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Billy Budd. Britten.Entrevista T..R. PDF Imprimir E-mail
Escrito por José R. Díaz Sande   
Viernes, 03 de Febrero de 2017 10:07

BILLY BUDD
EL AMOR EN EL CENTRO

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FOTO: JAVIER DEL REAL

Billy Budd de Benjamin Britten (Lowestoft, 22 de noviembre de 1913 - Aldeburgh, 4 de diciembre de 1976, Inglaterra) está considerada como una de las cinco óperas más importantes del siglo XX. No obstante nunca se ha visto en Madrid, algo que Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, no consigue entender el que se presente por primera vez en el Teatro Real lo considera

  • un acontecimiento de primera magnitud. Además de esto vamos a tener el privilegio de tener el estreno de una nueva producción dirigida por Ivor Bolton, director musical del Teatro Real, y por Debora Warner, en la dirección escénica. 

DEL POEMA A LA NOVELA

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  JACQUES IMBRAILO (BILLY BUDD) / SAM FURNESS (UN NOVICIO)
FOTO: JAVIER DEL REAL

Billy Budd parte de la novela inacabada de Herman Melville, debido a su fallecimiento en 1981, que nació como una balada poética de unas cuatro cuartillas de extensión, titulada Billy esposado. El poema era muy sencillo:

En la víspera de la ejecución de Billy se contaban las últimas horas de un marinero condenado por ser el instigador de un motín a bordo. 

Melville decidió darle forma de relato y fue introduciendo nuevos personajes. Billy aparece como un guapo marinero mucho más joven que el de la balada. Construye un triángulo entre Billy, el capitán del barco, Edward Fairfax, y el primer oficial, John Claggart, los cuales son totalmente diferentes pero ambos se sienten atraídos por una pasión secreta hacia Billy. Melville revisó una y otra vez su manuscrito, pero la muerte hizo que quedase con imprecisiones. En 1924 se publica una versión que, posteriormente se pensó traicionaba la verdadera intención de su autor. Será en 1962 cuando se edita una versión definitiva, tras un concienzudo análisis de los manuscritos. De todos modos la versión de 1924 no dejó indiferente al mundo literario anglosajón. A Melville se le conoce fundamentalmente por su mítica obra literaria Moby Dick.

La temática de Billy Budd es varia y se presta a múltiples interpretaciones. A Benjamin Britten, parece ser que conectó con algunas que le fascinaban: la atracción incontrolable por la belleza juvenil, los dilemas morales que atormentan al ser humano y el eterno problema del bien y del mal. De ahí su decisión por escribir una ópera con esta historia y esta temática.

El libreto de la ópera, en cuatro actos, encargado al escritor Edwar Morgan Foster (1879 - 1970) - Una habitación con vistas, Howard's End, Pasaje a la India, Maurice…- y a Eric Crozier, parte de la edición de 1924, ya que se estrena en el Covent Garden el 1 de diciembre 1951, a petición del Royal Opera House para el Festival of Britain de 1951. El éxito obtenido no colaboró a que fuese una ópera de repertorio. Cuando en 1962 se edita la versión definitiva de la novela, en 1964 se estrena en el Covent Garden, también, una versión operística en dos actos, que en 1967 grabará como director de orquesta el propio Benjamin Britten. Esta es la versión que se ofrece en el Teatro  Real.  

Billy Budd es un joven marinero enrolado a la fuerza en un barco de guerra británico. John Claggart, el maestro de armas, le acusa gravemente de haberle amenazado, lo cual le lleva a un consejo de guerra. Es condenado a muerte y ajusticiado. Muchos años más tarde es el capitán Vere, atormentado por haber aplicado una ley injusta que acabó con un inocente, quien recuerda toda esta historia.

BILLY BUDD, LA MEJOR ÓPERA DE BRITTEN
POR SU CALIDAD MUSICAL

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IVOR BOLTON
FOTO: www.madridteatro.net
 

Ivor Bolton, director musical del Teatro Real se congratula de que se estrene en Madrid y de que se pueda la mejor ópera de Britten.

  • Peter Grimes es, tal vez, la más conocida y la más situada entre las óperas del mundo. Billy Budd es la segunda en cuanto conocimiento, pero no en cuanto a su calidad. Es la mejor como calidad musical. Tiene una serie de rasgos  específicos que la caracterizan: la gran densidad y concentración así como lo ajustado de su escritura desde el principio a fin, con esa bitonalidad que se desarrolla desde el prólogo y con una serie de motivos que luego se repiten en los metales y los vientos. Es una ópera con una orquestación muy rica, muy amplia y con una serie de conjuntos realmente memorables. La escena de cómo el barco se prepara para la batalla, al principio del segundo acto, hay un coro con 25 partes que exige un enorme virtuosismo a todos los que participan.

Los tres personajes principales de la obra se describen musicalmente.

  • Billy es un personaje fresco, cándido, inocente que fue escrito para Geraint Evans, pero consideró que era demasiado alto para su tesitura de voz de barítono - en el estreno lo interpretó Theodor Uppman y Geraint Evans (bajo-barítono) interpretó a Mr. Flint.  La voz principal es ladel capitán Vere. Este papel fue escrito para la pareja emocional y profesional de Benjamin Britten, Peter Pears, al igual que lo fue para el personaje de Peter Grimes. Las dos intervenciones introspectivas del capitán en el prólogo y en el epílogo de la ópera, enmarcan la acción que transcurren entre ambas. Hay, también, conjuntos musicales de una gran belleza, cargadas de poesía y con una declamación íntegra completa. Posiblemente este papel no era el más indicado para la voz de Peter Pears, porque exige una voz no demasiado ligera sino segura y bien asentada. En tercer lugar tenemos el personaje de Claggart, que se dice que personifica la maldad, aunque es un personaje mucho más complejo que todo eso. Gracias al montaje de  Debora Warner se nos ha desvelado todas las complejidades de este personaje, cargado de contradicciones.      

Se ha escogido la partitura de 1964 que consta de dos actos más prólogo y epílogo, frente a la de cuatro actos de 1951.

  • El gran cambio entre las dos versiones es en la primera vez que aparece el capitán Vere. En la primera versión se dirige a los marineros. En esta segunda aparece en la intimidad de su camarote que es una forma más elocuente. También la estructura dramática está más ajustada y concisa. Hay momentos concretos fantásticos como la segunda escena del primer acto.

DEBORA WARNER, LA ÚNICA MUJER
FRENTE A 110 HOMBRES

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  DEBORA WARNER
FOTO: JAVIER DEL REAL

Como característica peculiar es que es una ópera para sólo cantantes masculinos, y una única mujer, la cual queda fuera del escenario, ya que es la directora escénica: Debora Warner (Oxfordhire, Inglaterra), de la cual pudimos ver una versión de Julio César (CLIKEAR), en 2005, en coproducción con el Teatro Español de Madrid . Las localidades se agotaron de inmediato.

  • Esta es mi cuarta dirección escénica de una ópera de Britten, - Otra vuelta de tuerca, El rapto de Lucrecia y Muerte en Venecia - y ha sido igual de emocionante, llena de descubrimientos e igual de gratificante que la experiencias anteriores. Esta ópera despliega recursos colosales. Lo primero que había que plantearse y que planteé con mi habitual colaborador escenógrafo Michael Levine, la evocación de un barco: el Indomable, un barco de guerra del siglo XVIII. Queríamos evitar que hubiera la presencia física de un barco. Buscábamos algo más poético, sin que fuera algo abstracto. Por ello hemos decidido dar la sensación de un barco. Es decir, que en escena haya una sensación de movimiento, hay agua, hay maromas, lo propio de un barco, aunque no se trate de un barco. Esto conecta al teatro con el mar, porque cuando los barcos dejaron de ser de vela y las maromas desaparecieron de los barcos, aparecieron en los teatros. Hay un reflejo de estos dos mundos, Por ejemplo se dice que no se debe silbar en escena. Así hemos querido dar este sentido poético de un barco.

Otro de los elementos que  Debora destaca de este montaje es que se cuenta con

  • 110 personajes masculinos, por cierto, y una sola chica - ella. He trabajado con mi, también, habitual iluminador Jean Kalman, que lleva muchos años trabajando conmigo. Hemos creado unos matices especiales. Otros grandes colaboradores han sido la figurinista Chloé Obolensky y el coreógrafo Kim Brandstrup. Al principio me resultó increíblemente difícil decidir cómo abordar esta obra, pero Britten es un dramaturgo tan excepcional que en su música pude encontrar respuestas a mis preguntas. Sus obras son profundamente complejas y espirituales, y demuestran tener una inagotable capacidad para soportar los ensayos mas meticulosos. Aumenta la complejidad, retándonos constantemente a cuestionar el bien y el mal, la inocencia y la corrupción, el amor y el odio, y sumergiéndonos en una ambigüedad abierta y sin respuesta. Aquí yace, para mí, la genialidad de la obra. Nada es blanco o negro.
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TOBY SPENCE (EDWARD FAIRFAX VERE)
FOTO: JAVIER DEL REAL

UN TRIÁNGULO COMPLEJO EXTRAORDINARIO:
CADA UNO TIENE PARTE  DE LOS OTROS DOS

En la obra hay un triángulo complejo entre los tres protagonistas, que Debora califica de extraordinario.

  • Mi labor es presentarlos sin juzgarlos. Aunque en una primera lectura descubramos un hombre bueno, un hombre malvado y un ángel vengador, yo diría que ya nos estamos equivocando de camino si les definimos de esta manera. Cada uno tiene parte de los otros dos en su interior, y es cuando los tres se funden, colisionan y chocan, cuando la obra es realmente excepcional. Por ejemplo, John Claggart es, sin duda, un ángel caído, y debe serlo. Sin embargo, su temor a Billy, y a lo que Billy podría generar en él, sucede porque lo reconoce, porque ya lo ha experimentado antes. En definitiva, se nos presentan tres personajes con una naturaleza, función y estatus diametralmente opuestos, pero a través de ellos vislumbramos la universalidad de la experiencia humana. En otras palabras, su fusión psicológica puebla aspectos intrínsecos a todos nosotros, sin distinción de género; algo que es apasionante de experimentar y ver.
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JACQUES IMBRAILO (BILLY BUDD) / CLIVE BAYLEY (DANSKER)
FOTO: JAVIER DEL REAL
 

Para Debora, sin lugar a dudas, Billy Budd es una parábola cristiana, pero insiste en que

  • nada es bueno o malo, blanco o negro en esta ópera. Billy Budd no es un ángel radiante sin más. Esto es lo que haced fascinante esta ópera: la enorme complejidad que hay en su interior. El peligro que existe es  tratarla como si fuera una confrontación del bien o el mal, blanco o negro. De hecho partimos de una parábola, porque Melville estableció estos términos en forma de una parábola genial. A ello se añade la música Britten, el cual sumó capas y capas de sentido y tantas capas de complejidad, que se resiste a una interpretación simplista. Yo elegí, deliberadamente, resistirme a presentarla como una simple confrontación entre el bien y el mal. He trabajado duro para evitar, como hicieron ellos, juzgar a los personajes. Debe ser el público quien saque sus conclusiones sobre ellos. Ofrezco esta enorme complejidad que he encontrado en esta obra absolutamente genial. Es, sin duda alguna, una obra espiritual. He descubierto emociones muy profundas en elementos de esta obra. Billy Budd no es, en absoluto, el personaje simple que yo pensaba que era. En plena crisis vital, cuando está enfrentándose a una condena a muerte, es capaz de establecer un vínculo muy profundo con el capitán Vere. Un vínculo que ninguno habría establecido, si no fura como él un ser inteligente, lleno de imaginación. Igual de inteligente que el propio capitán  Vere. Lo hermoso y fascinante de esta ópera es que esos tres personajes del triángulo confluyen el uno en el otro. Se funden y se mezclan. Lo que vemos y el efecto que produce en nosotros es fruto de esa complejidad y de esa mezcla. Es decir, todos tienen partes del otro. Decir que Vere es el hombre justo, Claggart el malo y Billy el ángel salvador reduce mucho el efecto de la repercusión que esta obra tiene en nosotros, precisamente por la complejidad y profundidad del universo que está en esta mezcla. Si es, precisamente, fascinante es porque, esta mezcla es un reflejo de todos nosotros. El propio Benjamin Britten en una entrevista en los años sesenta a la BBC, dijo esto, que cuando la gente se pone a buscar explicaciones a esta alegoría no conseguía nunca ponerse de acuerdo. Es precisamente lo que estoy diciendo.

UNA OBRA MUY ESPIRITUAL,
YA QUE EN EL NÚCLEO ESTÁ EL AMOR

Debora subraya que sin lugar a dudas es

  • una obra muy espiritual, ya que en el núcleo está el amor. En este sentido sí que podemos evocar el cristianismo, porque el "leiv motiv"  de los cristianos, al menos en sus inicios de la iglesia primitiva y, tal vez, se perdiera un poco por el camino, en la época romana los cristianos decían que el amor era el eje conductor de su vida, y es, sin duda, el eje conductor de esta obra. 

SHAKESPARE EN LA TRASTIENDA

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BRINDLEY SHERRATT (JOHN CLAGGART) / FRANCISCO VAS (SQUEAK)
FOTO: JAVIER DEL REAL

Shakespeare está en la vida profesional Debora como la clave de un arco. Él le abrió las puertas del teatro profesional.

  • Desde mi experiencia personal, considero que Britten y Shakespeare son equivalentes en cuanto la sensación de verme conducida. Ambos le conducen a una hacia el corazón de la obra. Te acompañan y te permiten comprender todo mejor, si es que te dejas acompañar. Otra vuelta de tuerca fue la primera obra de Britten que dirigí y me sentí igualmente acompañada y cuidada que cuando trabajaba con Shakespeare, lo cual es mucho decir. Britten es un genio de la composición, y, sobre todo, el mayor ingenio dramático en términos operísticos. En este sentido es equivalente a Shakespeare. En la enorme fascinación y ternura que Britten despliega hacia sus personajes, y por tanto hacia el género humano es parecida a  Shakespeare. Britten tampoco juzga a nadie como no lo hace Shakespeare, el cual sólo juzga cuando hay mentira. En este sentido muchos se sentirían juzgados actualmente.

Esa ambigüedad de hasta qué punto el arrepentimiento de Vere queda claro, lo manifiesta, según Ivor Bolton, a través de la orquesta en cuanto que ésta se va diluyendo en el epílogo final. Lo que se desvanece precisa Ivor

  • son los cuatro motivos asociados a Claggart, la corriente subterránea de maldad que va desapareciendo poco a poco a lo largo de la obra.

Debora  matiza este final recordando que el epílogo tiene dos partes en esa parte final en el que la orquesta se diluye.

Si estuviéramos ante una obra de Beckett sería el momento que nos conectaría directamente con el prólogo. Es decir la obra empezaría de nuevo. Es una opción. Se podría volver a interpretar. De hecho la ópera merece ser vista más de una vez.

ENTENDER LO QUE DICEN LOS CANTANTES

Una de la obsesiones de Britten es que en sus óperas se deberían entender el sentido de las palabras. Según Ivor Bolton

  • no nos hemos limitado a que el texto se entienda a través  de los subtítulos. Hemos tratado de reflejar esta claridad a nivel profundo de los personajes. De todos modos Britten hace un cálculo  extremadamente fino y ajustado de la orquesta. Incluso en la escena de la batalla hace que los grupos de los marineros vayan entrando sucesivamente de modo que comprendemos lo que están diciendo. Indudablemente la orquesta tiene que buscar un equilibrio par que se escuche lo que dicen los cantantes. A este respecto también es importante la extraordinaria calidad del libreto, que Britten hizo con sus colaboradores Foster y Crozier. Fue una colaboración muy profunda, y Foster se atrevió a criticar mucho a Britten, algo que casi nadie se atrevía a hacer, porque Britten tenía un carácter bastante fuerte. Era muy susceptible a las críticas, pero esto permitió alcanzar una gran calidad en este libreto, y el cálculo orquestal es el de un gran maestro como era Britten. Por ejemplo en la primera escena de las cuerdas al principio casi se podría silbar. Hay otros momentos muy ricos, muy densos y con una escritura vocal muy rica. También al principio del segundo acto se reflejan las emociones que le brotan al capitán Vere  cuando se da cuenta de las maquinaciones de Claggart. Ahí eleva la voz con toda su potencia.  
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CHRISTOPHER GILLET (RED WHISKERS) / JACQUES IMBRAILO (BILLY BUDD) / FRANCISCO VAS (SQUEAK) / DAVID SOAR (MR. FLINT)
FOTO: JAVIER DEL REAL

¡CIELOS! CON 110 TÍOS AHÍ,
PERO ENSEGUIDA SE LE OLVIDA A UNA
QUE ES LA ÚNICA MUJER.

El que sea la única mujer en este montaje de todo hombres no le fue indiferente en un principio. De hecho reconoce que por su cabeza no pasó

  • ¡Cielos! Con 110 tíos ahí, pero enseguida se le olvida a una que es la única mujer. No se siente, en ningún momento, la falta de una voz femenina. Se oía la voz de una soprano ensayando en otra sala, pero no piensa una:"Ojalá  tuviéramos aquí una soprano!" Precisamente porque esta obra tiene tantas capas y está llena de momentos de ternura, de amor, de afección, contrasta con la vida durísima y hostil que transcurre en este barco. También hay un coro infantil maravilloso. Son seis papeles. De hecho la mejor es una chica que llevaba el pelo largo y dijo: "Par cantar me corto el pelo", y se lo ha cortado mucho. No se distingue en ese coro infantil del resto de los niños. De todos modos esta abundancia de hombres queda compensada con el montaje que acabo de terminar con Glenda Jackson en el Rey Lear.   
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THOMAS OLIEMANS (MR. REDBURN) / TOBY SPENCE (EDWARD FAIRFAX VERE) FOTO: JAVIER DEL REAL

Referente a este aspecto de solo hombres que se traducen en una partitura de voces masculinas exclusivamente, el director musical Ivor Bolton opina

  • que no se echan de menos las voces femeninas, debido a la  tremenda variedad orquestal que Britten despliega con el uso extensivo de solistas y con gran número de variaciones del saxo alto que acompaña al novicio, el uso frecuente del piccolo, y una escritura brillante, rica y variada. En comparación con  Peter Grimes que compuso seis años antes es otro mundo. Hay solos en forma de orquesta de cámara y, a continuación, momentos en que se usa toda la potencia de la orquesta, como es el momento de preparación a la batalla. Hay tal variedad que no se echan de menos las voces femeninas. No creo que Britten desplegara toda esta variedad pa que no se echasen de menos las voces femeninas, pero hay también una gran riqueza en la orquestación vocal a través de los diversos registros: desde los cantos marineros del principio hasta  la introspección del capitán o bien los coros durante la batalla que son todo un tour de force de virtuosismo y multidivisión. En la insurrección incipiente en protesta por la muerte injusta de Billy, al final de la ópera, hay una música sin palabras. Es decir, la orquesta tiene una gran variedad de registros. De hecho Benjamin Britten consigue adaptarse maravillosamente al mundo que nos cuenta en cada una de sus grandes cinco óperas: Peter Grimes, Billy Budd, GlorianaPeter Grimes es más lírico, Billy Budd es la ópera más colorista, Gloriana es la más mediana y Muerte en Venecia tiene un lenguaje armónico completamente experimental. Totalmente nuevo.          

LA ORQUESTA FUNDAMENTAL
A NIVEL NARRATIVO

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JACQUES IMBRAILO (BILLY BUDD) / DUNCAN ROCK (DONALD) / CORO Y ACTORES
FOTO: JAVIER DEL REAL

La orquesta tiene un papel fundamental a nivel narrativo - añade Joan Matabosch y que asiente Ivor Bolton -, hasta el punto de confiar el dúo de Vere y Billy, antes de ajusticiarlo a la orquesta, más que a la parte vocal.

  • Está contado a través de 34 acordes que se repiten y entre los que se alternan modos mayores y menores con distintas orquestaciones e instrumentos, que producen un efecto absolutamente transformador en cada momento, vívido y nos permiten imaginarnos a la perfección lo que estamos viendo: el momento en que el capitán tiene que anunciar esa sentencia, y el momento en el que Billy tiene que asumir lo que va a  ocurrir con él. Eso adelanta perfectamente el aria que viene después y canta Billy. Un titilar de las cuerdas en modo de seis octavos luego un solo lastimero y plañidero del piccolo, que recuerda una canción de cuna y evoca, en esa aria la vida que va a perder. Esta simplicidad que parece que existe en Britten es el modo que tiene de afinar al máximo y contar esa verdad. 

Más información
     Billy Budd. Britten. T. Real

José Ramón Díaz Sande
Copyright©diazsande

 

 

 

 

 

 

Última actualización el Viernes, 03 de Febrero de 2017 17:54
 
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