Iolanta. Perséphone.Ópera. Entrevista Imprimir
Escrito por José R. Díaz Sande   
Viernes, 20 de Enero de 2012 09:58

IOLANTA

y

PERSÉPHONE

 

A LA BÚSQUEDA DE UN NUEVO MUNDO

 

 
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Iolanta de Piotr Ilich Chaikowski y Perséhopne de Igor Stravinski son dos títulos no habituales en los escenarios operísticos. Llegan unidos al Teatro Real y para Miguel Muñiz - director general del Teatro Real de Madrid - es un acontecimiento...

 

·         ...importantísimo pues se trata de un estreno mundial. Hay que resaltar también la venida de Peter Sellars, parte importantísimo del teatro musical y que no necesita presentación, y del director Teodor Currentzis, que en Moscú ha dirigido el montaje del Teatro Real: Ascensión y Caída de la ciudad de Mahagonny. Teodor es la primera vez dirige ópera en el Real. Sólo había dirigido en el Real un concierto sinfónico.

 

IOLANTA+PERSÉPHONE: CAMBIAR EL MUNDO EN QUE VIVIMOS

 

Este proyecto nació hace tiempo según Gerard Mortier, Director Artístico del Teatro Real:

 

·         Es un proyecto que viene desde hace largo tiempo. Peter Sellars me habló hace muchos años. Al llegar yo a Madrid me dije: lo hacemos. Sigue la línea dramatúrgica de San Francisco pues tiene los mensajes de la luz y la espiritualidad. Iolanta y Perséphone son dos óperas que tienen que ir unidas. Las dos vienen protagonizadas por personajes femeninos que relatan historias transformadoras. Se trata de dos melodramas cargados de simbología que navegan de la luz a la oscuridad y viceversa. Este es el mejor proyecto que podemos elegir para esta Europa en crisis. Se trata de un gran mensaje sobre la felicidad, que no está solamente en el dinero, sino en otras muchas cosas. Podemos vivir con menos dinero y ser más felices. Es un espectáculo sobre la "luz" y cómo empezar de nuevo.

 

No es casual que sea Peter Sellars quien se haya encargado de la puesta en escena. Amén de su prestigio internacional como director de escena, en lo que respecta a Gerard Mortier es una colaboración que viene

 

·         desde hace 25 años - continúa Mortier -, y que pienso en él para el futuro del Teatro Real. Visité el Teatro Nacional de Washington. Vi Ayax y después colaboré con él en Bruselas. La colaboración con él ha sido una reflexión permanente en proyectos que intentan cambiar el mundo en que vivimos. Tenemos una gran necesidad de contar lo es la clemencia y el vivir en paz la humanidad.  Peter nos ha dado un Mozart nuevo, con nuevas visiones. Es un hombre que en el teatro sabe crear una atmósfera de humanidad con el coro y con todo el equipo.

 

PETER SELLARS: UNA ALEGRE CATARATAS DE VITALIDAD

 

PETER SELLARS
FOTO: JAVIER DEL REAL

Peter Sellars es un personaje curioso. La sonrisa, la carcajada y una gran vitalidad afloran continuamente. Su colorido vestuario, largos collares de bisutería  y pelo-pincho lo acercan a un entrañable personaje de "comic". A nivel informativo es una catarata de palabras y de vitalidad. Es normal que siempre, por cortesía con la nación anfitriona se diga "estoy encantado de estar aquí". Este "ritornello" suena auténtico en boca de Peter. Para Peter:

 

·         estas dos obras son visionarias. Se  encuentran en la línea de San Francisco y responde a la pregunta: "¿Qué podemos hacer para dar una visión de un nuevo mundo y nuevas experiencias?" La música facilita todo esto. Se trata de una música sacra, que no quiere decir clerical, de monasterio, de sinagoga o de mezquita.

 

Como San Francisco estas óperas fracasaron en sus estrenos.

 

·         Me fascinan las obras que en su primer debut no tuvieron éxito - continúa Peter. San Francisco fue un desastre. Se reconoció que como música era fenomenal, pero como ópera un desastre. Posteriormente en Salzburgo Gerard Mortier cogió este desastre y lo convirtió en una ópera nueva. Habría muchísimo que decir sobre esto. La intuiciones de Mortier son increíbles como siempre. Es el colaborador que he buscado toda la vida.

 

TEODOR CURRENTZIS: BUZEADOR DEL DRAMATISMO DE LA MÚSICA

 

TEODOR CURRENTZIS
FOTO: JAVIER DEL REAL

Con respecto a la dirección musical del director musical Teodor Currentzis ve en él una cualidad no frecuente:

 

·         Nunca tuve un director musical que explicase a los cantantes la estructura musical. Se mete de tal manera en el dramatismo de la música, que analiza si el drama puede ser musical. Con ello eleva el mundo del teatro aportando los valores más profundos de la música. Teodor hace todo más profundo. Insiste en profundidad en la belleza musical, evitando toda rutina al dirigir. hace que los cantantes experimenten todo de modo consciente. Trabajar con él es de una facilidad increíble.

 

Teodor Currentzis (Grecia) en los años noventa se trasladó a San Petersburgo para estudiar bajo la tutela de Ilya Musin, maestro de directores musicales como Temirkanov, Gergiev y Bychkov. Afincado en Rusia, en 2008 debuta en la Ópera Nacional de París y un año después en el Teatro Bolshoi de Moscú con Wozzeck. A partir de entonces varios títulos de ópera y ha dirigido la mayoría de las grandes orquestas rusas. En dos ocasiones ha recibido el Premio Máscara de Oro

 

·         Con Teodor me une una gran amistad, aunque es muchos más joven que yo - declara Gerard Mortier. Coincidí con él en Don Carlo y Macbeth en París. El año próximo lo volveremos a tener en el Real. Es de los más importantes directores musicales de la nueva generación y de las estrellas de la dirección musical. Nos vimos en el Bolshoi con motivo de la exitosa producción del Teatro Real Ascensión y Caída de la ciudad de Mahagonny. Vi que podía ser interesante formar un equipo: Sellars y Teodor. Era importante para el Real, y hay un proyecto para el 2014 en el Real, donde volverán a trabajar juntos.

 

GERARD MORTIER: LA RESURRECIÓN DE ÓPERA MUERTAS

 

·         Me siento afortunado por estar en esta ciudad tan bella, tan especial - declara Teodor. Como viajero que soy lo puedo constatar. Madrid es muy especial pues la gente es muy abierta, liberal y emotiva. Se implica en lo emocional y hace que la música no sea mera reproducción. En este momento es la más afortunada de Europa por tener a Gerard Mortier. En los años noventa los jóvenes éramos "fans" de él, pues creaba una nueva estética en lo lírico. Crecimos con esto y sin ello no estaríamos donde estamos ahora. Cuando nos reunimos las Compañías hablamos de lo que podemos crear y del futuro de la lírica. Surge una actitud pesimista y viene el comentario:"Si estuviera Gerard Mortier", sabríamos hacia dónde vamos. Una de sus cualidades es partir de una obra que no se entiende en la actualidad, pero sí en el futuro. Él es quien puede dar los cambios necesarios. 

 

TCHAIKOWSKY: IOLANTA Y CASCANUECES.

 

 
 IOLANTA
EKATERINA SXHERBACHENKO/ PAVEL CERNOCH
FOTO: JAVIER DEL REAL

Para Peter Sellars:

 

·         Iolanta es la ópera más personal y visionaria de lo que hizo Tchaikowsky. Parece una contradicción pero así fue. Cuando se presentó - 18/XII/1892, Teatro Marinski de San Petersburgo -, lo hizo con el ballet El Cascanueces. Antagónicos, se destruían uno a otro. En Iolanta no hay ninguna historia para niños y no es un cuento de hadas como El Cascanueces. En Iolanta se manifiestan las emociones y sentimientos rusos. Tchaikowsky se tiene que enfrentar, a nivel personal, con una serie de elementos peligrosos de su propio ser, que le asustan.

 

Iolanta de Modest y Piotr Thchaikowsy está basada en la obra en un acto del danés Henrik Hertz: Kong Renés Datter (La hija del Rey Renato). La obra la  tradujo Fiódor Miller y la adaptó a la escena rusa Vladimir Zotov.

 

·         No es una historia de castillos medievales - continúa Peter -, sino de la sed espiritual y física del propio Tchaikowsky. Es una obra que influyó profundamente en él. En ese momento es el compositor más famosos y está en la cumbre. Acababa de venir de América de inaugurar el Carnegie Hall.

 

El Carnegie Hall (Manhattan, Nueva York) es una sala de conciertos de las más famosas de Estados Unidos, que admite tanto músicos clásicos y como  populares. Destaca su extraordinaria acústica.

 

Iolanta nos lleva hasta el siglo XV, en la Provenza. Iolanta es ciega, pero no sabe que lo es. Su curación sólo será posible si toma conciencia de su ceguera. Un hombre enamorado, Vaudémont, le descubrirá la verdad y lo que supone la luz y la oscuridad. El mensaje que está en la base es: "Conócete a tí mismo". Es la única forma de poder vivir en plenitud.

 

EL PROBLEMA SOY YO

 

PIOTR ILICH TCHAIKOWSKY

·         Después de 11 meses del estreno - 6/XI/1893, San Petersburgo - terminó con su vida. En su música se encuentra esta lucha de quedarse o irse. Al final siente que "si me marcho tranquilamente será mejor el mundo. El problema soy yo". No se suicidó de forma espectacular, un pistoletazo, sino que terminó de forma tranquila.

 

La versión oficial de su muerte se atribuía al cólera, por beber agua contaminada.  Con posterioridad fue cobrando cuerpo el "suicidio". El motivo inmediato parece ser que un compañero de la Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo le impuso la sentencia de muerte en un "tribunal de honor", condenado así su homosexualidad. Se trata de una teoría emitida por la musicóloga rusa Alexandra Orlova cuando en 1979 emigro al Oeste. No obstante su teoría no está claramente demostrada y , debido a su fama, se echó tierra sobre ella.

 

Acerca del conflicto interno de su homosexualidad los investigadores han elucubrado con diversas teorías. Una más generalizada es que aceptó su homosexualidad, visto que era algo inevitable y formaba parte de su propia personalidad, pero su conflicto se centró en que eso pudiera salir a la luz dada su fama y el malestar para su familia.  El tal conflicto le llevaría al suicidio, que algunos niega y remiten su muerte a una enfermedad. El problema sin resolver es ¿de qué enfermedad murió?

 

 
 IOLANTA
FOTO: JAVIER DEL REAL

 

Todo ello se ha visto reflejado en su música y para Peter Sellars:

 

·         No ha habido compositor con su fuerza vital. En Iolanta se pueden sentir dos caras: la tragedia personal de marcharse de este mundo, pues el problema es el mismo, y al mismo tiempo la fuerza vital de sus maravillosa y bellísimas melodías. Cada situación, que desgarra el corazón, es una melodía cada vez más bella y con una armonía maravillosa. Con su hermano Modest transforma totalmente la obra teatral Iolanta, y la llevan al terreno político y social. Todos conocemos la historia de Iolanta. Un Rey tiene una hija ciega y crea un regla para todo el reino: a nadie se le permite mencionar lo que es la luz, la belleza y la verdad. Todos participan de esta gran mentira, par no contar la verdad. Todo el sistema es mentiroso y ellos mismos son el problema. Asumen su falta vital, ya que la situación es tener que mantener la mentira. Vemos cómo para mantener la vida humana, es necesario mantener la mentira.

 

LOS NEGROS DEJAN DE SER CRIADOS O ESCLAVOS.

 

IOLANTA
WILLARD WHITE /
EKATERINA SCHERBACHENKO
FOTO: JAVIER DEL REAL

Peter Sellars desvela en Iolanta un cambio de tuerca con respecto a ciertos convencionalismos sociales:

 

·         El papel para los actores o cantantes negros en el siglo XIX era el de criados, idiotas, tontos o esclavos. Tchaikowsky crea el papel Ibn-Hakia como un sufit africano. En la obra original es de Córdoba. Los hermanos Tchaikowsky lo cambian y lo sitúan en la África negra. Es un hombre negro que es el que aporta la luz y el valor. Es la única persona capaz de enfrentarse al sistema de mentira, que está funcionando.

 

El diagnóstico de Ibn-Hakia es contundente: Sólo cuando Iolanta sea consciente de la verdad, estará curada, ya que sólo la voluntad del espíritu puede arrojar luz en la oscuridad de la carne. La solución viene de un negro. Esta es la revolución de los Tchaikowsky.

 

LA MÚSICA SACRA PARA UNA OBRA SACRA

 

·         Se sabe - añade Peter Sellars - que Tchaikowsky amaba mucho la música tradicional rusa de las Iglesias. Es algo que compartía con Igor Strawinsky. Lo que no soportaba era la música ortodoxa rusa de la Iglesia y sus servicios largos y aburridos, que lo único que hacían era fomentar la hipocresía. Así pues, hizo su propia música sacra. El Arzobispo de San Petersburgo se puso furioso y le pareció un sacrilegio. Pidió al Zar Alejandro II que prohibiese hacer tales arreglos y que no fueran cantadas en la Catedral de Rusia. Como respuesta a esta decisión con su propio dinero contrató un Coro en el teatro de enfrente a la Iglesia. Esa música tradicional era la que más quería y la adaptó con sus propias armonías. Hemos elegido uno de esos coros, y lo cantamos en Iolanta. Esta música sacra el viene muy bien a una obra que es sacra.

 

Para Teodor Currentzis, Tchaikowsky y Strawinsky son almas gemelas y van a contracorriente del nuevo clasicismo:

 

·         La base del sonido la encuentran en el siglo V antes de Cristo, que nadie sabe cómo era exactamente. Busca, sobre todo Strawinsky, el sonido relacionado con esto. Pasada las modas del momentos volvió a sus "Canticles" (Cánticos)y los puso en su último Requiem de Canticles. Lo que hace es provocar a la sociedad y busca caminos nuevos. Frente a las grandes orquestas busca grupos pequeños. Para Strawinsky la música puede ser varia a lo largo de la historia, pero su corazón estaba en Tchaikowsky.  Es importante comprender que lo más provocativo no es algo que viene de fuera, sino que procede de dentro de uno mismo. Tchaikowsky tuvo esa oportunidad para crear ese imperio de belleza, un cielo artificial. Quiere vivir. Hace todo el esfuerzo posible para crear esto, pero se ve repleto del vacío. En este vacío siente la soledad universal.

 

PERSÉPHONE
FOTO: JAVIER DEL REAL

 

PERSÉPHONE: DE LA LUZ A LA OSCURIDAD

 

Strawinsky también compuso música sacra y según Peter Sellars:

 

·         estuvo mucho tiempo intentando ver cómo sería la Iglesia Rusa fuera de Rusia. Creó su Misa de Pascua y esta es Perséphone, que es una historia de resurrección. Una renovación de la vida.

 

Perséphone, hija de Zeus y Deméter aspira la fragancia de un narciso y se siente conmovida por el el caminar de las almas en el inframundo. Eumolpe, portavoz de las sombras, insta a descender a los infiernos para consolarlas con su juventud. Llegados a los Infiernos, Perséphone descubre que las almas no están a disgusto. Vuelve a oler un narciso y descubre que su madre Deméter la busca, pues la primavera ha desaparecido y la esterilidad inunda los campos. Perséphone decide regresar. Recuperada la primavera, Perséphone decide volver a los infiernos, donde está el sufrimiento humano.

 

IGOR STRAWINSJY

La diferencia mayor con respecto al mito original es que Perséphone no es raptada por Plutón y llevada los Infiernos, sino que ella baja voluntariamente.

 

·         En realidad Perséphone aparece ligada a la obra de Tchaikowsky - continúa Peter. Se conoce de sobras la relación artística de Strawinsky con Los Ballets rusos de Diaghilev. Los dos eran hijos del pueblo y crearon dramas simbolistas. Pasado el modernismo, Diaghilev dijo "tenemos que devolver La Bella Durmiente de Tchaikowsky a la vida". Hacía 25 años que no se interpretaba. Las partituras no se encontraban y Diaghilev recurrió a Strawinsky. Éste revisó todos los manuscritos de Tchaikowsky y pasó a limpio las partituras de la orquesta. Así descubrió cómo era la música tardía de Tchaikowsky, tanto desde el punto de vista rítmico como musical. Se obsesionó de tal modo con él que su influjo se comenzó a sentir en su obra de los años 1930. Así nació Le baiser de la fée que alguien dijo que era "¡la mejor música que Tchaikowsky escribió jamás".  Después vino Perséphone donde reproduce texturas, coros femeninos, los vientos y los ritmos en modo igual al tardío Tchaikowsky. Perséphone es música de gran fragilidad, delicadeza, e incluso feminidad.

 

PERSÉPHONE
DOMINIQUE BLANC / PAUL GROVES
FOTO: JAVIER DEL REAL

EL INFIERNO DE PERSÉPHONE

RETOMADO EN VÍSPERAS DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

 

Perséphone es un melodrama en tres cuadros que procede del poema de André Gide.

 

·         En los años 1933 al 1934 Strawinsky y Gide tienen una gran relación por los acontecimientos políticos que se están dando en Europa. Y de aquí brota un parentesco con Tchaikowsky y su época. Iolanta fue un gesto político, chocante para aquellos tiempos, pero ahora en los años treinta están sucediendo cosas nefastas para Europa. En 1933 el nazismo cobra auge en Alemania. En Rusia se establece la era del terror por Stalin. El fascismo se extiende por Francia, Italia, y España. Gide y Strawinsky hacen un esfuerzo por salvar la cultura europea. Es conmovedor que Gide, un intelectual francés de izquierdas que defendió a la nueva Unión Soviética, se desilusionó al ver en lo que se había convertido aquella utopía comunista. Escribió Perséphone: la historia de una mujer que dice que al regresar al mundo "que es estupendo ver a todo el mundo y me alegra encontrar a mi madre, pero, sabe usted, tengo que volver al infierno porque es allí donde la gente necesita solidaridad".

 

Para salvar esa cultura Gide y Strawinsky acuden a los mitos fundamentales de la ritualización griega.

·         en los tiempos de Deméter se da la cosecha agrícola y la concienciación de la cultura, que descubre lo que supone esa cosecha. Es la primera vez que los humanos crean la sociedad. Cuando se ve que los mitos fundamentales en la vida del ser humano se destruyen por la violencia, se crea una música de ternura, fragilidad, fragancia y delicadeza profunda. No es una textura dura. Ello hace que el espectador regrese a su casa con la sensación de algo cálido, generoso, humano - concluye Peter Sellars.

 

 

IDA RUBENSTEIN EN LA BASE DE PERSÉPHONE

 

 
 PERSÉPHONE
SAM SATHYA
FOTO: JAVIER DEL REAL

Perséfhone se creó gracias a la actriz y bailarina Ida Rubenstein que conjuntaba danza y teatro musical. Strawinsky, siguiendo la línea de Ida Rubenstein creó una obra de arte integral: canto solista( un tenor) y coral, danza (bailarines) , recitación (actriz) y mímica. Los bailarines en esta versión son camboyanos e interpretan danzas camboyanas.

 

·         Esos bailarines - desvela Peter Sellars - traen consigo a escena semillas muy potentes de su propia historia y de su forma artística. Cuando Polo Pot - dictador camboyano desde 1960 hasta su muerte en 1998, líder de los Jemeres Rojos y responsable del genocidio camboyano - se hizo con el pode en Camboya, la danza clásica camboyana estaba asociada a la corte real. su primer objetivo fueron los bailarines. los asesinó y solo un 10% logró sobrevivir Quemo todos los decorados y vestuario. De este modo destruía una  tradición de mil años de antigüedad en un par de semanas. tras esto la danza camboyana se construyó partiendo de cero, pieza a pieza, gesto a gesto, con un grupo totalmente nuevo de gente joven, que no tenía formación. Para mí, es realmente abrumador. Una de las personas que sobrevivió  es la abuela de una de las bailarinas que estarán en nuestro escenario. Para mí, la imagen de la danza camboyana es la imagen del regreso de entre los muertos, una imagen de resurrección .

 
 PERSÉPHONE
FOTO: JAVIER DEL REAL

 


José Ramón Díaz Sande
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Última actualización el Martes, 31 de Enero de 2012 17:11