El 12 de diciembre de 2020 se estrenaba en el Teatro de la Abadía, Nise, la tragedia de Inés de Castro (CLIKEAR), a partir de Nise lastimosa y Nise Laureada (1577) de Jeróninmo Bermúdez por la compañía Nao D'Amores. Era Teatro renacentista y el preludio junto a los romances populares de un tema que el teatro barroco volvió a tocar, y en concreto Luis Vélez de Guevara (1579 - 1644) con el título Reinar  después de Morir. El autor es coetáneo de Calderón de la Barca, Tirso de Molina y Cervantes, quien le dedicó palabras de elogio y reconocimiento.

PROYECTO A PARTIR
DEL ESPÍRITU SAMARAGUIANO

	IGNACIO GARCÍA FOTO:  www.madridteatro.net

Ignacio García se ha encargado del diseño de producción entregando  la dirección a Pepa Pedroche. Según  Ignacio es u proyecto muy especial gestado largamente con el profesor José Gabriel Antuñano, responsable de la versión y la dramaturgia, y con el escenógrafo José Manuel Castanheria. Anteriormente Ignacio ya tuvo una colaboración con ambos para la Historia del cerco de Lisboa de Saramago, producida por el Teatro de Almada (Lisboa, Portugal). Siguiendo el espíritu saramaguiano de la Unidad Ibérica:

en tiempos tan funestos en los que vivimos de división, de separación, de confrontación, de ver lo que nos separa, Saramago siempre fue un gran defensor de lo que significaba la Unidad Ibérica como de un espíritu común, con una sensibilidad en la que tenemos una gran hermandad. Este es el gran proyecto filosófico y la razón de por qué encontramos este texto. Tras indagar en muchos textos del siglo de oro Reinar después de morir es la más grande tragedia portuguesa de los grandes dramas del siglo de oro. Sus acontecimientos suceden en Lisboa, en el Mondengo,  pero, al mismo tiempo,  es la más española de las leyendas históricas portuguesas. Todo  el mundo, en Portugal, conoce muy bien los amores de  Inés y Pedro, que son tan famosos como Juan la loca aquí. La dos protagonistas son Inés de Castro, que venía de la corte de Castilla de una familia gallega, y de Blanca de Navarra. Se daba pues que era la más portuguesa  de las leyendas histórica y la más española de los dramas históricos del siglo de oro español.

Encontrado el texto, se quería una producción solidaria, de hermandad, de equilibrio y simetría, cualidades que según Ignacio no ha sido siempre  así entre España y Portugal. En esta  ocasión

FOTOS: SERGIO PARRA

ha sido una producción simétrica entre las dos instituciones, la Compañía de teatro de Almada y la Compañía Nacional de teatro Clásico. En el equipo artístico escenografía, Iluminación y vestuario son portugueses , y dramaturgia, dirección y música españoles. La dirección en Portugal fue mía y aquí la comparto con Pepa Pedroche y los actores. En el elenco en Portugal son actores portugueses que tuvieron un gran éxito y aquí españoles, veterano y jóvenes, pero defensores del teatro en verso. La coreografía en Portugal es de Jean Paul Gaultier y aquí Manuel Segovia. Es un equipo virtuoso y en un proyecto que significa unión cultural, que es lo que debeos de hacer desde la cultura. En tiempos de división, de fragmentación y de confrontación en tiempos como estos hay que buscar lo que nos une. Durante mucho tiempo España y Portugal fueron una misma corona y cuando se estrenó esta comedia éramos el mismo país. Seguimos siendo la misma cultura. La escenografía (azulejos y fuentes),  iluminación y música (folías españolas mezcladas con músicas inspiradas en los fados),  tienen una inspiración doble.  El propio Vélez de Guevara escribe algunas cancioncillas en portugués.    

El 27 de enero vendrá la Compañía portuguesa para representar su versión en portugués de Reinar después de morir.

Los espectadores que  quieran comparar van a poder hacerlo. El elenco español va a poder ver a los portugueses, y el elenco portugués a los españoles. Nos pareció un remate precioso de  confluencia artística y de hermandad.

TENSIÓN ENTRE LA LIBERTAD INDIVIDUAL
Y EL PODER CORROMPIDO

Según Ignacio la temática de la obra se mueve entre la libertad individual y la "basura" del poder corrompido.

Es un tema muy oportuno en tiempos en que el poder está moralmente corrompido, pues busca lo que interesa o la conveniencia. Inés de Castro está no en lo que conviene sino en lo que es verdad, lo que es necesario y lo que es bueno. Esa es la confrontación de la obra  e Inés acaba triturada porque al poder no le conviene la bondad sino la conveniencia. Eso es un tema que a todos nos pasa. En los medios de comunicación se habla bien poco de la bondad, de la verdad y, máxime en estos días se habla de la conveniencia. Con quién conviene pactar, a quien conviene tener cerca, por qué nos tenemos que llevar bien con Pepito o con Manolita. Esa conveniencia nos acaba haciendo traicionar cualquier principio moral. Esta es una obra en la que se habla de esto con enorme contundencia, con enorme fuerza, con enorme belleza, pues el texto es una maravilla. Esta dicho de una manera maravillosa por este elenco, pero no sólo dicho, sino vivido, sentido, poseído y asumido. Es un enrome orgullo estar con tan ilustres compañeros de este gran equipo que primero irrumpe por romper las fronteras y acabando por la sublimación de la belleza, la bondad y la verdad que en 2020  sigue valiendo la pena.

Reinar después de morir fue obra de éxito, pero en el siglo XX cayó en el olvido. En opinión de Ignacio García una causa pudo ser la versión de Alejandro Casona, Corona de amor y muerte. 
que era más melodramática y el texto de Vélez de Guevara cayó en el olvido. Al recuperarlo vemos que es un texto de una vigencia y un poder poético formidable.

JOSÉ GABRIEL ANTUÑANO,
VERSIÓN  DRAMATURGIA

	JOSÉ GABRIEL ANTUÑANO FOTO: www.madridteatro.net

Desde hace unos años José Gabriel Antuñano e Ignacio García forman un "tamdem" con un interés teatral: hacer con textos clásicos teatro contemporáneo.

Esto supone una labor de dramaturgia y ahondar en el repertorio clásico español y ver lo que tiene de universal.Ver lo que tiene de clásico, porque clásico es lo que hoy sigue diciendo cosas al espectador contemporáneo. Lo dice aquí en España y lo ha dicho en Portugal con este mismo texto, pero, hace unos meses, comprobábamos como Fuenteovejuna de Lope de Vega, un espectáculo que está en repertorio en toda África, dice mucho y decía mucho al público marfileño, al público de Iberia y de otras naciones.

Otra de las intenciones es cómo llegar al espectador de hoy

Los textos clásicos tienen unas estructuras y desde hace tiempo trabajamos en cómo remover las estructuras respetando absolutamente el lenguaje. Apenas hay una palabra q      ue no sea del siglo XVII, creo que hay dos en todo el texto, pero las estructuras  que mueven el desarrollo de la acción dramática se cambian para dar más consistencia a los personajes e ir decididamente a los temas que nos interesan. También para que la parte bonita de la retórica del verso tenga  su significado. Muchas veces la metáfora se pierde en la belleza del lenguaje, nosotros queremos que esa belleza esté aportando un contenido específico en el cual se direcciona la obra. Nos enorgullece mucho que estas obras estén difundiendo el patrimonio cultural español, que, a veces, aquí no lo apreciamos y que está lleno de actualidad y de compulsión para los espectadores de otros países porque les siguen diciendo cosas.    

Una de las característica de este "tamdem" es que siempre trabajan con elencos locales.

En África con los actores y directores marfileños, en Polonia lo mismo etc., porque nos interesa el cómo la parte total asume, transforma y relee las historias que están escritas en los libros del siglo de oro.

TEATRO CONTEMPORÁNEO CON TEXTOS CLÁSICOS

FOTOS: SERGIO PARRA

En este hacer con textos clásicos teatro contemporáneo supone, según Ignacio

reflexionar qué es el poder hoy día,  qué es la justicia y qué es la igualdad de género. El ejemplo africano fue espectacular, porque allí las mujeres africanas fueron quienes decidieron, en los talleres, qué se hacía con el Comendador. Eso fue una experiencia impresionante en un país en que la mujer tiene un margen de decisión muy pequeño. Conseguimos crear durante una semana un entorno  poético en que las mujeres tenían el mismo poder de decisión que los hombres y sobre algunas decisiones más. Cuando las mujeres decidieron que querían ejecutar al Comendador, se hizo. Luego cuando en las representaciones se ejecutaba al Comendador el público femenino africano, en Avillán, se ponía  en pie, gritaba, bailaba. Es lo más parecido a la catarsis barroca que he visto en mi vida. Probablemente era lo que sucedía en el siglo de oro cuando se ejecutaba al Comendador o cuando se ejecutaba en Zalamea al Capitán, es muy parecido a lo vivido en África y mucho menos de lo que vivimos aquí. En ese sentido con las mujeres de nuestro equipo hemos tomado una decisión que es no aceptar una escritura que tenía cierto cariz machista y una visión, propia del siglo de oro, negativa de las mujeres. En muchas comedias la mujeres sólo tiene una función dramática como es perder el honor para que los hombres tengan algo que hacer durante el resto de la comedia. Por eso no hay madres en el siglo de oro, ya que no pueden perder el honor y no sirven de mucho.  

En el caso de Reinar después de morir,  Ignacio descubre una confrontación entre Inés y  Blanca, como un camino hacia la solidaridad femenina.

Cuando se ven cara a cara y se  dan cuenta que a lados las han manipulado y que el poder las pone o quita como esposas según su conveniencia y que ellas no son enemigas sino víctimas fraternas en esa pelea, es de un poder impresionante porque son mujeres de hoy del 2020. Es la defensa de género con un texto y unas palabras formidables y es teatro absolutamente contemporáneo.

REINAR DESPUÉS DE MORIR
UN TÍTULO PARA DÓJICO Y PARADIGMATICO
REINA DESPSUÉS DE MORIR
QUIEN POR SUS ACTOS LO MERECE

	FOTOS: SERGIO PARRA

El título Reinar después de morir, precisa Ignacio, y han intentado contar lo que reza el título.

Los títulos del siglo de oro encierran una dialéctica y una verdad profunda. Decimos, como si fuera muy fácil, La vida es sueño. No. La vida es la vida y el sueño es el sueño. Cuando Calderón la escribe está siendo tremendamente trasgresor y revolucionario. Está planteando un contra-Dios. Hace una obra  en que no se va a saber dónde está la vida y dónde está el sueño. Reinar después de morir es igualmente paradójico y paradigmático. ¿Reinar después de morir? O reina antes de morir o ya no reinó. Sin embargo hay una verdad inspirada, en parte, por el pensamiento católico de la época, por la referencia cristiana de que si hay alguien que reinó después de morir, pero también con una referencia: ¿quién reina después de morir? Quien por sus actos lo merece. Qué hace Inés de Castro? Defiende la verdad y la virtud, y no se somete al chantaje. Hoy en día, en el 2020, en Portugal una de las reinas más conocidas de su historia es Inés de Castro que  no reinó en vida y sin embargo reinó después de morir. El título encierra una verdad profunda y el montaje intenta ser fiel. El final es una respuesta milimétrica y precisa a lo que propone el título: una reflexión sobre si es posible o no reinar después de morir.

LA LEYENDA NEGRA TEATRAL
SOBRE ESPAÑA

Aparte de este factor Ignacio vuelve, una vez más, aponer sobre el tapete la leyenda negra teatral.

Esa  "mierda" que nos han cargado encima de que  nuestro siglo de oro era represivo, contra reformista, inquisitorial. Esta es una obra tremendamente liberal. Defiende las libertades individuales. Tiene dos personajaces femeninos increíbles como son Inés de Castro  y Blanca de Navarra. Mujeres víctimas de una situación política que no la aceptan, que se rebelan. Eso tiene que ver con una cosa del siglo de oro: había mujeres que escribían, mientras que en el teatro anglosajón y francés no tantas. Nosotros tenemos cientos y cientos mujeres escribiendo. Mucho para los actos teatrales conventuales, pero también para los teatros de comedias. En el corral de comedias que había en este edifico del Teatro de la Comedia, el Corral de la Cruz, donde se estrenó La vida es Sueño y tres años después Ana Karo de Mallén estrenó Valor, agravio y mujer. Estrenó María de Zayas y muchas dramaturgas. También había actrices importantísimas como La Calderona o La Baltasara, mientras que en el teatro anglosajón tenía prohibido actuar por las leyes puritanas. Sin embargo como nos han vendido en Shakespeare in Love que ellos eran muy hipies y muy liberales y nosotros muy castrantes, vamos y les compramos la leyenda negra. También había mucha mujeres empresarias teatrales que se jugaban los cuartos y pagaban la nómina a importantes compañías. De manera que ese espíritu feminista reivindicativa de su voz, no es algo que nos estamos inventando. Es algo patrimonial en el sentido estricto de la palabra. Etimológicamente Patrimonio es lo que los padres dejan a los hijos. Nuestros padres Calderón, Cervantes, Lope…nos dejaron y también Sor Inés de la Cruz, María de Zaya y Ana Karo de Mallén, fue en unos escenarios en los que las mujeres pueden decir cosas que no podían decir en la calle. Fue un espacio de  libertad que eran los corrales de comedias desde donde se podían decir cosas. Se planteó un modelo social más igualitario que el que había en la sociedad, la cual poco a poco fue  imitando. De manera que hacer repartos igualitarios hoy en día o hacer que en el Festival de  Almagro la mayoría de las direcciones fueran femeninas, es un hecho de justicia poética con la realidad artística de hoy, pero, también, con la herencia que recibimos del siglo de oro. 

DISEÑO DE LA PUESTA EN ESCENA
DE INGACIO GARCÍA Y
DIRECCIÓN DE ESCENA DE PEPA PEDROCHE

PEPA PEDROCHE FOTO: www.madridteatro.net

Del diseño de la Puesta en escena se ha encargado Ignacio García, pero de la dirección de escena en España Pepa Pedroche, la cual lleva años encardinada a la CNTC (Compañía Nacional de Teatro Clásico). Agradece el poder estar al lado de Ignacio en este proyecto.

Es un sueño, para mí poder afrontar un camino soñado e ideado por Nacho y ya puesto en escena en Portugal, y poder ayudar a los actores en este camino para poder llegar a esa idea, ese sueño que nos ha hecho compartir y amara como si fuera de cada uno de nosotros.

Pepa agradece a la Compañía el que apoyase el trabajo de Ignacio para que trabajase en este  proyecto, porque

he trabajado muchos años en la Compañía como actriz y he tenido la inmensa suerte de poder trabajar en otras facetas de la Compañía como ayudante de dirección, asesora de verso, dirigiendo espectáculos de la Joven Compañía, y estoy feliz de estar aquí y un orgullo compartir mesa con todo le equipo. 
 

LOS ACTORES DAVID BOCETA, príncipe Don Pedro      DAVID BOCETA        MARÍA JOSÉ ALFONSO    FOTOS: ww.madridteatro.net David Boceta interpreta al Príncipe Don Pedro. Acumula un amplio repertorio en la CNTC y en otras compañías así como en televisión. Como portavoz improvisado de este  elenco considera que la aventura del actor es combinar vida humana con estructura formal: verso, métrica. Esta aventura ha sido especialmente interesante porque la exigencia poética, que propone dirección, es muy alta, al mismo tiempo que las pasiones y conflictos que los personajes tienen, así como la acción en la que se manejan que es muy profunda. En esa contradicción de alma humana y vuelo poético hemos encontrado un camino que creo ha sido tremendamente satisfactorio como actores. Nos sentimos de algo muy hermoso en el escenario. Algo que nos hace sentirnos muy orgullosos de dedicarnos a esta profesión, que nos permite encontrar estos espacios donde la poesía, la estructura formal y la métrica nos permite  y nos ayuda a poder expresar pasiones humanas profundas. Es la aventura que buscamos. He tenido la suerte de participar en muchos espectáculos de esta casa, haber formado parte de la Joven Compañía, y es algo que, en lo personal, veo cómo vamos dando pasos poco a poco y es un honor poder defender en este escenario este espectáculo con un equipo tan maravilloso.     MARÍA JOSÉ ALFONSO, nodriza La veterana María José Alfonso encarna a la Nodriza. Siente un honor el trabajar siempre con Ignacio García. A pesar de su año de interpretación manifiesta que cuando sube a un escenario siente, como siempre, el miedo del estreno. Doy la gracias a Pepa por su ayuda y a Nacho por la elección de mi persona. El mío es un personaje donde es cuidadora. Es la nodriza de un ser al que adora, protege. Un ser que intenta por todos los medios ser feliz, pero los poderes fácticos no la dejan. Esos poderes son absolutamente, como si los estuviéramos viviendo en estos días, porque la historiase repite y todo esto parece que esté escrito mañana. Es un personaje entrañable que lo que hace es intentar que la gente que está a su alrededor sea feliz en cuerpo, en alma, en espíritu.    José Gabriel Antuñano añade que el personaje de la Nodriza es la ampliación de un personaje masculino, el Condestable, en la obra de Guevara. Aquí no está. El Condestable tiene la única misión de anunciar la muerte, y este  personaje está alargado a lo largo de toda la obra teatral en el sentido que ha dicho María José. Tiene esa misión pero también otra misión. En los elencos del siglo de oro son mayoritariamente masculinos y siempre que podemos introducir algún personaje femenino que tenga sentido y justificación lo hacemos por muchos motivos, pero también porque hay más actrices que actores en todos los países.  Este reparto es igualitario - añade Ignacio -, cuatro actores y cuatro actrices. Fuenteovejuna eran cuatro actores y cuatro actrices; La hija del Aire cuatro actores y tres actrices. Eso responde a dos cosas. Por un lado las escuelas de arte dramático no salen 11 hombres y 2 mujeres. Sin embargo los elencos del siglo de oro son 11 hombres y 2 mujeres, 13 hombres y 3 mujeres, 14 hombres y tres mujeres… Son muy asimétricos y es muchos papeles que no son relevantes. El caso del Condestable de Castilla, aquí transformado en una Nodriza, para mí es mucho mejor par a el espectador de hoy que quien dé la noticia de la muerte del Rey de la muerte de Inés, sea quien ha participado prácticamente en la narración, y no como alguien que aparece sin saber quién es, a dar una noticia tan relevante. MANUELA VELASCO, doña Blanca de Navarra TENÍA MUCHO  MIEDO Y RESPETO     MANUELA VELASCO       RITA BARBER FOTOS: www.madridteatro.net  Manuela Velasco interpreta a doña Blanca de Navarra. No ha trabajado nunca con Nacho pero tuvo contacto con él motivo de una ficción sonora para el Festival de Almagro. Hablando con él me fascinó su  amor, su pasión por el siglo de oros y su manera de  contarlo. Es un gran comunicador y "contagiador" de pasión. Cuando me propuso Reinar después de morir, no tuve ninguna  duda, porque el hecho de trabajar con una persona que sabe tanto y realmente, cada día, con todas las dificultades que se pueden presentar en un proceso creativo, ningún día pierde el entusiasmo, la pasión y las ganas de seguir investigando y creando. Pensé que trabajar con él era una gran oportunidad, un gran regalo y, a la vez, quería, desde hace muchos años, iniciarme en el teatro de  verso, pero, como conozco la Compañía del Clásico, tenía muchísimo miedo y respeto. Había tenido la oportunidad  de trabajar con Pepa en El banquete (CLIKEAR) el año pasado. me dije:"se dan las circunstancias soñadas", que es trabajar con Nacho y Pepa, que nos llevan a un lugar tan gustoso de tanta comprensión Al leer su personaje de Blanca le pareció apasionante y divertidísimo de hacer. Cuando entramos en el proceso creativo, todo el equipo que ya venía de  Portugal, habían dado un vuelo, una trascendencia  al viaje que le pasa a Blanca durante  la obra. Tiene una cosa hermosísima: a lo largo de la función se da cuenta de todo. Ya cuando llega para casarse, se da cuenta de que el Príncipe no la quiere. Ahí se pone en marcha la defensa del deber, la cuestión de estado, de unos celos enormes. Con Nacho y Pepa, hemos desarrollado un viaje casi filosófico, dialéctico de darse cuenta y acaba tomando una decisión que se pone de parte de la vida, de lo que es verdad, del amor y no de los deberes fácticos, como es el deber por el deber o por interés. Lo que yo había leído del personaje, ha adquirido una dimensión mucho más grande. La escenografía apoya mucho esa idea de personas atrapadas por el poder con una serie de reglas y normas, que no tiene que ver con la vida. También es un reto para todos como actores, ya que la escenografía cuenta mucho, pero es muy exigente a la hora de actuar en ella. Otra cosa es que cómo RitaBarber cantando ayuda mucho a crear la atmósfera y ese mundo de pesadilla RITA BARBER, Violante  LA MÉTRICA TE ENGRANDECE Rita Barber interpreta a Violante y al mismo tiempo canta. Amén del placer del canto, que interpreta magistralmente en directo, declara sale de esta producción siendo mejor persona   Primero por la métrica, pues es encontrarse con un verso que supuestamente te limita, pero luego te das cuenta de que te engrandece como artista y como persona. Lo segundo es una cosa de lo que no se  habla mucho, pero he sentido una emoción muy fuerte en este montaje y es que el equipo artístico, además de una gran valía artística, tiene una gran valía humana. En el terreno del teatro y creo que en las demás profesiones también pasa, no siempre te encuentras con un equipo que favorezca un entendimiento que  facilite la comunicación. En este caso se ha facilitado esa comunicación. Creo que hay que destacarlo porque asistimos muchas veces a conductas de tiranía, o de poder mal entendido. Eso se ve en el montaje: la belleza de los actores que nos sentimos muy valorados y muy bien tratados y cuando se nos da una nota parece que lo hemos hecho mejor que nunca.

FOTO: SERGIO PARRA

LA ESCENOGRAFÍA
AZULEJOS, BÓVEDA INVERTIDA Y AGUA

	JOSÉ MANUEL CASTANHEIRA FOTO: www.madridteatro.net

José Manuel Castanheria no es la primera vez que trabaja con Ignacio a nivel escenográfico. El trabajo anterior fue con Historia del Cerco de Lisboa de Saramago. Este trabajo lo califica de "maravilloso".

Para mí ha sido un placer muy grande ver que el espacio escénico que hemos inventado ha sido habitado por dos elencos tan distintos de una forma tan maravillosa tanto en Portugal como en España.

Tras conversaciones con Ignacio, José Manuel ha concebido el espacio escénico

como una  cueva, un lugar cerrado. Otra idea era crear un imaginario que planteara iconos de la cultura de Portugal. Entre ellos los azulejos. De ahí surgió la inspiración  de una Iglesia muy pequeña que hay en Lisboa, cuya bóveda invertida es lo que tenemos aquí. Otra cosa importante es que trabajar con Ignacio es un desafío fantástico permanente, porque es un director que respeta la creación de los demás. Otro tema es el agua, en la que hay varias  referencias como La Quinta  de las lágrimas en Coimbra, la metáfora de la fuente, la del río  

LA MÚSICA
UNIVEROS HISPANO-PORTUGUESES
EL FADO BARROCO

RITA BARBER FOTO: SERGIO PARRA

La música es primordial en la obra, cuya selección y adaptación musical es de Ignacio García, pero un puntal fuerte es la voz en directo de Rita Barber, quien interpreta a Violante y declara

la música viaja por universos bastante diferentes, pasando por la folía. Nacho y  yo hemos jugado para  darle tintes de fado en algún  momento, pero transita otros momentos como so sicilianos… Ser instrumento de la música por la que transita Nacho me encanta. Haz esto, pues adelante…

A Rita le dice hazlo de este modo y lo hace. Hazlo de este otro y te lo hace - añade Ignacio. La música tiene una inspiración hispano-portuguesa. La gente no conoce una cosa que es muy bonita filosóficamente. Lo que en todo el mundo se conoció en el s. XVII y XVIII como la folía española, de la que hay una versión de  Vivaldi, Corelli, Bellinzoli…, la gente se creía que se refería al mundo sensorial hispánico. En realidad la folía españolase escribió en Portugal. Es una danza de carnaval original portuguesa en la que las mujeres se travestían de hombres. Esa idea nos atraía mucho por la identidad doble de este montaje. Otra idea era cómo hubiera sido el fado, si hubiera fado en el barroco, el cual surge muy avanzado el s. XIX, pero hay algo de él en la Saudade portuguesa. Entonces el experimento fue ¿qué hubiera pasado con fado si lo hubiera en el s. XVII? Casi todo de lo que canta Rita es ese experimento: una base musical barroca típica del s. XVII, como una base de la folía española, con el canto inspirado en las modulaciones y el color del fado. De las canciones que canta dos son originales, en portugués, de Vélez de Guevara, y luego una intrusión mía. Había dos versos del poeta portugués contemporáneo Alexander O'Neill que resumían muy bien el espíritu de los sueños de esta obra lo hemos transformado en una especie de fado que canta Rita varias veces:

"Me defiendo de la muerte,
poblando de nuevos sueños la vida".

FUNCIÓN
Lunes, descanso
Martes y domingos: 19:00 hrs
De miércoles a sábados: 20:00 hrs

PRECIO
25 €
Descuentos
Abono Clásico, Jueves, día del espectador, Mayores de 65 años: 50%
Jóvenes menores de 30 años: 30%
Familia numerosa: 50%
Personas con discapacidad igual o superior al 33% - 30%
Situación de desempleo: 50%
Grupos 20-29 personas: 25%
Grupos 30 ó más personas: 50%

	FOTO: SERGIO PARRA

Título: Reinar después de morir
Autor: Vélez de Guevara
Versión y dramaturgia: José Gabriel Antuñano
Asesor de verso: Vicente Fuentes
Movimiento escénico: Manuel Segovia
Selección y adaptación musical: Ignacio García
Vestuario: Ana Paula Rocha
Iluminación: Guilherme Frazâo
Escenografía: José Manuel Castanheira
Colaboración especial de Enzo y Lorenzo Mancuso
Producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico.
Intérpretes (por orden de intervención): David Boceta (Príncipe don Pedro), Julián Ortega (Brito), Carmen del Valle / Lara Grube (Doña Inés de Castro), Chema de Miguel (Rey don Alonso), Manuela Velasco (Doña Blanca de Navarra), Rita Barber (Violante), María José Alfonso (Nodriza), Ricardo Reguera (Alvar Gonzálvez),
Y los niños: Hugo Soneira Carriedo, Teresa Cordero, Ainara Mateos y Alicia Chojnowski en el personaje de Alfonso
Diseño de la puesta en escena: Ignacio García
Dirección: Pepa Pedroche
Duración: 1h. 20min
Estreno en Madrid: Teatro de la Comedia (Sala Principal), 10 - I - 2020

Más información            José Ramón Díaz Sande Copyright©diazsande

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