LA VENGANZA DE DON MENDO
UNA MONUMENTAL OBRA DE TEATRO

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Si hay un título emblemático en la dramaturgia española es La Venganza de Don Mendo de  Pedro Muñoz Seca. Una y otra vez sube a los escenarios y es título, también, muy socorrido en el ámbito escolar. Hace dos temporadas se presentó una versión en los Veranos de la Villa, en los Jardines de Sabatini,  producida por Salvador Collado y dirigida por Jesús Castejón. La obra se hizo solamente dos semanas en coproducción con los Veranos de la Villa y luego terminó.  Al estar toda la Compañía muy contentos con el resultado se decidió retomarlo y volver a representarla.  Ahora abre la temporada del Teatro Fernán Gómez de Madrid. Salvador Collado insiste en que

• La venganza de Don Mendo no necesita presentación. Se estrena el 20 de diciembre de 1918, en el Teatro de la Comedia. Es una de las obras más representadas del teatro español, la cuarta, y posiblemente la más divertida. El montaje es el mismo de hace dos años con un poquito menos de gente, y tengo que agradecer a todos los actores y equipo técnico que se hayan sumado al esfuerzo  de hacerlo. Meterse en un espectáculo con 15 actores en un escenario es casi imposible como están hoy las cosas. Todos ellos están arriesgando conmigo para estar en este montaje. Les doy las gracias a todos.

VALLE INCLÁN:
UN MONUMENTAL AUTOR DE TEATRO

	ÁNGEL RUIZ FOTO: www.madridteatro.net

Acerca de Pedro Muñoz Seca, el autor, Salvador Collado resalta una cita de Valle Inclán:

• En un momento dijo de Muñoz Seca, "Quítenle al Teatro de Muñoz Seca el humor, la caricatura, arrebátenle su ingenio satírico, y seguirán ante un monumental autor de teatro". Eso es lo que don Mendo es: una monumental obra de teatro.

Jesús Castejón ante el estreno, a pesar de ser una reposición no oculta sus temores:

• Se acerca el momento febril y gozoso del estreno, y ya llevo incorporadas un montón de cosas. Llevo incorporado el micrófono, llevo incorporado el miedo…Esta frase  se le atribuye a Muñoz Seca. Parece ser que cuando lo iban a fusilar, delante del pelotón de ejecución dijo: "Me podéis quitar la vida. Me podéis quitar todo lo que poseo. Lo único que no me vais a poder quitar es el miedo que tengo en estos momentos". Y murió. Quiero decir que semejante ser humano era capaz de muchas cosas, y esta es una de las obras más grandes del teatro español.

ENCANTADO DE SUMERGIRME EN ESTE TEATRO

Jesús manifiesta estar encantado de "sumergirse" en el Teatro Fernán Gómez, porque

• La primera vez que me sumergí aquí, porque en este teatro uno se sumerge - el teatro está situado bajo la Plaza de Colón y antiguamente una cascada de agua afloraba en el exterior -, la primera vez tenía unos 18 años, y aunque alguno se sorprenda ya estaba construido. Este montaje está basado en la continuidad. A pesar de ser una gran obra que por sí sola se puede sostener, sin un magnífico reparto y sin una voluntad y una disposición para estar en el punto en el que un actor tiene que estar, que es en el de la declamación y con muy poco complejos, porque hay que declamar. Aquí el método "posineski" nos vale muy poco. Hay que ir a la palabra, y al tajo, como decían los viejos. Todos los colegas que me acompañan hacen que se produzca el éxito, porque, al final, los actores son los que están en el escenario. Gracia a ellos ha cobrado vida y se mantiene muy vivo a pesar de haber pasado dos años, el montaje de esta producción.

CRISTINA GOYANES / MARCELO CASAS FOTO: www.madridteatro.net

EL MOVIMIENTO CONTINUO PARA DON MENDO

El montaje se basa en el movimiento continuo, aspecto que hay que agradecer a Nuria Castejón, hermana de Jesús y colaboradora habitual en sus montajes. Cuando no la tiene es

• como si me faltara una mano. Ella se anticipa a mis necesidades y a las del espectáculo. Las mías son las de salir corriendo, pero no voy a poder hacerlo hasta el día 9 por lo menos (el estreno). Con Nuria es muy fácil trabajar. 

MARCELO CASAS / CHEMA PIZARRO / CRITINA GOYANES / ÁNGEL RUIZ FOTO: www.madridteatro.net

UN ALARDE DE VERSIFICACIÓN
Y UN RITMO ENDIABLADO

Jesús Castejón destaca las excelencias de estructura de la obra

• Entre un retruécano (1) y otro pasa el tiempo suficiente. Está pensada para que el actor no tenga que sobrepasar las risas. Además es un alarde versificación. Están todas las formas posibles de verso. Y luego el humor, al menos a mí, me ha dado la capacidad de reírme de mí mismo. Me he criado entre cómicos y la comedia es el medio en he tenido que hacer de todo. Esta función está tan bien pensada y la carpintería tan bien tramada que es lo que hace que no haya respiro, y, sin embargo, los actores no tengan que forzar sobre las risas del público. Hay los espacios suficientes para ello. La lástima es que hay cosas que casi ni se entienden, porque pertenecen al 1918, pero con un montaje ágil y respetando la necesidad del autor de que el público sea un personaje más, pues constantemente todos los personajes están dirigiéndose directamente al público para contarles lo que les están pasando. Este es el éxito de una función que no tiene más pretensión de hacer reír desde  que empieza hasta que termina. El final es para morirse de risa, y todavía a la gente le quedan ganas para reír.

CHEMA PIZARRO / CRISTINA GOYANES  FOTO: www.madridteatro.net

Jesús Castejón no ha optado por una interpretación personal ante una obra tan representada y tan directa como es. Lo que sí ha tenido interés es

• darle un ritmo endiablado que ya hay en ella. Eso me parecía importante. Era difícil porque se está hablando en verso. No hay nada nuevo en esta función. Hay una puesta en escena que hubiera sido impensable hace 20 años o 30 años. Tal vez lo más novedoso es dar una continuidad en ese espacio que va cambiando sin echar un telón ni hacer un oscuro.

ÁNGEL RUIZ CREA UN DON MENDO ARLEQUINADO

Al supuesto ladrón, Don Mendo, lo interpreta Ángel Ruiz (Pamplona), ducho en esto de la comicidad y que ha sido nominado al Premio la Unión de Actores por Follies (CLIKEAR) y Miguel de Molina  al desnudo (CLIKEAR). Manifiesta la

• mucha responsabilidad de interpretar don Mendo y el estar en un teatro que se llama Fernando Fernán Gómez, y quién no recuerda ese Mendo del cine interpretado por Fernán Gómez, que es insuperable, así  como un teatro que ha acogida esta función en muchas ocasiones, done se hizo otra de las grandes versiones como fue la de Manuel Gómez Bur. Pisar este escenario donde grandes cómicos han representado a Don Mendo es mucha responsabilidad y al mismo tiempo un honor. Don Mendo es un héroe, y como el propio Muñoz Seca dice que es una caricatura maravillosa de lo que es el teatro del siglo de oro, de la tragedia y hacer don Mendo intentando aportar algo nuevo si es que se puede. Se trataba de hacer algo propio, y lo que hemos hecho entre Jesús y yo y toda la compañía ha sido hacer el  Mendo que sale de nuestras entrañas y entresijos.    

Ángel concreta que su aportación a interpretar un personaje de este calibre y de esta envergadura es que

• mi preocupación siempre ha sido que no se puede mejorar lo que se ha hecho. lo que he hecho con Don Mendo es llevarlo a mi terreno. Una especie de tamiz entre Arlequino, que es una cosa que está en mí, y dejarlo salir a través de Don Mendo. Jugar con él y  a ver qué salía. Por supuesto Jesús me ha ayudado y ha echado más leña al asador. El Don Mendo que la gente va a ver es un Don Mendo peculiar. Un Don Mendo muy eléctrico que respeta perfectamente el verso que es donde está la comedia, pero he aportado esa cosa física que forma parte de mi modo de trabajar, sobre todo en comedia. 

	ÁNGEL RUIZ / JESÚS CABRERO FOTO: www.madridteatro.net

Ángel recuerda que algo en lo que ha insistido Jesús es en

• huir de la naturalidad. No es una obra naturalista. Para nosotros es un reto, pues estamos en una época en que lo que impera es el naturalismo y el realismo, y hacer don Mendo es ponerse a prueba como actor. Como cómico. Es hacer barra como en el ballet. Es maravilloso pues es jugar, pero siempre partiendo de esta especie de losa del naturalismo. Poder hacer una función donde te dicen "no seas naturalista sino vuela", es un placer y es muy difícil. Eso es una brillante aportación de Jesús.

CRISTINA GOYANES OPTA POR
UNA MAGDALENA REVOLTOSA

La pérfida Magdalena viene encarnada por Cristina Goyanes, sobrina de María José Goyanes, se muestra feliz porque

• La venganza de Don Mendo es una función que yo vi desde muy pequeñita, y les decía a mis padres (Mara Goyanes y Ramón Reparaz), que eran actores, "yo de mayor quiero hacer este personaje de Magdalena". Iba llegando la edad y dije "pues ya no la voy  a hacer". Al final la hecho y contando con estos maravillosos compañeros con los que con algunos ya he trabajado en el Mendo de los Jardines de Sabatini. Volverlos a encontrar es un lujo. Además de compañeros son amigos. Doy las gracias a Salvador Collado por pensar siempre en mí y por la magnífica dirección de Jesús, que es un placer trabajar con él.

Con respecto a su personaje confiesa estar enamorada de él.

• Se le podrían sacar defectillos a la chavala, pero como la quiero tanto no se me ocurre ninguno.  Estoy encantada con ella. No es mala, es caprichosa

Una arpía- irrumpe Ángel Ruiz.

• Perdona, es caprichosa…, bueno, un poquillo revoltosa. Me he dejado dirigir y no es la primera vez que me encuentro con el verso, pues he hecho bastante a lo largo de mi carrera, pero es la primera vez que me estoy divirtiendo.   

ÁNGEL RUIZ / JESÚS CABRERO FOTO: www.madridteatro.net

ROBERTO QUINTANA, UNA DOÑA RAMÍREZ
CON LA FILOSOFÍA DE "A MÍ PLÍN"

Roberto Quintana (Málaga) fue director del CAT (Centro Andaluz de Teatro) desde 1988 hasta 1991. Salió escaldado y reforzado en una idea "una cosa es ser gestor y otra actor. Él se decanta por la de actor, y desde entonces sus éxitos fueron en aumento. Ha sido también autor, director, productor y profesor de Interpretación en el Instituto del Teatro, en la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla, en el Institut del Teatre de Barcelona y en Escénica de Sevilla. Es Catedrático de interpretación. Escribió su autobiografía: Una vida comediante. La aventura interminable. Por ella sabemos que en su vida ha encarnado a sesenta personajes y al incluir recitales y otras manifestaciones artísticas se alcanza la cifra de 70 proyectos.

• Me pasa lo de Cristina. Esta, y algunas más, es una de las funciones que cuando uno empieza a ser cómico, aspira ver si la puedes hacer algún día, si te cae en suerte, y como decía Salvador, es una obra de numerosísimos personajes y piensas que no te va a caer y no tendrás esa suerte. Voy a cumplir 50 años de mi vida por los escenarios, y ya pensaba que esto no pasaría. Ha pasado, y para mí muy felizmente, porque trabajar con Jesús es un auténtico placer, y no es coba. Es de los pocos directores que respetan a los actores, y lo hace de una manera generosa. Gracias a la Compañía y hay que verla porque es rabiosamente divertida. Agradezco a Jesús que me haya entregado este regalo fabuloso.

ROBERTO QUINTANA Y LOS GEMELOS FOTO: www.madridteatro.net

Roberto Quintana es doña Ramírez, la dueña y cuidadora de Magdalena. Ante tanto baturrillo de la corte finaliza con una frase "A mí plín". Hace años en una de las representaciones cuando la tal Ramírez lanzó su expresión, el público replico "yo duermo en pikolín". Eran los años en que en televisión se publicitaba los colchones Pikolín.  Los actores quedaron desconcertados.

• La decisión de convertirme en dueña es enormemente representativa de lo que es La venganza de don Mendo. El que este personaje que es una mujer lo haga un hombre, y yo huyo, con perdón, de toda mariconada, es porque es una tipa que es un tipo, y es la interpretación de "A mí plín". Me da lo mismo ser hombre que ser mujer. El problema está donde está y esto es lo que hay. Por otro lado es una suerte, porque yo lo paso bomba, sobre todo porque es la tercera vez que hago un personaje femenino en el escenario. Uno muy al principio de mi carrera; hace unos años La Celestina y ahora éste. Pero los dos anteriores habían sido personajes muy potentes desde el punto de vista dramático, y en este caso es "divertimentoso"       

KARMELE ARTAMBURU,
UNA DOÑA BERENGUELA CATALANA

Karmele Aramburu interpreta al  reina Doña Berenguela, de origen catalán y por lo tanto con acento marcado de esa región.  

• Abordo mi personaje desde la más pura caricatura y la más pura exageración, que es como creo que Muñoz Seca planteó estos personajes, que pueden parecer muy serios, pero se les da 8 vueltas de tuerca y de ahí surge toda la comicidad. Los actores encima de un escenario jugamos y nos divertimos. La mejor manera de trabajar esta obra es con esa idea de  juego continuo y de la diversión continua. Si yo no me divierto, es difícil que el espectador se divierta.    

VALERY TELLECHEA ES AZOFAIFA
LA HEROÍNA TRÁGICA DE LA FUNCIÓN

	JESÚS CASTEJÓN / VALERY TELLECHEA FOTO: www.madridteatro.net

Ángel Ruiz advierte que hay un "personaje que siempre me ha parecido maravilloso, y es el de Azofaifa. Es la heroína trágica de esta función".

Valery Tellechea la interpreta.

• Estoy de acuerdo con Ángel. Para mí es el único personaje que dice la verdad. Es la única que ama, persigue y no miente a nadie. Además es muy honorable lo que hace, porque  ella no mata por ella sino porque le han hecho daño al amor de su vida, Don Mendo, y con tal honestidad así la he tomado. Tenemos un momento que es el menos caricaturesco, pues hay mucho amor y mucha ternura. Aún así sigue siendo divertida, porque las cosas que le pasan a la pobre…Quiero añadir que es un placer trabajar con esta compañía desde producción hasta actores y equipo técnico.   

UN AMPLIO REPARTO

Jesús Berenguer interpreta a Don Nuño. Español de origen se ha criado en otras tierras. Se siente encantado de trabajar en esta compañía y conocer a Jesús Castejón,

• que es un director maravilloso. Ver el Mendo que hace Ángel, yo nunca había visto una cosa así. He visto Mendos con gente de otra edad y otro estilo. El tiene un sello muy distintivo y, para mí, es una alegría y hasta puede ser un modelo, porque yo el verso nunca lo he trabajado y es mi primer experiencia, muy ayudado por Jesús Castejón. Estoy muy feliz    

Marcelo Casas, interpreta a Cludulfo, al Abad y al Rey Don Alfonso VII

• Cludulfo es el carcelero de ratas y cloacas y la primera vez que habla a Don Mendo es para chincharle y meter cizaña. tiene dos hogazas de pan enormes y da miguitas a los presos; el Abad tiene un sentimiento de maldad, pero camuflado de verdad y luego al Rey.  

EL RIPIO, ALMA DE ESTA COMEDIA

KARMELE ARAMBURU / ÁNGEL RUIZ FOTO: www.madridteatro.net

Uno de los escollos del verso es el ripio o la cantinela machacona. en el caso de Don Mendo el ripio, de alguna manera, está pretendido, lo cual es un arma de doble filo por poder caer en lo facilón y no tener en cuenta la melodía del verso. Ángel Ruiz piensa que justamente

• en el ripio está el 80 % de la gracia de esta comedia. El ripio hace también que el ritmo, que está bien medido, te ayude, no solamente a la conseguir la cuestión cómica, sino a memorizarlo. Cuando te aprendes don Mendo no hay manera de quitártelo de la cabeza. Es como una gota malaya. Eso facilita mucho las cosas. Y en el ripio está el ritmo también. Por otro lado cuando se hable del verso serio o no, en don Mendo es muy serio. Está tan bien medido que hay que tratarlo con esa seriedad. Karmele Aramburu es nuestra gran asesora de verso y que no perdona ni una sinalefa, nada, nada. Si eso se lleva a buen puerto y uno respeta el verso y el ripio, ya tienes el 80% de don Mendo. El gran acierto de Muñoz Seca es haber hecho un ejercicio de estilo. Un verso medido con todas las versificaciones posibles, como decía Jesús. Eso es lo que hace que sea una maquinaria perfecta de comedia.
• La virtud de esta obra de que el público es un personaje más - completa Jesús Castejón - , del que no se espera respuesta , porque entonces no acabaría nunca la función, el ripio está comentado por los personajes. Cuando un personaje hace un ripio, hace evidente que lo ha hecho, pero hasta la medida justa. No puedo decir si nos hemos mantenido en la medida justa, pero la comedia se defiende por sí misma. Hacemos evidente el ripio y lo servimos en bandeja, y lo ponemos a disposición de la risa de la gente y cuela perfectamente.  

KARMELE ARAMBURU, LA DEFENSORA
DE SINALEFAS SIN ACABALGAMIENTOS

Por parte de Karmele Aramburu, asesora de verso,  todo este batiburrillo del ripio le ha llevado a ser

• la defensora de sinalefas sin acabalgamientos. Quien me conoce sabe que es algo que adoro. El teatro de verso es algo maravilloso. Si sabes hacer bien teatro de verso, la prosa ya sale sola. Todo lo que el verso nos enseña, nos sirve para hacer cualquier interpretación sobre el escenario, con lo cual yo siempre defenderé el verso. El verso asusta porque no lo conocemos, pero cuando lo conoce y vas a favor del verso, te montas en la tabla y haces "surf". El verso te lleva solo. Simplemente hay que saber ponerte encima de la tabla y mantener el equilibrio. A partir de ahí lo hace él solo. Esta función está tan bien escrita que hay que confiar y nada más.

CHEMA PIZARRO / CRISTINA GOYANES / ÁNGEL RUIZ FOTO: www.madridtatro.net

CUATRO ESPACIOS ESCÉNICOS
EN MOVIMIENTO

La obra se nos cuenta en cuatro jornadas: Sala de armas del Castillo; Prisión en la torre; Campamento del siglo XII; Cantera o mina abandonada. En los tiempos de los telones pintados la dificultad era menor, bastaba que estos subieran y bajaran, en los respectivos descansos. Con los decorados de cuerpo esto se complica y en un Teatro como el Fernán Gómez, sin telar la prueba aumenta de dificultad.

• En los Veranos de la Villa teníamos un enorme escenario que había que reducir con la luz y las posibilidades escénicas. Es imposible representarlo con una forma gigante.  Además hay que pensar siempre con la posibilidad y vida de ese espectáculo. Si haces un contenedor gigante como suelen hacer los Teatros Nacionales líricos, eso no hay modo de mover. Pensando en eso, se hizo una escenografía circular móvil que la cambian los propios personajes, y que aquí entra perfectamente. Hemos tenido que cortar un poco las alturas de las banderas y estandartes por altura, pero está bien servido.   

En su estreno de 1918, la obra se presentó escénicamente a lo grande como si fuera un melodrama del Teatro Clásico, de modo que el vestuario y los respectivos decorados fueron alabados. El diario El Sol en el 22 de diciembre se escribía: “Rara vez hemos visto en nuestro teatro una obra de época propuesta con tanta propiedad y riqueza (…) Las telas son riquísimas y perfectamente relacionadas en sus tonos, formándose cuadros de un conjunto altamente armónico (…) Por el escrúpulo y esplendor con que la obra ha sido montada merece la Empresa una cumplida enhorabuena”. En un primer momento el espectador se sentía impactado por la seriedad y grandiosidad de la escenografía y el contraste con la comicidad de la obra. En la actualidad ese "shock" se pierde.

• Esa grandiosidad hoy no es posible, pero se gana en funcionalidad y el que el espectáculo pueda tener vida. Eso también es una condición, y la condición viene del mismo sitio. Del precario que vivimos y del poco caso que nos hacen, y de la venganza que están ejerciendo sobre nosotros por muchas cosas. Venganza que se manifieste en eso de que se nos castigue con el 21% de IVA: que cada vez se nos haga menos caso y se nos ningunee, y no se nos considere dentro de la cultura de un país. Me suena a venganza y no puedo evitarlo.

ÁNGEL RUIZ FOTO: www.madridteatro.net

En diversas ocasiones se ha intentado tener acceso a un teatro en Madrid, tanto público como privado.

• Para llevarlo de gira pensábamos que debería tener un paso por Madrid. Afortunadamente el Fernán Gómez nos ha acogida. Creo que es una obra muy adecuada para abrir la temporada de este Teatro, pues entronca muy bien con la línea de programación que siempre ha tenido este teatro y al que el público ha respondido.  

EL PÚBLICO ACTUAL NO BUSCA NADA

Casi centenaria - 98 años encima - la interrogante es qué puede buscar el público actual en ella, un público en suspenso por esos interminables días de un gobierno en funciones.

• El público actual no busca nada. El público actual hace un acto de fe entregando su  dinero y su tiempo para ver un espectáculo y se encuentra de todo. Lo que sucede es que estos autores son maestros y todo el humor parte de ahí. han ido cambiado: el teatro del absurdo, el astracán y llegara a la comedia de nuestros días. Lo que ocurre es que desde hace mucho tiempo, la comedia se desvirtúa por el gracioso. Lo único que nos falta a los españoles es poner la comedia en su sitio, porque sabemos hacerla muy bien, pues tenemos los tiempos, los ritmos, la gracia. Lo único que nos falta es que las comedias se defiendan solas y no pretender ser graciosos. La gracias está en el texto. Lo único que tiene que hacer el actor cuando construye el personaje es vivirlo con la mayor seriedad posible, como ocurre en Don Mendo.        

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(1) Contraposición de dos frases formadas por las mismas palabras con el orden invertido en una de ellas, con el fin de que presenten un significado contradictorio o antitético

Más información     La venganza de Don Mendo. Collado-Castejón      José Ramón Díaz Sande Copyright©diazsande