actores, con temas de cabaret, aunque no solo, produce emociones, risas, ternura, ira, empatía...El espectador va deslizándose por un tobogán de emociones. Al final hay un silencio cuando la Madre descubre muerta a la hija. hay una actriz que deja el acordeoncito y dice: "No hay ninguna causa perdida si queda un insensato dispuesto a luchar por ella".        
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FOTOS: ATALAYA  

LOS ESPECTADORES EN EL FRENTE DE BATALLA

Ricardo desvela que la parte escenográfica del espectáculo es una parte del público, ya que hay dos gradas en las que se sientan unos 30 espectadores y están situadas dentro del escenario, a los lados.

  • Están en el frente, en el campo de batalla y en contacto con los actores. A veces una prostituta se reclina en el hombro de un espectador u otro actor le amenaza. Acomodamos ahí a los jóvenes que tienen más agilidad. A veces ven casi pasar la balas. Por lo tanto la escenografía la forman: la valla, la carreta y ese público. El resto del público ve el espectáculo desde la barrera, viendo a esos espectadores atentos a los que me van a hacer de ataque, risa o burla. Es una metáfora de lo que sucede. Hay una pequeña parte del planeta que vive en sus carnes la guerra. Está a dos horas y media de avión, pero nosotros estamos a cubierto hasta que nos deje el turco. El que hoy día no es refugiado puede serlo en un futuro.

ATMÓSFERA MUSICAL EUROPEA

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  FOTO: ATALAYA

Parte importante es la música, tanto en Bertold Brecht como en esta versión

  • Va llevando el pulso del espectáculo a lo largo de la hora y media. Empieza y termina de un modo muy contundente, con el canto final de Madre Coraje que impacta. Es música de Brecht. Solamente al principio cuando llega el público y los actores están estiramientos es música nueva, en la que los actores cantan, pero aún no interpretan a los personajes. Es una canción checa que genera energía en los actores y te da la atmósfera previa europea. Hemos querido conciliar los arreglos musicales con el Este y el centro de Europa con una estética centroeuropea que se refleja, también, en el vestuario con abrigos largos.

MONTAR MADRE CORAJE NACIÓ EN 1986

La decisión de montar ahora Madre Coraje, según Ricardo, es porque Carmen Gallardo, su intérprete, tiene la edad adecuada.   

  • Desde el año 1986 ya lo pensábamos, pero Mamen(Carmen) tenía 21 años y, ahora, que cumple 50 años ya puede hacerlo. Tiene esa madurez, lo mismo que la tenía con La Celestina hace dos años.

En ese año 1986 Ricardo se había tropezado con la obra  de Brecht en el Berliner Ensemble y desde entonces

  • siempre he pensado que la guerra con armas o soterrada está siempre ahí. Esa frase "Ninguna causa está perdida, mientras un insensato esté dispuesto a luchar por ella", da igual que haya guerra o no, como puede ser la causa de creer en un mundo mejor, o la causa de luchar contra todas las injusticias, y eso, en este país, llevamos un buen recorrido. Hace dos años, cuando la estrenamos, la motivación era cumple 30 años Atalaya y "qué obra vamos a hacer". Entonces ahora que Mamen  tiene la edad, 48 años, ahora es el momento. El objetivo que tenía desde el año 1986, se podría hacer realidad. Lo mismo que ahora, tengo el objetivo de hacer Rey Lear, pero tengo que esperar a que los actores tengan más edad. Para mí hay iconos del teatro. Lo mismo sucedió con Celestina. Tuve que esperar. Para mí Madre Coraje es la gran obra de Bertold Brecht, con mucha diferencia a las otras, y tenía que hacerla. Madre Coraje, en gira, a nivel profesional, no se ha hecho tantas veces. Está la de Gerardo Vera, la de del Centro Dramático de la Generalitá y Vicky Peña hizo de Madre Coraje, que antes había hecho de muda en el María Guerrero bajo Lluis Pasqual, Amelia de la Torre en el montaje de José Tamayo. Se pueden contar con los dedos de la mano, y es uno de los textos más potentes del siglo XX. Ahora es más vigente que en ninguno de esos momentos.

CARMEN CABALLERO: DE CELESTINA A MADRE CORAJE

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CARMEN GALLARDO
FOTO: www.madridteatro.net
 

Carmen Gallardo lleva toda la vida en el grupo Atalaya y ha sido protagonista de muchos de los espectáculos. Últimamente fue Celestinay ahora Madre Coraje. En la conversación el "andalú" es su acento, aunque en escena lo es el castellano. En sus primeros montajes el "andalú" también presidía la escena, pero, según Ricardo, no por un prurito de representar en lengua autóctona, sino porque para el grupo, y en concreto Carmen rozaba la dificultad.

Carmen como declaración de principios no pretende defender a Madre Coraje.  La razón de hacer teatro, para Carmen es

  • para remover las conciencias de la gente,  y que el público cuando se vaya se plantee cosas, dudas y quitarle un poco el sueño. Gracias al distanciamiento brechtiano, no tenemos que compadecernos de esta mujer, por lo que le pasa. En realidad es un símbolo entre comercio y la guerra. Por su pragmatismo acaba teniendo pérdidas irreparables que son sus propios hijos.
  • Es una metáfora con la guerra en la que se pierde la libertad, hijos y multitud de vidas humanas. Si no llega a aparecer ese niño ahogado en la playa, mucha gente no toma esa conciencia. El tema es "cuándo va a durar esa conciencia". Por ejemplo con la niña de Napal, con la bomba, cayéndosele a tiras la piel, removió conciencias, duró un tiempo y luego pasó. Ahora mismo tenemos cinco obras en cartel: Celestina, Marat-Sade, Madre Coraje, Ricardo III y preparando Así que Pasen cinco años de Lorca- precisa Ricardo. Reivindicamos el trabajo colectivo y son esos mismos actores los que están en esos cinco espectáculos. Un teatro también de repertorio.

DE LAS 22.000 PALABRAS DEL ORIGINAL
NOS HEMOS QUEDADO CONUNAS 12.000

Del texto de Brecht se han aprovechado las acotaciones. Baja un micrófono y uno de los actores narra lo que va a suceder.

  • La primera acotación indica: "Estamos en 1630, pero bien podría ser otro año de cualquier otro país de Europa". Esto último se lo añadí yo.

Tal añadido, lo mismo que cualquier otras supresión estaban muy vigiladas por la hija de Bertold Brecht, la actriz Bárbara Brecht, que no permitía ningún cambio. Venía a ser algo así como el terror de los adaptadores y directores. Su fallecimiento a los 84 años de edad, anuncia, en principio, un respiro en lo referente a la fiscalización de los escritos de su padre.

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  FOTO: ATALAYA

Esta versión dura un hora y media, con lo cual quiere decir que se ha acortado. De las 22.000 palabras del original han quedado unas 12.000 palabras.

  • Hemos eliminado lo que suena a didactismo, por el modo en que lo cuenta, pero se mantiene la esencia que es muy brutal. Es una tragedia griega con elementos muy burlescos. Sus personajes son grandes personajes de la literatura del siglo XX. Hemos estado en las 15 autonomías peninsulares, y ahora iremos a Canarias, y en todas la respuesta es unánime: el público en pie con una emoción muy especial.

TENGO LA NECESIDAD DE APRENDIZAJE CONTINUO

Los textos por los que navega el grupo Atalaya, son de autores consagrados, lo cual aporta una seguridad, aunque también un riesgo. Con autores jóvenes también ha corrido con el riesgo, pero

  • los dos últimos textos de autores no consagrados como fue Exiliadas de Borja Ortiz y Ariadna de Marina Tsvetáyeva con dramaturgia de mi hermano Carlos, son con diferencia los montajes de Atalaya que menos se han hecho, en los últimos años. en años anteriores se hicieron El espejismo de José Manuel Olivero y La oreja izquierda de van Gogh de Antonio Álamo. Son los cuatro espectáculos que menos hemos hecho y, al ser teatro privado, estuvimos a punto de irnos a la quiebra. No podemos permitirnos ese lujo. Este año estamos en cuatro teatros públicos en el 1 de mayo de 2015 y 1 de mayo de 2016, el Lliure, el Español, el Pavón, y el Centro Dramático Nacional. Aún así estamos llegamos justos económicamente. Aparte de este condicionamiento, también hay otra razón: yo aprendo mucho con estos autores que con mucho respeto para con Olivero, Borja o Álamo, no aprendí tanto. Descubrí al Lorca surrealista, a Valle Inclán, a Peter Weiss con Marat-Sade... Son inmortales. Tengo todavía la necesidad del aprendizaje continuo. Me he guardado para mí lo que decía Irene Papas con ochenta y tantos años: "Yo quiero seguir aprendiendo como actriz". Cumplo 60 años el año que viene, pues quiero seguir aprendiendo.     
 


José Ramón Díaz Sande
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Última actualización el Viernes, 18 de Septiembre de 2015 20:04