XXIV FESTIVAL DE OTOÑO 2007 de MADRID Del 15 de octubre al 18 de noviembre

Foto: Hugo Glendinning

Sobre la Compañía

El National Theatre se fundó en 1963 y de él dependen tres teatros, el Olivier, el Lyttelton y el Cottesloe. Dirigido en la actualidad por Nicholas Hytner presenta una mezcla ecléctica de obras modernas y clásicas, con unas seis o siete producciones siempre en escena. Deborah Warner es una de las más influyentes dramaturgas inglesas.

Entre sus trabajos de dirección en teatro se encuentran La buena persona de Sezuan, Woyzeck, La Tempestad, Hedda Gabler - Premio Olivier a la Dirección y Producción- y Medea, entre otros. Su trabajo en el mundo de la ópera abarca montajes como Don Giovanni, Dido y Eneas y más recientemente, La muerte en Venecia, un proyecto con Ian Bostridge para la English National Opera.

También ha dirigido películas de cine como The Waste Land y El último septiembre, ambas presentadas en el Festival de Cannes.

Deborah Warner es Caballero de las Artes y las Letras del Imperio Francés desde 1992 y Oficial de las Artes y las Letras desde el año 2000.

Dirección: DEBORAH WARNER
Intérpretes: FIONA SHAW y TIM POTTER
Escenografía: TOM PYE
Diseño de iluminación: JEAN KALMAN
Ambientación sonora: MEL MERCIER
Diseño de sonido: CHRISTOPHER SHUTT
Diseño de vestuario: LUCA COSTIGLIOLO
Idioma: inglés con sobretítulos en español
Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos (con intermedio)
http://www.nationaltheatre.org.uk/
 

Foto: Cosimo Mirco Magliocca

Ella siempre tiene razón. Ella ama reír y ama el mundo, ama seducir a quien se le aproxima y gozar del instante, vencer siempre; ella brilla en la corte, electriza los salones, resplandece. Nada la desanima, nada le fascina más que este “grandioso amor” de Alceste, excesivo y oscuro. Bella y coqueta, Célimène abraza a su misántropo sin conseguir reducir su rígida moralidad. Contra el juego de las apariencias, él impone franqueza y honor, denuncia las vanidades mundanas, la maldad hipócrita camuflada bajo las buenas maneras, la industria perversa de los oportunistas. Él juzga a los hombres por sus actos y prefiere el desierto al compromiso. Él siempre tiene razón.

En 1666, Molière y Armande Béjart, pareja de escena y de vida, protagonizaron esta pieza. Mitad burla amarga, mitad comedia, Le Misanthrope (El misántropo) (1666) es un cuadro apasionado del rechazo y la necesidad del otro a partes iguales. La Comédie-Française lleva al escenario un retrato de la corte de Luis XIV, esplendorosa y frívola hasta la caricatura. Una profunda meditación sobre la naturaleza humana, la fortaleza de las convicciones morales, la hipocresía

y las demostraciones de falsa amistad. Esta versión de Le Misanthrope se estrenó en la Salle Richelieu de la Comédie-Française en mayo de 2007.

Sobre la Compañía

La Comédie-Française es la compañía más antigua del mundo occidental. Fundada por decreto de Luis XIV en 1680, nace de la agrupación de varias compañías, entre las que se encontraban La troupe de Molière que actuaba en el Hôtel de Guénegaud y la rival, que actuaba en el Hôtel Bourgogne. Hoy en día está compuesta por 57 actores - sus estatutos prevén que puede acoger un máximo de 70 -. Los miembros de la Comédie-Française tienen exclusividad con la compañía, aunque con el beneplácito del Administrador General pueden obtener un permiso puntual para hacer cine, televisión o teatro. La compañía ha llevado a escena clásicos de Molière, Racine, Corneille, Beaumarchais, Musset, Regnard, Dancourt, Marivaux y Victor Hugo, entre otros.

Lukas Hemleb, director de esta versión de Le Misanthrope, comenzó su carrera de dramaturgo en la Schaubühne de Berlín y ha llevado a los grandes teatros de Alemania montajes de autores como Pirandello, Mogol, Calderón y Hebbel.

Dirección: LUKAS HEMLEB
Intérpretes: THIERRY HANCISSE, ISABELLE GARDIEN, ERIC GÉNOVÈSE, FLORENCE VIALA,
CLOTILDE DE BAYSER, GUILLAUME GALLIENNE, GILLES DAVID, CLÉMENT HERVIEU-LÉGER,
MARIE-SOPHIE FERDANE, CÉDRIC MICHEL, OLIVIER AUGROND y PATRICK CAILLARD
Escenografía: JANE JOYET
Diseño de vestuario: ALICE LALOY
Diseño de iluminación: XAVIER BARON
Realización sonora: VANESSA COURT
Maquillaje: SYLVIE CAILLER
Maestro de armas: FRANÇOIS ROSTAIN
Asesor de danza: JOSEPH FOWLER
Asistente de dirección: STÉPHANIE RISAC
Idioma: francés con sobretítulos en español
Duración aproximada: 3 horas (con intermedio)
http://www.comedie-francaise.fr
http://teatrodelazarzuela.mcu.es

STEFAN OKOLOWICZ

Franz Josef Murau, profesor de filosofía autoexiliado en Roma, recibe un telegrama que anuncia la repentina muerte de sus padres y de su hermano mayor en un accidente de tráfico. La tragedia pone en marcha los engranajes de la memoria. Una madre de la alta sociedad enredada en las hipocresías de salón. Un padre nazi. Un país, Austria, contaminado por el fascismo latente. Franz se reconcentra, entre la razón y la alucinación, en la narración de su vida como único modo de exorcizar las sombras más oscuras del alma: las que proyectan sus propias raíces. El funeral marca el punto de inflexión hacia un delirio turbador en el que el protagonista debe enfrentarse a la herencia familiar, a los espectros de los padres, al peso de la culpa, a la aniquilación.

Con un elenco de veintitrés intérpretes conmovedoramente entregados a la recreación de las miserias y grandezas de los personajes, Lupa lleva a escena su traducción del texto de Thomas Bernhard con un instinto escénico deslumbrador. Wymazywanie (Extinción) basado en Auslöschung de Bernhard, se estrenó en

marzo de 2001, desde entonces, crítica y público han experimentado el milagro de estas seis horas de representación.

Sobre la Compañía

El Teatr Dramatyczny de Varsovia, fundado en 1949 y situado en el Palacio de Cultura y Ciencia de la capital polaca, es uno de los teatros más famosos de Polonia. Responsable de la organización del más importante festival de teatro del país, el Warszawskie Spotkania Teatralne (Encuentros Teatrales de Varsovia), organiza también desde 2002 SPOTKANIA (Encuentros), el prestigioso festival de teatro internacional. Cuenta con la colaboración habitual de los más reputados directores de la escena polaca. Entre ellos, precisamente Krystian Lupa,

condecorado con la Cruz al Mérito de Austria y la Orden de las Bellas Artes y Humanidades de la República Francesa. Entre los montajes de Lupa se encuentran otras adaptaciones de obras de Thomas Bernhard como Ritter, Dene, Voss (1996), Immanuel Kant (1996) o Los sonámbulos (1998) y de clásicos rusos como Los Hermanos Karamazov de Dostoievski o Tres hermanas de Chéjov.

Idioma: polaco con sobretítulos en español
Duración aproximada: 6 horas (con tres intermedios)
http://www.teatrdramatyczny.pl
http://cdn.mcu.es
 

Sobre la Compañía

Bajo la dirección artística de Calixto Bieito, la compañía Teatre Romea se ha consolidado gracias a su compromiso con la innovación y el riesgo, constituyéndose en compañía estable con sede en el Teatre Romea de Barcelona. Entre sus montajes destacan La Presa, de Conor McPherson, dirigida por Manel Dueso; Tots eren fills meus, de Arthur Miller (1999-2000), con dirección de Ferrán Madico; o Mestres Antics, de Thomas Bernhard, dirigida por Xavier Albertí.

Calixto Bieito es el director escénico español con más proyección internacional, habiendo recibido sus puestas en escena operísticas y de los grandes dramaturgos españoles, críticas elogiosas en los grandes festivales europeos. Del estilo de Bieito, la crítica subraya su potente sentido del espectáculo y la mirada contemporánea de sus puestas en escena.

Para Teatre Romea ha dirigido, entre otras, El rey Lear (2004), Macbeth (2001-2002), La vida es sueño, La ópera de los cuatro cuartos, de Brecht/Weill, Plataforma y Peer Gynt.

Compañía y director han recibido decenas de premios nacionales e internacionales.

Dirección: CALIXTO BIEITO
Dramaturgia: CALIXTO BIEITO y MARC ROSICH
Música original: CARLES SANTOS
Intérpretes: COMPAÑÍA TEATRE ROMEA
Diseño de escenografía: ALFONS FLORES
Diseño de iluminación: XAVI CLOT
Diseño de vestuario: MERCÈ PALOMA
Coproducción: Institut Ramon Llull, Teatre Romea, Ajuntament de Viladecans y Hebbel am Ufer
Idioma: catalán con sobretítulos en español
www.teatreromea.com
www.madrid.org/clas_artes
 

Foto: Evan Kafka

Thaddeus Phillips, colaborador de Robert Lepage, interpreta a Polonio Castro, campesino colombiano que viaja a la gran ciudad persiguiendo su sueño: convertirse en una gran estrella del culebrón. Sin embargo, su cómico periplo comienza, no en un plató de televisión, sino en la portería de una exótica casa de vecinos habitada por los personajes más disparatados: una anciana que intenta seducirle, un hombre que no ha salido de su casa en ocho años, un narcotraficante celoso…

¡El Conquistador! es al mismo tiempo película - los vecinos se comunican con Polonio mediante un vídeo citófono que los espectadores vemos en una gran pantalla-, obra de teatro, historia épica y telenovela. Famosos actores

colombianos como Cristina Campuzano, Luis Fernando Hoyos, Helena Mallarino, Tatiana Mallarino, Víctor Mallarino y Antonio Sanint encarnan a los inquilinos de este edificio, demostrando que a veces la vida real es más intrigante, surrealista y absurda que la telenovela más enrevesada. Diálogos trepidantes, energía, suspense, experimentación multimedia, paisajes rurales y urbanos de la Colombia contemporánea y un hombre de teatro, Thaddeus Phillips, que despliega carisma, imaginación y osadía. Su interpretación del portero Polonio le valió una nominación a los premios Drama League 2007 en la categoría de Mejor Actor.

¡El Conquistador! es una producción de New York Theatre Workshop y se estrenó en el Philadelphia Live Arts Festival en 2004; un año después fue nombrada Mejor Producción Teatral de 2005 por el Denver´s Westword y nominada en 2007 al premio Lucille Lortel en la categoría de Mejor Espectáculo con un Solo Intérprete.

Sobre la Compañía

Thaddeus Phillips es un hombre de teatro en el sentido más amplio del término. Comparado por la crítica con Roberto Benigni, Charlie Chaplin o Rowan Atkinson, es Director Artístico de la compañía norteamericana The Lucidity Suitcase Intercontinental caracterizada por llevar a escena temas contemporáneos y textos clásicos con un diseño innovador, valiente y original.

Entre los trabajos de la compañía, todos obra de Phillips, se incluyen: Flamingo/

Winnebago, Red-Eye to Havre de Grace, The Tempest - La Tempestad, interpretada en una piscina para niños-, Planetlear - una versión de marionetas de El rey Lear de Shakespeare-, Lost Soles y The Earth´s Sharp Edge.

Thaddeus Phillips colaboró como escritor y actor en La geometría de los milagros de Robert Lepage, un proyecto que se presentó en Toronto, Madrid, Lisboa, Barcelona, Londres, Glasgow, París, Mauberge, Bogotá, Chicago, Iowa City, Minneapolis, Montreal y Nueva York.

Creación: THADDEUS PHILLIPS, TATIANA MALLARINO y VÍCTOR MALLARINO
Dirección: TATIANA MALLARINO
Interpretación y diseño: THADDEUS PHILLIPS
Diseño de iluminación: JEFF SUGG
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
http://luciditysuitcase.org
www.cuartapared.es
 

Este Quijote no es una obra de época. Ni la reproducción de un tiempo extinguido. Ni siquiera se representa en español. El hidalgo manchego es representado por Greg Hicks, uno de los más importantes actores teatrales británicos. Este Quijote vive de la tensión entre la imaginación y el fascismo de las ideas y parece una road movie sobre la llanura infinita de la Mancha, más espacio metafísico que simple paisaje. Aquí y ahora, año 2007. Una mirada actual, un sorprendente viaje de la realidad a la ficción mientras vamos y venimos del presente al pasado, del pasado al presente. Una compleja maquinaria escénica, filmaciones y un lenguaje teatral netamente contemporáneo para conseguir la convivencia de dos tiempos. En este mosaico de pequeñas y grandes historias hay ingeniosos caballeros y fieles escuderos, amantes, molinos, gigantes, duques, duquesas y el mismísimo diablo.

Hay humor, literatura y poder. Imaginación y realidad. La sociedad y el pensamiento de un tiempo. Todo esto mientras el protagonismo pasa dinámicamente de un personaje a otro con una mirada irónica sobre un universo en su totalidad. El encantamiento de la locura y, al final, el desencantamiento

como principio inevitable de la muerte. Un espectáculo que asombra y deleita, que hace reír y emociona, un viaje de las ideas, un activador de la memoria que se estrenará en septiembre de 2007.

El West Yorkshire Playhouse, situado en Leeds y dirigido por Ian Brown, es uno de los teatros más activos de Reino Unido, con más de 17 espectáculos propios cada año y caracterizado por una política artística innovadora y arriesgada. La catalana Mom Produccions se ha especializado en proyectos de autor de pequeño formato con proyectos como La pata negra, presentada en el Festival Grec de Barcelona; V.O.S., presentada en el Festival de Otoño 2005, la ópera Rita y montajes musicales clásicos con lecturas contemporáneas como Historia de un soldado.

El director Josep Galindo estudió dramaturgia en la Sala Beckett de Barcelona. Su experiencia teatral abarca varias disciplinas como la dirección, la traducción, la interpretación y la creación. Entre sus trabajos más destacados: Celebració de Thomas Vinterberg, con versión y dramaturgia de Pablo Ley, Homenatge a Catalunya de George Orwell, con adaptación de Pablo Ley y Allan Barker. Galindo fue ayudante de dirección en la versión de El rey Lear de Calixto Bieito.

Dramaturgia y adaptación: Colin Teevan y Pablo Ley 
Escenografía: Gideon Davey
Diseño de iluminación: Malcolm Rippeth
Diseño de sonido y vídeo: Mic Pool
Intérprete: Grez Hicks
Dirección: Joseph Galindo
Idioma: inglés con sobretítulos en español
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
www.wyp.org.uk
www.momproduccions.com
www.teatromadrid.com
 

Foto: Matthias Langhoff

El drama se proyecta, en el escenario, sobre la piel de la pareja; al fondo, sobre una pantalla por la que se suceden imágenes de archivo de Popeye y Olivia, King-Kong, Stalin, animales salvajes, cementerios y coches de Fórmula 1. Partículas elementales de una humanidad que muere de vacío y salvajismo en una travesura escénica que nos trae y nos lleva de “un salón anterior a la Revolución Francesa” a “un búnker posterior a la Tercera Guerra Mundial”. Con un final que la crítica ha definido como “orgasmo lírico”, Quartett es ya un clásico del teatro contemporáneo y, junto a Hamlet Machine, la obra más interpretada del alemán Heiner Müller (1929-1995). Basada en la célebre novela epistolar Las amistades peligrosas de Choderlos de Laclos, esta versión de Langhoff se estrenó en el Conservatorio Nacional de París en 2005.

Sobre la Compañía

La Compagnie Rumpelpumpel, presidida por Colette Godard y fundada en 1998 debe su nombre al segundo acto de El jardín de los cerezos de Chéjov. En España, la compañía ha presentado ya otros espectáculos como Gloucester Time-Materiau Shakespeare-Richard III. El director y escenógrafo alemán Matthias Langhoff ha dirigido obras de, entre otros, Brecht, Shakespeare, Strindberg, García-Lorca y Heiner Müller. Fue director del Théâtre du Vidy-Lausanne de 1989 a 1995 y codirector del Berliner Ensemble en 1992 y 1993. Su estilo teatral, que oscila entre el rigor y la desmesura, se caracteriza por una estética que combina tradición teatral con proyecciones cinematográficas, fotografías y referencias a otros textos.

Müller, uno de los autores teatrales más relevantes del siglo pasado, dirigió el Berliner Ensemble de 1992 a 1995, fecha de su muerte. Esencialmente paradójico, fue militante comunista de la Alemania del Este y blanco continuo de la censura del Régimen. Calificado por la crítica como “ladrón de mitos”, reescribió textos de Sófocles o Shakespeare con un sarcasmo contemporáneo lleno de silogismos diabólicos y reinterpretaciones de la historia.

A partir de “Las amistades peligrosas” de LACLOS
Traducción: JEAN JOURDHEUIL y BEATRIZ PERREGAUX
Intérpretes: MURIEL  MAYETTE de la Comédie Française y FRANÇOIS CHATTOT
Dirección y escenografía: MATTHIAS LANGHOFF
Asistente de dirección: HÉLÈNE BENSOUSSAN
Pintura: CATHERINE RANKL
Diseño de vestuario: RENATO BIANCHI
Diseño de iluminación: FRÉDÉRIC DUPLESSIER
Producción: VÉRONIQUE APPEL DAKUYO Compagnie Rumpelpumpel
Coproducción: Théâtre Vidy-Lausanne E.T.E., Espace Malraux-Chambéry y Maison des Arts-Thonon les Bains Con la participación de la Comédie-Française y con la ayuda  del Ministère de la Culture et de la Communication.
Idioma: francés con sobretítulos en español
Duración aproximada: 1 hora y 20 minutos (sin intermedio)
http://cdn.mcu.es
 

Foto: GERAINT LEWIS

¿Por qué has venido a perturbarnos? La pregunta corta el aire. Sobre el escenario desnudo, un hombre solo. Desasosiego cuando descubrimos quién es el destinatario. Tragedia mordaz cuando se desvela la identidad del que interroga. ¿Por qué has venido a perturbarnos? pregunta el gran inquisidor -puño del Santo Oficio en la Sevilla del siglo XVI - a Jesucristo. El cardenal desgrana sus pensamientos frente a un Jesús reaparecido y silente. Rodeado de una austeridad monacal, su voz teje argumentos sobre el libre albedrío y la esclavitud de las elecciones morales, sobre las relaciones entre poder y súbditos, sobre la necesidad de un cetro que señale el camino y saque a los hombres de las tinieblas de la autonomía. Su voz acusa a Cristo. Su voz, que envuelve y amenaza. Su voz, que irrita y engatusa.

Brook, con adaptación de Marie Hélène Estienne, lleva a escena este inquietante encuentro en una versión teatral basada en el más famoso capítulo de Los hermanos Karamazov de Dostoievski. Una desnudez austera que lo llena todo, una actuación deslumbrante a cargo de Bruce Myers - colaborador habitual en las producciones de Brook- y un texto arrebatado que difumina los límites entre los mártires y los monstruos en esta reflexión actual, iconoclasta y satírica sobre la libertad y la religión. The Grand Inquisitor (El gran inquisidor) se estrenó en el Warwick Arts Center en febrero de 2006.

Sobre la Compañía

Peter Brook (Londres, 1925) es una de las figuras más influyentes del teatro europeo contemporáneo. Su trayectoria artística incluye más de 70 producciones teatrales en Londres, París y Nueva York. En la década de los 60 firmó para la Royal Shakespeare Company montajes como El rey Lear (1962), Marat/Sade (1964) y El sueño de una noche de verano (1970).

En 1971 funda en París el Centro Internacional para la Investigación Teatral y tres años más tarde establece su sede permanente en el Théâtre des Bouffes du Nord. Ha dirigido óperas para este mismo teatro, para el Covent Garden de Londres y el Metropolitan Opera House de Nueva York y películas como El señor de las moscas o el Mahabharata. Sus libros se han traducido a 15 idiomas. La versatilidad de sus proyectos tiene un eje vertebrador: el despojamiento de lo accesorio para comunicar lo esencial. Entre sus últimos trabajos se encuentran

Sizwe Banzi est mort, una versión inglesa de Tierno Bokar y Fragments que también se presentará en esta edición del Festival de Otoño.

Dirección: PETER BROOK
Adaptación: MARIE HÉLÈNE ESTIENNE
Intérprete: BRUCE MYERS
Diseño de iluminación: PHILIPPE VIALATTE
Idioma: inglés con sobretítulos en español
Duración aproximada: 50 minutos (sin intermedio)
www.bouffesdunord.com
www.teatroabadia.com
 

Foto: Daniel Veronese

Espía a una mujer que se mata se estrenó en Buenos Aires en agosto de 2006.

Sobre la Compañía

“Yo trato de hacer un teatro que a mí me sorprenda y me guste. Yo soy el primer espectador”. Así expresa el director de teatro, actor y titiritero Daniel Veronese (Argentina, 1955) su postura ante la creación escénica. Comenzó su carrera artística como actor y mimo. Formó parte del grupo de titiriteros del Teatro General San Martín y fue pionero en el teatro de títeres para adultos.

En 1989 creó El Periférico de Objetos revolucionando la escena del teatro alternativo con una nueva manera de contar en la que los actores se fundían con los objetos. Veronese ha recibido distintos premios (entre otros, Premio Teatro XXI, 1997; Primer Premio Municipal de Dramaturgia, 1998 y Premio Dirección Teatro del Mundo, 1999) y es uno de los dramaturgos más respetados del panorama escénico argentino. Es autor de más de una decena de piezas: Del maravilloso mundo de los animales: Los corderos (1992), Mujeres soñaron caballos (2001), Un hombre que se ahoga (2004), etc. Sus obras están recogidas en Cuerpo de prueba (Volumen I y II) y traducidas al alemán, al francés y al portugués.

Dirección y escenografía: DANIEL VERONESE
Asistencia de dirección: FELICITAS LUNA
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
www.cuartapared.es
Intérpretes: OSMAR NÚÑEZ, MARÍA FIGUERAS, MARCELO SUBIOTTO, FERNANDO LLOSA,
SILVINA SABATER, MARTA LUBOS y MARA BESTELLI

Cuando Pippo Delbono viajó a la ciudad italiana de Gibellina en 1999 le sorprendió la presencia que el terremoto que asoló la ciudad en 1968 tenía todavía sobre las personas, las casas y las situaciones.

Il Silenzio (El silencio) es el espectáculo teatral resultante de aquel impacto. El impacto de esa tristeza serena, de esa quietud que sigue al momento apocalíptico de la rotura de tierras. Allí, en aquel lugar, emerge un mundo de niños y viejos. Emerge el silencio de los ancianos. El silencio de los recién nacidos. El nacimiento, la muerte, la conciliación con la vida. Dieciocho intérpretes nos arrastran al silencio de los que no escuchan, al ruido abrumador de las palabras que, al final, sólo nos ensordecen. Al silencio de Bobò, uno de los protagonistas, sordomudo y analfabeto, al que Pippo Delbono conoció en un manicomio de Nápoles. A las palabras de Ungaretti, a las canciones de Danio Manfredini, a las piezas, algunas reelaboradas y algunas originales, de Kobalewski, Chick Corea, Beethoven y Bartòk. Esta es una memoria que nos habla, que nos susurra sobre el amor, el deseo, el humor que esconden las tragedias; sobre la carne y la fragilidad. Y de un año, 1968, que fue también cuna de terremotos sociales, de colores, del flower power y de movimientos contestatarios. Il Silenzio se estrenó en el Festival de Gibellina (Sicilia) en el año 2000.

Sobre la Compañía

Actor, autor y director de teatro nacido en Varazze (Italia) en 1959, Pippo Delbono ha trabajado sobre las relaciones entre el teatro y la danza, a partir de los principios del teatro asiático en particular. Al final de los años 80, fundó su compañía con la cual ha creado todos sus espectáculos desde Il tempo degli assassini (1986) hasta Urlo (2004) o Gente di plastica (2006). La mayoría de sus proyectos, presentados en numerosos países, se encuentran hoy todavía entre el repertorio de la compañía. Los espectáculos de Pippo Delbono son formidablemente lúdicos, desarrollados por actores no profesionales sobre un escenario en el que cada uno parece hacer lo que más le apetece. Esta libertad de su teatro no es improvisada, sino fruto de un largo, incesante y duro trabajo. Un trabajo que no se compone de una serie de números estancos sino de un encadenamiento de escenas llenas de tensión y liberación.

De esperanzas, amenazas, gritos, palabras, gestos, movimientos, risas, recuerdos. Todo aquello, en definitiva, que hace de la vida el universo común de los seres humanos.

Idea y dirección: PIPPO DELBONO
Intérpretes: PIPPO DELBONO, PEPE ROBLEDO, BOBÒ, MARIO INTRUGLIO, NELSON LARICCIA,
GUSTAVO GIACOSA, SIMONE GOGGIANO, LUCIA DELLA FERRERA, ELENA GUERRINI,
GIANLUCA BALLARÈ, DOLLY ALBERTIN, FADEL ABEID, MR. PUMA, CLAUDIO GASPAROTTO,
MARGHERITA CLEMENTE, ILARIA DISTANTE, GIANNI PARENTI y RAFFAELLA BANCHELLI
Músicos: PIERO CORSO, ANDREA BULGARELLI, FAUSTO FERRAIUOLO y LISA PIZZAMIGLIO
Producción: Compagnia Pippo Delbono - Fondazione Orestiadi, Emilia Romagna Teatro Fondazione
Idioma: español
Duración: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
www.pippodelbono.it
www.munimadrid.es
 

¿Qué significa pertenecer a una familia? ¿Podría alguna vez no estar aquí? ¿Quién soy fuera de esta casa? Los Coleman viven al límite de una disolución evidente pero secreta. Tres generaciones conforman un clan desquiciado que habita una casa - a veces refugio, a veces cárcel - que se cae a pedazos. La obra nos adentra en las miserias de unos personajes que se mueven entre los silencios, las omisiones y el absurdo de una cotidianeidad grotesca que acaba por convertirse en su único cosmos. Obligados a construir espacios íntimos dentro de espacios compartidos, los hermanos se apiñan junto a su madre y su abuela en un salón empapelado de humor y tragedia. Estética de la pobreza y la decadencia, patetismo y risa esquiva, como la identidad de los personajes, que se debaten entre el vínculo y el alejamiento de las raíces. A partir de un proceso de escritura basado en la improvisación, el autor y director Claudio Tocalchir llega paulatinamente a la concepción del texto definitivo. Los actores transitan a pocos centímetros del público que casi puede tocar los objetos acumulados, la superposición de estilos, los detalles que hablan de las características de esta familia. Un espectáculo sin conclusiones que sugiere que las cosas nunca son lo que parecen y que todo aquello que no se dice, acaba por sonar más fuerte... La omisión de la familia Coleman se estrenó en agosto de 2005 en el Teatro

Timbre 4 de Buenos Aires y desde entonces ha ganado numerosos premios, entre ellos a la Mejor Obra Argentina en los Premios ACE 2006.

Sobre la Compañía

Claudio Tolcachir (1975) es actor, docente, autor y director teatral. Estudió actuación, expresión corporal y títeres en la Escuela Labardén y actuación, mimo, acrobacia, canto, escenografía y dirección en la Escuela de Teatro de Alejandra Boero. Creó el espacio teatral Timbre 4 en el cual imparte clases y talleres de teatro. Como actor, ha trabajado con Daniel Veronese, Norma Aleandro, Roberto Villanueva, Luciano Suardi y Carlos Gandolfo. Dirigió Jamón del Diablo, Cabaré, Orfeo y Eurídice, Chau Misterix, Palabras para Federico, Arlequino y Lisístrata. La omisión de la familia Coleman es su primera incursión como autor teatral.

El nombre de la compañía hace referencia al espacio teatral Timbre 4 dirigido por Claudio Tolcachir que comenzó a funcionar en 1998. Nueve años después no sólo funciona como sala teatral sino que recibe alumnos que entrenan y se forman como autores. Los fundadores dicen: “Es una casa. Y la casa es una escuela. Y la escuela es un teatro...”.

Libreto y dirección: CLAUDIO TOLCACHIR
Asistencia de dirección: MACARENA TRIGO
Intérpretes: ELLEN WOLF, MIRIAM ODORICO, INDA LAVALLE, LAUTARO PEROTTI,
TAMARA KIPER, DIEGO FATUROS, GONZALO RUIZ y JORGE CASTAÑO
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos (sin intermedio)
www.timbre4.com
 

FOTO: DAVID RUANO

Basada en Handbag (1998), la premiada obra del dramaturgo Mark Ravenhill, y a partir de una exploración indulgente de los orígenes de La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde, El maletín indaga en los vínculos familiares, la paternidad y la necesidad del compromiso. Un cuento moderno que fusiona con osadía un tema tan universal como la relación entre padres e hijos con Teletubbies, prostitutas, yonkies, el sexo como transacción comercial, felaciones y poses victorianas... Sobre el escenario, Isaac Alcaide, Llum Barrera, Biel Durán, Tilda Espluga, Óscar Molina y Anna Ycobalzeta interpretan esta historia de desesperanza, relaciones humanas e identidades sexuales. Cáustico y brillante sentido del humor y una sensibilidad a flor de piel que pilla por sorpresa, en una pieza teatral dirigida por Josep María Mestres.

Esta versión de El maletín se estrenó el 12 de julio de 2007 en el Festival de Barcelona Grec.

Sobre la Compañía

Josep Maria Mestres se licenció en Ciencias de la Educación por la Universidad de Barcelona y en Interpretación por el Instituto del Teatro de la Diputación de Barcelona. Ha sido miembro de la compañía Zitzània Teatre desde 1990 a 1998 y miembro fundador de la compañía Kràmpack de 1994 a 1997, además de fundador del Aula de Teatro de la Universidad Pompeu Fabra.

Mestres ha impartido cursos de Interpretación y Dirección Escénica en diversas escuelas y centros de España y dirigido, entre otros espectáculos: El abanico de Lady Windermere de Oscar Wilde en 2007; Il Piu Bel Nome de Antonio Caldara en 2006, El otro lado de la cama en 2004, una adaptación teatral de Roberto Santiago sobre el guión cinematográfico de David Serrano y No es tan fácil, de Paco Mir en 2002.

El maletín o La importancia de ser alguien es fruto de la unión de dos productoras, la catalana Bitò Produccions, así como del Festival Barcelona Grec.

Dirección: JOSEP MARIA MESTRES
Traducción: JOAN SELLENT
Intérpretes: ISAAC ALCAIDE, LLUM BARRERA, BIEL DURÁN, TILDA ESPLUGA,
ÓSCAR MOLINA y ANNA YCOBALZETA
Ayudantes de dirección: MONTSE COLOMÉ Y XAVIER RICART
Espacio escénico: PEP DURAN
Diseño de iluminación: JUANJO LLORENS
Diseño de vestuario: NINA PAWLOWSKY
Diseño de sonido: DAMIEN BAZIN
Caracterización: TONI SANTOS
Montaje de vídeos: ENRIC MESTRES
Coproducción: Festival de Barcelona Grec, Bitò Produccions y Clara Pérez
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 50 minutos (sin intermedio)
 

Sobre la Compañía

Actor, autor y director de teatro nacido en Varazze (Italia) en 1959, Pippo Delbono ha trabajado sobre las relaciones entre el teatro y la danza, a partir de los principios del teatro asiático en particular. Al final de los años 80, fundó su compañía con la cual ha creado todos sus espectáculos desde Il tempo degli assassini (1986) hasta Urlo (2004) o Gente di plastica (2006). La mayoría de sus proyectos, presentados en numerosos países, se encuentran hoy todavía entre el repertorio de la compañía.

Los espectáculos de Pippo Delbono son formidablemente lúdicos, desarrollados por actores no profesionales sobre un escenario en el que cada uno parece hacer lo que más le apetece. Esta libertad de su teatro no es improvisada, sino fruto de un largo, incesante y duro trabajo. Un trabajo que no se compone de una serie de números estancos sino de un encadenamiento de escenas llenas de tensión y liberación. De esperanzas, amenazas, gritos, palabras, gestos, movimientos, risas, recuerdos. Todo aquello, en definitiva, que hace de la vida el universo común de los seres humanos.

Idea y dirección: PIPPO DELBONO
Intérpretes: GIANLUCA BALLARÈ, BOBÒ, MARGHERITA CLEMENTE, PIERO CORSO,
ARMANDO COZZUTO, PIPPO DELBONO, LUCIA DELLA FERRERA, FAUSTO FERRAIUOLO,
GUSTAVO GIACOSA, SIMONE GOGGIANO, ELENA GUERRINI, MARIO INTRUGLIO, NELSON LARICCIA,
MR. PUMA, ANDREA BULGARELLI y PEPE ROBLEDO
Producción: Compagnia Pippo Delbono - Emilia Romagna Teatro Fondazione
En colaboración con: Centro Ricerca per il Teatro
Idioma: español
Duración: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
www.pippodelbono.it
www.munimadrid.es
 

Foto: Mary Mervis

William H. Bonney (1859-1881), más conocido como Billy el Niño, es una de las figuras más famosas del viejo oeste americano. Apenas conocido en vida, se convirtió en símbolo cuando su asesino, el sheriff Patrick Garrett publicó una biografía excesiva y sensacionalista sobre el forajido, titulada The Authentic Life of Billy the Kid. Peligroso y violento, de él se cuenta que mató a 21 hombres, uno por cada año de su vida.

El famoso gánster adolescente Billy el Niño es reimaginado por dos de los más legendarios contadores de historias. Michael Ondaatje, ganador del Man Booker Prize por El paciente inglés y Dan Jemmett, reconocido internacionalmente por su dirección de Dog Face, nos acercan este drama americano que explora al hombre que se esconde tras el mito. Una crónica teatral sobre un mundo en el que la paz, la violencia, la cordura y la locura, el orden y el caos están inevitablemente unidos. Irreverencia, humor y un mundo de emociones casi palpable para unos personajes a la vez complejos y caricaturescos. The Collected works of Billy the Kid se ha estrenado en junio de 2007 en Pittsburgh (EE.UU.).

Sobre la Compañía

Quantum Theatre, sita en Pittsburgh, ha ganado numerosos premios y creado montajes tanto de obras contemporáneas como de visiones renovadas de los clásicos. Usando el mundo real como laboratorio, Quantum reúne a talentos internacionales para contemplar las posibilidades teatrales de lugares tan dispares como cementerios, molinos o fábricas de cerveza.

Entre sus espectáculos más recientes se encuentran The Red Shoes, Alter Mrs Rochester, The Voluptuous Tango, Le Grand Meaulnes y Dog Face que se presentó en el Festival de Otoño en el 2005. Dan Jemmett, director, adaptador y guionista ha desarrollado proyectos en Londres con la vanguardia y los artistas no convencionales, explorando el lenguaje teatral de la calle, la cultura pop y el circo.

De Jemmett, la crítica resalta su irreverencia, humor y habilidad escénica. Entre sus trabajos se encuentran Ubu, La flauta mágica, Shake, Doctor Faustus y The Little Match Girl presente en la XXIII edición del Festival de Otoño.

Dirección y adaptación: DAN JEMMETT
Intérpretes: ANDREW HACHEY, JOHN FITZGERALD JAY, MIKELLE JONSON,
RICK KEMP y KRISTIN SLAYSMAN
Escenografía: STEPHANIE MEYER-STALEY y DAN JEMMETT
Diseño de iluminación: C. TODD BROWN
Diseño de sonido: ELIZABETH ATKINSON
Diseño de vestuario: RICHARD PARSAKIAN
Idioma: inglés con sobretítulos en español
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
www.quantumtheatre.com
www.circulobellasartes.com
 

Foto: Wonge Bergmann

Sobre la Compañía

Michael Laub, de origen belga y afincado en Alemania, fue uno de los primeros junto a Edmundo Za y Marinka Gordis en adentrarse en el mundo de la performance a finales de los años 70. Juntos forman Maniac Productions en 1975. Seis años después, en 1981, Laub funda en Estocolmo Remote Control Productions, una compañía que ahonda en los estereotipos, el minimalismo y los límites entre ficción y realidad con proyectos que fusionan teatro, danza, luces, narración, música y arte visual con clara influencia cinematográfica. Los trabajos de

Laub se caracterizan por llevar al escenario la vida de sus actores aderezada con elementos de ficción y distanciamiento irónico. Algunos de sus trabajos son Rough (1993), Daniel and the Dancers (1994), Solo (1995), Planet Lulu (1996/97), Frankula (1997/98), Pigg in Hell (2001) - también protagonizado por Astrid Endruweit - y Total Massala Slammer (2001).

Idea y dirección: MICHAEL LAUB
Diseño de iluminación: NIGEL EDWARDS
Sonido: JEAN-PIERRE URBANO
Técnico de sobretítulos: MAROLD LANGER-PHILIPPSEN
Dirección técnica: JOCHEN MASSAR
Asistente de dirección: CLAUDINE PROFITLICH y LAURA CLEMENS
Interpretación, vídeo y vestuario de ALONE: ASTRID ENDRUWEIT
Música de ALONE: LARRY STEINBACHEK y ASTRID ENDRUWEIT
Coreografía y vestuario de GREGOIRE: GREG ZUCCOLO
Música de GREGOIRE: LARRY STEINBACHEK y GREG ZUCCOLO
Idioma: inglés con sobretítulos en español
Duración: 1 hora y 20 minutos (sin intermedio)
www.cuartapared.es
 

Foto: Pascal Victor

Fragments (Fragmentos) es un espectáculo que encapsula el drama de la existencia en una fórmula cómica que resulta intemporal. Esta pieza poliédrica, de fragmentos y retazos, insinúa cómo los rituales diarios, los hábitos cotidianos que sirven para abstraernos del inclemente transcurso del tiempo, son también un modo de tiranía. En escena, depuración del lenguaje y silencios preñados de significado para acercar al espectador a un aparente realismo que raya en la alucinación. Fragments se estrenará en Londres en septiembre de 2007.

Sobre la Compañía

Peter Brook (Londres, 1925) es una de las figuras más influyentes del teatro europeo contemporáneo. Su trayectoria artística incluye más de 70 producciones teatrales en Londres, París y Nueva York. En la década de los 60 firmó para la Royal Shakespeare Company montajes como El rey Lear (1962), Marat/Sade (1964) y El sueño de una noche de verano (1970).

En 1971 funda en París el Centro Internacional para la Investigación Teatral y tres años más tarde establece su sede permanente en el Théâtre des Bouffes du Nord. Ha dirigido óperas para este mismo teatro, para el Covent Garden de Londres y el Metropolitan Opera House de Nueva York y películas como El señor de las moscas o el Mahabharata. Sus libros se han traducido a 15 idiomas. La versatilidad de sus proyectos tiene un eje vertebrador: el despojamiento de lo accesorio para comunicar lo esencial. Entre sus últimos trabajos se encuentran Sizwe Banzi est mort, una versión inglesa de Tierno Bokar y The Grand Inquisitor que también se presentará en esta edición del Festival de Otoño.

Dirección: PETER BROOK
Asistencia de dirección: LILO BAUR y MARIE HÉLÈNE ESTIENNE
Intérpretes: JOS HOUBEN, MARCELLO MAGNI y KATHRYN HUNTER
Diseño de iluminación: PHILIPPE VIALATTE
Idioma: inglés con sobretítulos en español
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
www.bouffesdunord.com
www.teatroabadia.com
 

FOTO: SQDW Archives 00

En 1957, Rick Cluchey asiste dentro de la cárcel de San Quintín, en la que estaba preso, a una función de Esperando a Godot de Samuel Beckett. Antes de aquel momento, Cluchey - cuya infancia transcurrió entre el boxeo y los pequeños robos -, condenado a cadena perpetua, no había “estado nunca en ningún teatro, ni siquiera para robarlo”. Sin embargo, la impresión es tan grande que el año siguiente funda junto con otros internos, el San Quentin Drama Workshop, que ostenta el honor de ser la única compañía que ha tenido al propio Beckett como mentor. Entre Cluchey y Beckett se inició una larga relación profesional y de amistad que se prolongó de 1977- año en el que el propio Beckett lo dirige en Krapp´s Last Tape (La última cinta de Krapp) - a 1989. Krapp´s last tape, es uno de los primeros trabajos del dramaturgo irlandés y fue escrita en inglés en 1958. Sobre el escenario, una obra en un acto, en la que Cluchey se transforma en Krapp, un hombre ya anciano, que escucha una cinta magnetofónica que él mismo ha ido grabando a lo largo de su vida. La fugacidad de la existencia humana y los misterios de la identidad en esta pieza, llena de los momentos que han marcado la vida del protagonista. Rick Cluchey, que ha interpretado a Krapp, entre otros papeles de Beckett, desde 1962, nos acerca a esta historia sobre los finales y los momentos fundamentales. Un impactante retrato de un hombre solo que al final de su vida, se enfrenta a los recuerdos mezclando absurdo y filosofía, humor y crueldad, pasión y compasión. Esta versión de Krapp´s Last Tape, dirigida por Beckett, se estrenó en Berlín en 1977.

Sobre la Compañía

Nacido en Chicago en 1933, Rick Cluchey es cofundador de San Quentin Drama Workshop (SQDW), una compañía que nació como un grupo de creación formado por algunos de los internos de la cárcel de San Quintín y que en 2008 cumplirá su cincuenta aniversario. La SQDW se caracteriza por su búsqueda de nuevos modos de comunicación, alternando símbolos y lenguaje. Cluchey empezó a interpretar obras de Beckett en 1960, dentro de la prisión en la que se encontraba desde los 21 años. En 1966, concedido el indulto, giró por Europa y Estados Unidos con The Cage (La jaula), una obra sobre sus experiencias carcelarias. En 1974 conoció a Beckett en París y se convirtió en su ayudante de dirección en Esperando a

Godot en el Schiller Theatre de Berlín. Desde entonces, Cluchey ha dirigido e interpretado obras del irlandés en los Estados Unidos, Australia, Alemania y Holanda. En 1984 se convierte en el único actor americano hasta la fecha que ha recibido un Premio Critica en Italia. La SQDW es la única compañía para la que Samuel Beckett ha dirigido.

Según dirección de SAMUEL BECKETT en 1977
Interpretación: RICK CLUCHEY
Idioma: inglés con sobretítulos en español
Duración aproximada: 45 minutos (con intermedio)
www.sanquentindramaworkshop.org
www.esmadrid.com/teatroespanol
 

Foto: Marcello Norberth

Il ventaglio, publicada en 1765, se estrenó en Venecia con éxito rotundo. Quedaban poco más de veinte años para la Revolución Francesa, pero en este espectáculo, Goldoni anticipaba con una intuición iluminada lo que estaba a punto de pasar. Y todo ello con un abanico que vuela de mano en mano, con la ligereza de un rumor, con la fiereza de un tsunami…

Sobre la Compañía

El Piccolo Teatro di Milano es el primer teatro público italiano. Fundado por Giorgio Strehler y Paolo Grassi en 1947 tuvo en sus inicios una raíz popular y de oposición al régimen fascista.

Desde su fundación, el Piccolo ha llevado a escena a las grandes figuras de la tradición clásica - Shakespeare, Chéjov y particularmente Goldoni - pero también a autores contemporáneos como Beckett, Brecht y Pirandello. Los datos son abrumadores: 279 montajes, 20.924 funciones, 47 países visitados y casi 10.000.000 de espectadores. El Piccolo se ha convertido en uno de los teatros más importantes del mundo caracterizado por su calidad estética.

“Teatro de arte para todos” es el leitmotiv del Piccolo, que asegura espectáculos de elevado nivel cultural dirigidos a un público lo más amplio posible. Gestiona tres teatros: Teatro Strehler, Teatro Studio y Teatro Grassi.

Luca Ronconi (Susa, 1933) es Director Artístico del Piccolo desde 1999 y uno de los más respetados dramaturgos italianos. Ha recibido, entre otros premios, el VI Premio Europa para el Teatro de Taormina y varios premios UBU al Mejor Espectáculo: Progetto sogno (2000), Lolita (2001) e Infinities (2002).

Dirección: LUCA RONCONI
Escenografía: MARGHERITA PALLI
Intérpretes: RAFFAELE ESPOSITO, GIULIA LAZZARINI, PIA LANCIOTTI, GIOVANNI CRIPPA,
MASSIMO DE FRANCOVICH, RICCARDO BINI, FEDERICA CASTELLINI, FRANCESCA CIOCCHETTI,
GIANLUIGI FOGACCI, SIMONE TONI, GIOVANNI VACCARO, PASQUALE DI FILIPPO,
MATTEO ROMOLI y MARCO VERGANI
Diseño de vestuario: GABRIELE MAYER
Diseño de iluminación: GERARDO MODICA
Música: PAOLO TERNI
Diseño de sonido: HUBERT WESTKEMPER
Una producción del Piccolo Teatro di Milano-Teatro d´Europa
en colaboración con Odéon Théâtre de l´Europe
Idioma: italiano con sobretítulos en español
Duración aproximada: 3 horas (con intermedio)
www.piccoloteatro.org
www.esmadrid.com/teatroespanol