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Escena Conemporánea. Programaión General PDF Imprimir E-mail
Escrito por www.madridteatro.net   
Miércoles, 03 de Marzo de 2010 10:03

 

 

ESCENA CONTEMPORÁNEA
VI FESTIVAL ALTERNATIVO
DE LAS ARTES CONTEMPORÁNEAS

[2006-02-26]

Del 30 de enero
al 25 de febrero de 2006

 

 


ESCENA CONTEMPORÁNEA

VI FESTIVAL ALTERNATIVO
DE LAS ARTES CONTEMPORÁNEAS


Del 30 de enero
al 25 de febrero de 2006


INAUGURACIÓN

VI EDICIÓN FESTIVAL ESCENA CONTEMPORÁNEA

Atlas (o antes de llegar a Barataria)
Danza
Círculo de Bellas Artes
(Teatro Fernando de Rojas)
30 enero: 21 h
 

PROGRAMACIÓN   GENERAL


ATLAS
(O ANTES DE LLEGAR A BARATARIA)

FOTO: JORDI BOVER

Danza

Compañía Mal Pelo –
Catalunya (España)

Círculo de Bellas Artes
(Teatro Fernando de Rojas)
(Madrid)
31 enero: 21 h


El Instituto Cervantes presenta el proyecto ganador del concurso convocado con motivo del IV Centenario de la publicación del Quijote: Atlas (o antes de llegar a Barataria).

Como en trabajos previos de Mal Pelo, parte de elementos sólidos. Las referencias de Atlas han sido el estudio Cuerpo y gesto en el Quijote de Cervantes de Bénédicte Torres, la película inacabada Don Quijote de Orson Welles y la idea de un viaje compartido a ninguna parte. Un viaje, para indagar en la relación entre dos hombres y reflexionar sobre cómo el cuerpo es el lugar donde ocurren las tensiones entre la imitación de la literatura y la realidad.

La intención, en este caso, de Mal Pelo, ha sido partir de una situación dramática de dos personajes, de dos intérpretes masculinos en escena, sin hacer una representación de los personajes de la obra de Cervantes, sino construyendo un mundo de contraste entre la presencia real de los intérpretes y un mundo de artificio en el que ambos pueden ser un mismo personaje y juntos construir una visión poliédrica de una personalidad y una corporalidad compleja. Hay también una intención de vincular la realidad cervantina con nuestro tiempo a través de la necesidad de desnudar la apariencia y la necesidad de desarrollar una picaresca para crear estrategias de supervivencia.

Atlas es un espectáculo dirigido por Pep Ramis y María Muñoz, codirectores de Mal Pelo. Autoría compartida que ha dado como resultado más de 25 espectáculos hasta el momento y es uno de los rasgos distintivos del grupo. Pep Ramis y Jordi Casanovas son los intérpretes que muestran sus cualidades actorales, sus registros de movimiento y su larga experiencia compartida en la creación escénica.

Mal Pelo se forma como grupo de danza en 1989, que se rodea de colaboradores, siempre con un mismo propósito: trabajar el cuerpo como herramienta principal, investigando permanentemente, tratando de contar los temas de siempre, de una manera siempre distinta, para llegar a nuevos paisajes. Todo ello con una mirada intimista llena de historias cotidianas y detalles, una mirada tierna y dura al mismo tiempo. Un lenguaje en el que se mezclan diferentes disciplinas, para elaborar un tipo de construcción dramática que ofrezca al público la posibilidad de hacer una lectura más asociativa.

Ficha artística y técnica

Dirección y espacio escénico
: María Muñoz, Pep Ramis
Creación e Interpretación: Pep Ramis, Jordi Casanovas
Música: Steve Noble
Ayudante de dirección: Cristina Cervià
Iluminación: Ramón Rey (A.A.I.), August Viladomat
Técnico de sonido: Lluis Robirola
Escenografía: Ben Heinzel-Lichtwark
Colaboración vídeo: Núria Font
Colaboraciones artísticas: Anna Subirana, Julyen Hamilton
Imágenes vídeo: Mal Pelo
Vídeo animación: Dirk Van de Vondel
Vestuario: Ariadna Papió
Fotografías: Jordi Bover
Promoción y coordinación artística: Eduard Teixidor
Gestión económica y producción: Mar Senespleda
Ayudante de producción: Susanna Saguer, Meritxell Yanes
Agradecimientos: Bénédicte Torres, Pep Pujol.
Producción: Instituto Cervantes, Mal Pelo y GREC 2005. Con la colaboración del Teatre de Salt.
Duración: 50 minutos


Más información


   www.malpelo.org


DE FARRA

Danza

Compañía Enclave-Roberto Oliván
Bélgica

Sala Cuarta Pared
(Madrid)
31 enero y 1 febrero: 21 h

Auditorio Víctor Jara
Arganda del Rey
4 febrero: 20.30 h


El tercer trabajo del coreógrafo Roberto Oliván. De Farra es una fiesta de siete bailarines y un hombre “orquesta” presentado de una forma sorprendente. Es una representación híbrida de placer y alegría, una representación que hace sonreír e intenta llevar y abrazar al público. La obra narra las distintas maneras de vivir la fiesta de un grupo de amigos, que viajan juntos de una ciudad a otra. La diversidad cultural de los bailarines enriquece la manera de interpretar la celebración y la diversión, creando una mezcla de danza contemporánea y tradicional muy interesante y divertida. Podemos decir que es una obra claramente apoyada en los personajes que la interpretan. La danza es un elemento de relación y comunicación entre los intérpretes. Aunque con distintos bagages culturales detrás y maneras de entender y afrontar la vida, todos ellos pasan un día en el que la comprensión y la diversión no necesita de otros elementos, miradas cómplices, ritmos, alegría y ganas de pasarlo bien. La marcada personalidad de cada carácter hace que durante la obra la improvisación juegue un papel importante enriqueciendo cada representación y dándole un juego enorme a cada nueva situación escénica.

De Farra destila vitalidad, propone huir de la rutina, vivir una nueva experiencia. Es una aproximación a la alegría. Un pequeño momento de gratitud; una pausa en el ruido de las máquinas de hacer dinero.

En las creaciones de Roberto Oliván aparece el mestizaje cultural mezclado con la interdisciplinariedad de lenguajes. Constantes en el trabajo de este coreografo catalán, residente en Bélgica. Desde muy temprano abandona la ciudad condal para estudiar danza contemporánea en Bruselas. Allí colabora con Robert Wilson, y la coreógrafa neoyorquina Trisha Brown. Posteriormente, es invitado a formar parte del teatro Het Net, como coreógrafo residente. A partir de cuando comienza su producción propia, donde De Farra es su última creación.

Ficha artística:

Dirección
: Marc Olivé
Dirección artística: Roberto Oliván
Música escrita e interpretada: Pierre Bastien
Interpretación: Martin Kilvady, Cruz Mata, Ben "Fury", Roberto Oliván, Valeria Garré, Peter Jasko, Laida Aldaz;
Asistente Diseñador de Luces: Thomas Walgrave
Fotografía: Herman Forgelossos
Diseñador vestuario: Isabelle Lhoas & Frederick, Denis;
Dramaturgia: Marianne Van Kerkhoven
Técnico de iluminación: Manu Martínez
Técnico de sonido: Jan Vanbal
Producción ejecutiva: Marc Olivé; Distribución: Fani Benages, Projectes Artístics
De Farra es una producción HET NET

Coproducido por: Concertgebouw (Brugge) y Mercat de les Flors (Barcelona)
Con el soporte de SACD con el programa 1500 horas para la danza.

Duración: 80 minutos.



ALTE MAENNER+SPUREN DER MACHT

Danza

Compañía Gerhard Maass
Alemania

Teatro Pradillo
(Madrid)
31 enero y 1 febrero: 20.30 h


Alte Maenner y Spuren der Macht forman parte de un programa doble del creador alemán Gerhard Maass.

En Alte Maenner su particular estilo se muestra en un dúo a base de contorsiones y movimientos mínimos. Dos bailarines en escena, actúan el uno contra otro. La pieza reflexiona sobre la insuficiente afectividad de cada uno de ellos.

En Spuren der macht, a través de la precisión del bailarín, Michael Kellenberger, sale a relucir el impresionismo de los trabajos del coreógrafo alemán. Solo cuyas composición e iluminación están muy cuidadas y recuerdan a espacios minimalistas, lo cual le otorga una gran fuerza expresiva. Ambos son montajes caracterizados para un espacio sonoro contundente.

Ficha Artística ALTE MAENNER
Coreografía: Gerhard Maass
Interpretación: Michael Kellenberger, Gerhard Maass
Música: Christian Meinke
Iluminación: Benjamin Schälike
Producción: Tanztage Berlin
Duración: 30 min

Ficha Artística SPUREN DER MACHT
Coreografía: Gerhard Maass
Interpretación: Michael Kellenberger
Producción: Tanztage Berlin
Duración: 30 min
En Madrid con el apoyo del Goethe Institut.



LA BARRACA-CANTINA MUSICAL

Nuevo Circo

Compañía Théâtre Dromesko-Hnos. Forman
República Checa/Francia

¡MIRA!

Instalaciones Deportivas Canal Isabel II
(Madrid)
31 enero, 1, 2, 3, 4 y 5; 8, 9 y 10 febrero: 20.30 h
Temporada de la Escena Checa en Madrid Festival VEO VALENCIA
Tramo 9 del cauce del Río Turia
Del 16 al 26 de febrero juev, vier, sáb y lun: 20.30 h.
Domingos 19 h


La Barraca, se asienta como una pequeña taberna ambulante, en donde los actores se deslizan entre las mesas. La intención del montaje no es buscar el entendimiento, sino la sorpresa de estar todavía aquí compartirlo con los comensales de cada noche. Para lo cual utilizan las palabras adecuadas, sin tener justificarse a cada momento.

Lily, Igor, Shani, Jantchi, Jenö, Monique, los Forman,... algunos cuervos, Charles el Marabú, y otros muchos , van a colarse entre el público. Publico, que se convierte en cómplice, casi amigos o futuros conocidos. Con su ritmo, La Barraca provoca encuentros y fuerza el azar. Todos se juntan alrededor de una mesa para echar un trago, tomar algo esperando que no sea la última, y prestan atención a una música que con la atenta escucha les será devuelta. De modo que los habitantes de cada noche se imaginan todavía que el día de pasado mañana, mañana, será ayer.

En este proyecto, el famoso Thèâtre Dromesko francés se asoció con el Teatro Hnos. Forman, de la República Checa. Desde su fundación, La Barraca actuó como compañía invitada casi en todas las capitales europeas, gozó de gran éxito, por ejemplo, en Bruselas en el 1998 (festival Europalia). España es uno de los pocos países europeos donde La Barraca hasta ahora no ha sido presentada.

En 1995, termina La Volière, y se inventa La Barraca Cantina Musical (La Barraque Cantine Musicale). En este proyecto, Thèâtre Dromesko se asoció con el Teatro Hnos. Forman, de la República Checa.

Desde su fundación, La Barraca actuó como compañía invitada casi en todas las capitales europeas, gozó de gran éxito, por ejemplo, en Bruselas en el 1998 (festival Europalia). España es uno de los pocos países europeos donde La Barraca hasta ahora no ha sido presentada.

Al Teatro Hnos. Forman, los españoles tuvieron la oportunidad de conocerlo únicamente a través de la obra teatral Ópera Barroca, con la que la compañía recorrió algunos lugares en España en el año 2003 y en mayo de 2005.

En el marco de Praga 2000, Dromesko se asocia de nuevo con el Teatro de los Hermanos Forman paracrear un espectáculo sobre un barco que navega sobre el río Vltava: Les Voiles Écarlates, cuento ruso de Alexander Grin, que gira en toda Europa hasta 2005.

Ficha Artística
Benoît Goñi, Marie-Christine Lavina-Gonin, Sandor Berki, Ferenc Lakatos, Jenö Soros, Petr Forman, Matej Forman, Milan Forman, Izabela Schenkova, Alain Demoyencourt, Philippe Tivillier.
Duración: 3 horas
Idioma: Español
En Madrid con el apoyo del Centro Checo y la Embajada Francesa

Más información

   www.festivalveo.com
   www.escenacontemporanea.com


VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN
O 1080 RECETAS DE MIERDA

Teatro

Compañía Teatro del Temple
(Aragón) España

Sala Cuarta Pared
(Madrid)
3 y 4 febrero – 21 h


Ventajas de viajar en tren mezcla realismo e imaginación. Contradicciones que paulatinamente, invadirán la escena. Una mujer sube al tren tras haber internado en una clínica mental a su compañero coprófago, y entabla un extraño diálogo con un psiquiatra que le cuenta su vida. La vertiginosa sucesión de cuentos encadenados y de vidas propias o ajenas, se funde en este extraño coloquio donde las personas se mezclan entre sí y dejan de ser lo que son. De repente su efímero compañero baja del tren y deja abandonada una carpeta con una serie de historias clínicas.

Teatro del Temple, compañía formada por Carlos Martín, director escénico, Alfonso Plou, dramaturgo, y José Tricas, productor, muestra en su bagaje inicial 1990-1993 montajes como Calígula, de Camus, dirigida por Martín (coproducida con el Centro di Ricerca Teatrale de Milán), Sé que estas ahí, de Martín y Tricas (estrenada en el Festival Internacional de Teatro de Zaragoza) y ¿Qué quiere quien te quiere? (finalista del Premio Nacional de Teatro) y Carmen Lanuit, de Plou.

Antonio Orejudo (Madrid, 1963) ha publicado dos novelas, Fabulosas Narraciones por Historias (Madrid, Lengua de Trapo, 1996), que fue galardonada con el Premio Tigre Juan a la mejor primera novela del año; y Ventajas de viajar en tren (Madrid, Alfaguara, 2000), ganadora del XV Premio Andalucía de Novela. Es colaborador semanal en la edición andaluza del diario El País y del suplemento cultural Babelia del mismo periódico. Licenciado en Filología Hispánica, se doctoró en Estados Unidos, y durante siete años trabajó como profesor en diferentes universidades de aquel país. Hoy es profesor titular de literatura en una universidad española, y ha publicado diferentes trabajos relacionados con su especialidad.

Ficha Artística
Dirección
: Carlos Martín
Adaptación teatral: Carlos Martín y José Tricas
Ayudante dirección: Amór Pérez Bea
Interpretación: Gema Cruz, Jaime Ocaña, Francisco Fraguas, Laura Plano, Francisco Fraguas, Manuel Escosa
Diseño iluminación: Bucho Cariñena
Diseño escenografía y vestuario: Oscar Sanmartín Vargas
Diseño técnico escenografía: Novo Design (Ana Bendicho, Antti Pitkanen, Anne Roussel)
Realización escenografía: Luezar y Arantxa Horno
Realización vestuario: Amor Pérez Bea, Oscar Sanmartín, Ángela Pérez-Grueso
Música original y espacio sonoro: David Angulo
Realización y edición vídeo: Bambino Films (Ángel Luis Martínez Saló, Jonás Pérez, Álvaro Mazarrasa)
Diseño gráfico: Oscar Sanmartín Vargas
Imprenta: Navarro & Navarro Impresores
Caracterización: Virginia Maza
Dirección técnica, luminotecnia y sonido: Bucho Cariñena
Regiduría y técnico vídeo: Manuel Escosa
Producción: José Tricas
Ayudante producción: Escosa
Distribución: Belén Álvarez
Duración: 75 min
Idioma: Español.


PROGRAMA DOBLE en Teatro Pradillo:
Milli Bitterli y Saskia Hölbing


WHAT REMAINS OF ME? PART 2

Danza

Compañía Milli Bitterli
Austria

Teatro Pradillo
(Madrid)
3 y 4 febrero – 20.30 h


¿Existe una coreografía de las emociones? Mili Bitterli plantea que ciertas posiciones y posturas físicas evocan unas emociones específicas. Movimientos y gestos, que colocan al cuerpo en un estado de sentimientos. De modo que toda acción física está conectada a una sensación o emoción.

La pieza es un autorretrato de encuentros. El bailarín es observado en una situación íntima, y la cámara graba a los espectadores. En esta particular situación, la audiencia puede ver el baile en vivo, al mismo tiempo que a los espectadores en el vídeo. Situación que crea una libertad para ambos: intérprete y público.

En Abril de 2004 Mili Bitterli era artista residente el la Rote Fabrik y en la Tanzhaus Wasserwerk de Zürich. A raíz de una investigación en el campo de “Las Emociones y el Movimiento”, la coreógrafa empieza este trabajo junto a bailarines suizos. El solo, What remains of me? Part 2 es el resultado del proceso de colaboración en la creación junto a Jack Hauser.

Ficha artística
Concepto, coreografía e interpretación
: Milli Bitterli
Creación: Milli Bitterli y Jack Hauser
Grabación: Christine Marinelli
Música: Neil Young, Pink Floyd, Bionic Breaks
Agradecimientos especiales: Rote Fabrik, Theater Zürich y Tanzhaus Wasserwerk Zürich
Duración: 35 min
En Madrid con el apoyo del Foro Cultural de Austria en Madrid.



EXPOSITIONS CORPS

FOTO: ERIC VIGIER

Danza

Compañía Dans.Kias-Saskia Hölbing
Austria

Teatro Pradillo
(Madrid)
3 y 4 febrero – 20.30 h


Una plataforma blanca en escena: no sabemos si es arena o un monumento. Pero Saskia Hölbing aparece, y profundiza exhaustivamente en este espacio. Comienza un nuevo tiempo. Un tiempo regresivo, una vuelta a los orígenes, al nacimiento de la memoria todavía no subjetiva. Una memoria del cuerpo. El cuerpo de Saskia Hölbling recuerda. Piensa que no es suyo todavía. Su cara parece ausente, elude la mirada por una disposición física tan extraña como cautivadora. Recuerda, a base de sacudidas.

No es un movimiento suave, sino convulsivo. Es una confrontación con la experiencia de la fragmentación del cuerpo. Cada miembro, cada parte muestra su división, cubre una autónoma existencia que no niega la totalidad, pero pretende olvidar la autosuficiencia orgánica. Con su cuerpo Saskia investiga las leyes dérmicas, las celdas de la memoria, mientras se refleja en la identidad física. Exhibe el cuerpo sin la intención de mostrar una mujer. Se desvía de lo constituido en base a una recuperación de lo minúsculo que constituye su identidad.

Con este solo Saskia Hölbing continúa la búsqueda de la subjetividad del propio cuerpo, que empieza en un rasgo distintivo. Por su memoria, por sus recuerdos espirituales y materiales, a los que le apetece acercase. Convencida de que todas las experiencias recuerdan y conservan en cierto modo, una física existencia de sí mismas, pero en una amplia escala una existencia de nosotros mismos, conservada inconscientemente en el olvido del ser.

Saskia quiere evocar el pasado en forma de imagen, para lo cual uno tiene que saber abstraerse de los hechos presentes, tiene que ser capaz de valorar lo inútil, tiene que querer soñar.

Ficha artística
Coreografía e interpretación
: Saskia Hölbling
Texto: Stéphanie Chaillou
Música: Heinz Ditsch
Iluminación: Krisha
Fotografía: Eric Vigier
Coproducido: Encuentros coreográficos internacionales de Seine-Saint-Denis
Con la ayuda de: Centre Choréographique National de Franche-Comté à Belfort
Dans. Kias está subvencionada por la ciudad de Viena

Duración: 28 min
En Madrid con el apoyo del Foro Cultural de Austria en Madrid.



THE APPLICATION

Danza

Compañía Juan Domínguez –
(Comunidad Madrid) España/Alemania

La Casa Encendida (Patio)
(Madrid)
4 y 5 febrero: 22 h


The application es la puesta en escena del proyecto escrito para la próxima pieza de Juan Domínguez, titulada shichimi togarashi. The application es una pieza, un resultado y se presenta como tal. Al mismo tiempo es un intento de encontrar una vía para producir su siguiente proyecto, sin los pasos intermedios convencionales que se siguen al solicitar subvenciones a instituciones públicas o privadas. Así que, The application es “la solicitud” para shichimi togarashi.

En The application la partitura está traducida a acciones, que no son necesariamente las acciones que se desarrollarán en la futura pieza. Esto crea una relación compleja entre The application y shichimi togarashi y propone la pregunta ¿dónde está la frontera entre ellas? Además, ilustra el concepto principal de esta pieza: ¿cómo pasar de la escritura a la coreografía?

Ficha artistica
Concepto y dirección
: Juan Domínguez
Interpretación: Eva Meyer-Keller, Amaia Urra, Catherine Mullins, María Jerez, Rico Repotente, Oliver Benn, Juan Domínguez
Diseño de iluminación: Bruno Pocheron
Música: Randy Newman, Tchaikovsky, Maria Mckee.
Duración: 90 min
Idioma: español e inglés.


LA FUNDICIÓN (Bilbao)


TODOS LO BUENOS ESPÍA TIENEN MI EDAD
 

 

Compañía Juan Domínguez
Comunidad Madrid España/Alemania

La Fundición (Bilbao)
11 y 12 enero: 20.30 h



AL PIE DE LA LETRA

Teatro

Compañía Cambaleo Teatro
(Comunidad de Madrid) España

La Nave de Cambaleo
(Madrid)
4 y 5 febrero – 21 h

Collado Villalba (Casa de Cultura)
18 febrero – 19 h


Al pie de la letra reivindica la pasión por gobernar nuestra vida y reclama nuestro sentido de la responsabilidad, la habilidad de hacer algo con la vida, de amar la vida. Desde una perspectiva muy cotidiana es un alegato contra el fundamentalismo capitalista, en contra de esa moral de los que en una hecatombe ven una oportunidad de negocio. Al pie de la letra explora la posibilidad de otra intuición sobre la muerte y cuestiona si otro mundo es posible mediante un lenguaje directo y profundo.

Cambaleo Teatro con Al pie de la letra se afianza aún más en el camino de intuir qué somos, no desde un punto de vista simplista, sino asumiendo contradicciones y sobre todo contando con el aporte de la ciencia en detrimento de las creencias. Hoy no se puede establecer una hipótesis filosófica, ética o estética sin tener en cuenta los descubrimientos científicos. Hay que desligarse del mal llamado “sentido común” y empezar a pensar de otra manera.

Cambaleo Teatro lleva más de 20 años en activo, afianzando sus líneas de trabajo en varios ámbitos: teatro para adultos; teatro para niños, teatro de calle, espectáculos especiales, performances, pedagogía teatral, además de gestionar y programar la Sala Alternativa La Nave de Cambaleo. A lo largo de este tiempo, han desarrollado con sus múltiples montajes una apuesta teatral basada en la continuidad del equipo de trabajo, y en la búsqueda de un lenguaje teatral propio, reflexionando siempre sobre el mundo que les rodea.

Ficha artística
Texto y dirección
: Carlos Sarrió.
Actores: Arsenio Jiménez, Antonio Sarrió, Begoña Crespo, Carlos Sarrió, Julio C. García.
Espacio escénico y vestuario: Pablo Almeida y Gonzalo Buznego.
Iluminación: Carlos Sarrió.
Técnico de iluminación y sonido: Francisco Ruiz.
Diseño gráfico y vídeo: David Ruiz.
Distribución: Josiane Hebden.
Producción: Antonio Sarrió para Cambaleo Teatro
Duración: 1 hora
Idioma: Español


Más información

   www.cambaleo.com



ANIMALES NOCTURNOS

FOTO: FERRÁN MATEO

Teatro

Compañía Cía. Sala Beckett
Catalunya (España)

Sala Cuarta Pared
(Madrid)
6 y 7 febrero: 21 h


Esta es una pieza de teatro político, teatro que se alimenta de la actualidad, teatro hecho para sacudir los pensamientos acomodados. Magda Puyo ha escogido el texto de un autor contemporáneo porque plantea situaciones delimitadas y muy personales sobre el tema de la inmigración, y descubre una gran cantidad de significados que se amplían de una forma infinita e inquietante. Esta riqueza de significados nos hacen viajar por diversos conceptos: la soledad, la incomunicación, la perversidad del poderoso, la ignorancia, el miedo, los secretos, la sumisión... Todos estos temas aparecen de una manera u otra, con sutileza, y a la vez, con contundencia. Animales Nocturnos nos descubre, con ironía, que la barbarie, bajo una capa de normalidad, está “en el piso de al lado”.

Magda Puyo es directora y dramaturga teatral. Licenciada en Filosofía y Ciencias de la Educación por la Universitat de Barcelona. Estudió Dirección Escénica en el Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona. Ha tenido una larga trayectoria por la vida teatral catalana como miembro del Consejo Asesor del Teatre Nacional de Catalunya (1998-2001), y directora del Festival Sitges Teatre Internacional-Creació Contemporània (2001-2004). Actualmente desarrolla su actividad como directora de escena, dramaturga, y como profesora y jefe de la especialidad de Dirección y Dramaturgia de la Escola d’Art Dramàtic de l’Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona. Además, ha estrenado diversos trabajos como directora en el TNC, Teatre Lluire y la Sala Beckett: El Professional, de Dusan Kovasevic; T’estimaré infinittt, de Gemma Rodriguez; Excés, de Neil Labute; Tractat de Blanques, d’Enric Nolla, Sala Beckett; Fedra+Hipòlit a partir de textos de Racine, Sarah Kane.

Ficha Artística
Autor
: Juan Mayorga
Dirección: Magda Puyo
Asistente de dirección: Ginette Muñoz-Rocha
Interpretación: Pep Jové, Teresa Urroz, Pep Pla y Mercè Mariné
Escenografía e iluminación: Ramon Simó
Asistente de escenografía: Martí Torras
Música original y sonido: Alex Polls
Vestuario: Mariel Soria
Asesoramiento lingüístico: Raquel Carballo
Construcción: Arts-cenics
Fotografía: Ferran Mateo
Producción: Sala Beckett y Festival Grec 2005
Duración: 80 min
Idioma: Español.



PARCE QUE JE T'AIME

Teatro-Danza

Compañía Cia. Buissonnière
Suiza

Centro Cultural Paco Rabal
Palomeras Bajas
(Madrid)
8, 9 y 10 febrero: 20.30 h


Un clima de magia a través de interpretación, danza, música, canto, luces, interacción entre acción filmada y escénica. Cisco Aznar, al frente de la Compagnie Buissonnière de Lausanne, nos invita a descubrir su ecléctico universo personal, a través de esta declaración de amor. Parce que je t'aime es un espectáculo transdisciplinario que se adentra en el túnel que Federico García Lorca comenzó a excavar con El público. Un viaje sideral que nos transporta al "teatro bajo la arena" para volver a hablarnos de amor y verdad: ¿Nos amamos lo suficiente, como para poder pasearnos en público sin máscaras? ¿O el teatro de las apariencias, nos obliga a transformar nuestra vida en un cementerio de deseos e ideales?

Ficha Artística
Concepción, dirección, y coreografía
: Cisco Aznar
Interpretación: Laure Dupont, Odile Foehl, Leila Pfister, Eleonora de Souza,
Cisco Aznar, Leonard Bertholet, Jean-Philippe Guilois, Jordi Ros

Asistente: Luis Lara
Películas: David Monti, Luis Lara, Cisco Aznar
Iluminación: Samuel Marchina
Música original: Laurent Waeber
Banda de sonido: Andreas Pfifner Cisco Aznar
Vestuario, máscaras y accesorios: Luis Lara
Coproducción: Théâtre Vidy-Lausanne E.T.E, Compagnie Buissonnière con el apoyo de La Ville de Lausanne, L'Etat de Vaud, La Loterie Romande, Banque Cantonal Vaudoise, Winterthur Assurance, Pro Helvetia, Landesausstellung 1939
En Madrid con el Apoyo de: La Ville de Lausanne, Pro Helvetia- Fundación Suiza por la Cultura
Duración: 73 minutos
Idioma: Francés con subtítulos en español

Más información

   www.cie-buissonniere.com



BOB-BOB ORIGINAL BODY

Danza

Compañía Lupita Pulpo
Alemania

Sala Cuarta Pared
(Madrid)
9, 10 y 11 febrero: 21 h


Todo el mundo está conectado a una influencia diaria, semanal o mensual, la cual otorga acompañamiento, todos los días de nuestra vida y nos concede un ritmo, una periodicidad. Series que juegan una regla significativa. Vivimos, reímos y lloramos con series de héroes. Creamos un nuevo mundo a través de las series, tan pronto como otras llegan a su fin.

Por tanto, la performance BOB, se presenta como una serie de cuatro episodios sucesivos. De episodio a episodio, uno es arrastrado profundamente al mundo de BOB. BOB está lleno de bordes ásperos y el prolongado tiempo narrativo ayuda a descubrirlos. Finalmente la pregunta que emerge es: ¿Quién o qué es BOB?

Lupita Pulpo es fundada en 2001 por Ayara Hernández y Felix Marchand. Presentan sus trabajos Raw Moments On the Table y La Chica del Pastel en Europa y Sudamérica.

Ficha artística
Concepto y dirección
: Ayara Hernández, Felix Marchand
Coreografía e interpretación: Kay Grothusen, Ayara Hernández, Felix Marchand, Ji-Huyn Youn
Invitados: Martin Clausen, Paula Giuria, Martin Nachbar
Compositor: Peter Memmer
Iuminación: Benjamin Schaelike
Vestuario: Katherina Beth
Diseño gráfico: Gabriele Altevers
Producción: Tanztage Berlin
Con la ayuda de Tanzwerkstatt Brunswick y Tanzfabrik Berlin.
Duración: 80 minutos
En Madrid con el apoyo del Goethe Institut.



ESPECTÁCULO HAIKUS

Performance

Compañía Sonia Baptista
Portugal

¡MIRA!

Teatro El Canto de la Cabra
(Madrid)
9 al 12 febrero: 21 h


La performace de Sonia Baptista consiste en una representación de pequeños poemas leídos y pequeñas piezas de vídeo, que se alternan a lo largo del montaje. Esos pequeños poemas, llamados Haikus, se escriben en japonés con muy pocas palabras, y representan una simplicidad aparente, cargada de sentido como tantas cosas pequeñas, cuyo significado va más allá de su nimiedad. Sus haikus respiran y se construyen con una resistencia a prueba de bomba, como balones blindados, insistentes, que asaltan la cabeza y no hay forma de expulsarlos. Son historias de aquello realmente importante, que oxigena el cerebro, a la vez que acaricia el corazón. La característica del haiku, es que dice cosas sin pronunciarlas.

La performace consiste en una presentación de piezas cortas en directo, intercaladas con piezas de vídeo. Primero presenta una pieza en vivo, seguida de otra en vídeo, y así sucesivamente.

Sonia Baptista nace en Lisboa, donde cursa estudios de danza y comienza a colaborar en sus primeros trabajos, junto a Aldara Bizarro. Se mueve por el terreno de la danza contemporánea portuguesa, en montajes de Vera Mantero, Wil Swanson y Antonio Carallo. Sus Haikus han viajado por territorios brasileños, franceses, ingleses, italianos, españoles y portugueses.

Ficha Artística
Concepción e interpretación
: Sonia Baptista
Vídeo: Rui Ribeiro
Iluminación: Pedro Machado
Producción: Bomba Suicida
Producción ejecutiva: Stalker
Co-Producción: Danças na Cidade
Duración: 50 minutos.
En Madrid con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões.



LUGAR DEL DESEO

Teatro

Compañía Pe Mellado Danza
Chile

Casa de América
(Anfiteatro Gabriela Mistral)
(Madrid)
10 y 11 febrero: 22 h


En la obra Lugar del deseo (2001), cuatro personas cohabitaban en un mismo espacio enfrentados a sí mismos. Se muestra la idea del cuerpo como la máxima expresión, como el contenedor de toda lectura y cultura, y susceptible de ser permanentemente investigado y descubierto. Cuatro actores jóvenes que danzan con un vocabulario simple, explícito y muy verbal. El cuerpo es el territorio escénico, la escena es el soporte del desarrollo de la acción o es la zona de representación, el cuerpo funciona como espacio escénico de la propia historia.

La Cía. Pe Mellado Danza se forma con la intención de desarrollar un trabajo de investigación en la búsqueda de una metodología nueva, ya existente en los trabajos anteriores de la directora de la compañía, Paulina Mellado, como en Cuerpos Febriles. En este último grupo surge un interesante entrecruzamiento de técnicas y formas ya que los integrantes de la compañía, actores de escuela se
contraponen a la directora, bailarina de formación. Así experimentan hasta encontrar un sistema de creación acorde a las necesidades de intérpretes y director.

Ficha Artística
Dirección
: Paulina Mellado
Interpretación: Paula Villagrán; Carola Flores, Paulina Mellado, Cristian Espejo, Jorge Becker
Artista visual: Nury González, Paz Agua
Iluminación: Kilo Fierro
Diseño gráfico: Rodrigo Dueñas/e23
Producción: Marcelo Soto Auspicia
Duración: 30 min


Más información

   www.ciapmellado.cl



SODOM

Ópera

Compañía La fiesta de los locos
(Comunidad de Madrid) España

Teatro Pradillo
(Madrid)
11 y 12 febrero: 20.30 h

La Nave de Cambaleo
(Madrid)
18 y 19 de febrero: 21 h


Sodom aborda la problemática de la ópera como un rito en el que hoy no se cree. Una disciplina que en tiempos modernos carece de todo tipo de interés, ya que se nos muestra en idiomas ajenos, nos habla de asuntos que no nos conciernen e, independientemente de la brillantez de la ejecución, sabemos que todo lo que vemos y escuchamos no va a ninguna parte, no nos afecta. Sodom es un proyecto que pretende devolver la fe a la experiencia de asistir a la ópera, contar historias que interesen al público de hoy sin volver la espalda a los lenguajes escénicos contemporáneos.

Eduardo Costa decide componer esta ópera en el momento en el que en España se promulga la Ley que permitía el matrimonio entre personas del mismo sexo. Lo cual le sirve de idea principal para reflexionar sobre la tolerancia y la intolerancia hacia la homosexualidad. Temáticamente, el montaje pretende dar respuestas a diversas preguntas: ¿Cómo pueden en un mismo país darse posturas tan encontradas? ¿Dónde reside el escándalo?

Respecto a su forma, parte de una dramaturgia contemporánea de la imagen. A través de un argumento ficcional se busca construir una escena viva y verdadera para conmover al público de hoy.

Ficha Artística
SODOM
Ópera de Eduardo Costa (música) y Darío Facal (libreto)
ella, soprano: Claudia Yepes
él, barítono: David Arilla
hombre 1, barítono: José Antonio García
Julián Elvira (flautas); Mª Carmen Cano (clarinete); Sergio Sola (viola); Mónica Terrer (violonchelo); Javier Belinchón (percusión)

Dirección artística: Julián Elvira
Dirección de escena e iluminación: Ana Contreras
Dirección musical: Eduardo Costa
Escenografía y vestuario: Diego Costa
Cámara: Eduardo Lagotti
Sastra: Isabel Gete
Characterización: S. Bercovich para shaigon.com
Producción: Raúl Arbeloa
Agradecimientos: Guillermo Bautista
Producción: güell, en coproducción con Escena Contemporánea y Escena Abierta
Duración: 1 hora
Idioma: Español


Más información

   www.musicadehoy.com
 

LA CAMA

Teatro

Compañía Teatro en el Aire
(Comunidad de Madrid) España

Casa de América
(Anfiteatro Gabriela Mistral)
(Madrid)
16 y 17 febrero: 19.30 y 21 h


La cama es un espectáculo que nos adentra en un universo en el que los sentidos ayudan a viajar por la memoria. En algunos casos, ayuda a reencontrarse con la propia vida y, en otros, a disfrutar de un mundo imaginario.

La cama como sudario de enfermedades, gabinete psicológico en los que los problemas irresolubles encuentran salida, tatami dónde se celebran peleas a muerte, remanso de paz en el que la pereza halla su paraíso, acuario diminuto para aquellas personas que no consiguen sacar la cabeza y escapar del laberinto en el que les encierran sus obsesiones... La cama como plaza de toros, escenario de grandes faenas, de fabulosas corridas, de aliños de circunstancia, de salidas por la puerta grande, de escapadas por el pasillo oculto. En la cama hay quien se queda clavado. Otros levitan y algunos se hunden y no consiguen levantar de nuevo el vuelo. Cama, prólogo y epílogo de la vida. La primera visión del bebé que nace. La última instantánea entrecortada que se alcanza a entrever cuando los ojos se Cierran para no volver a abrirse.

Compañía residente en la sala La Nave de Los Locos, en el barrio de Carabanchel de Madrid, al frente de la cual se encuentra la chilena, Lidia Rodríguez. Investiga en sus montajes una línea de trabajo centrada en la percepción sensorial.

Ficha artística
Dirección artística
: Lidia Rodríguez Correa
Dramaturgia: Lidia Rodríguez, Carlos Javier Sarmiento y Jesús Nieto sobre relatos de José Luis Corretjé, José Henríquez y Álvaro Vicente.
Intérpretes: Lidia Rodríguez Carlos, Javier Sarmiento, Ana Ramos, Jesús Nieto, Cristina Peregrina
Espacio Escénico: Lidia Rodríguez
Impresiones olfativas: Carlos Javier Sarmiento.
Impresiones táctiles: Ana Ramos
Impresiones sonoras: Jesús Nieto
Diseño de producción: Lidia Rodríguez, Ana Ramos, Jesús Nieto.
Prensa: Stéphanie Chiron
Duración: 1 hora
Idioma: Español
Aforo reducido: 25

Más información

   www.teatroenelaire.com


DISECCIÓN POÉTICA EN PÚBLICO

Performance

Compañía Marina Oroza
(Comunidad de Madrid) España

Teatro El Canto de la Cabra
(Madrid)
16 (22 h) del 17, 18 y 19 febrero: 21 h


Con el espectáculo “Disección Poética en Público” crea un diálogo entre las diferentes maneras de expresar su poesía en público. Logra conmover con un concierto poético en el que desdobla su identidad proyectando un documental de ella misma como poeta vagabunda.

La poeta española Marina Oroza, es también actriz, recitadora y performer. Durante toda su trayectoria ha desarrollado un trabajo de investigación como poeta oral con sus textos. Colabora con grupos de acción poética, con artistas visuales y músicos. Encarna su obra en festivales de spokenword, ciclos de teatro, festivales de poesía, universidades, centros culturales, cafés-teatro, espacios no convencionales y fundaciones. Destaca su peculiar puesta en escena, utilizando en sus recitales las nuevas tecnologías, imágenes y voces pregrabadas, efectos especiales de sonido, superposición de discursos… Una ciberpoeta.

Ha publicado el poemario Pulso de Vientos, en Ketres editora, y Así quiero morir un día, en Huerga y Fierro, 2005. Además, parte de su obra se encuentra en diversas revistas de poesía.

Ficha artística
DISECCIÓN POÉTICA EN PÚBLICO
Interpretación
: Marina Oroza, basado en la selección de poemas extraídos de sus libros: Así quiero morir un día (Huerga y Fierro), Pulso de vientos (Ketrés), Muerde Muerte (La Luz Roja)
Tema musical poema “Piedras” de La Banda Inaudita.
Tema musical poema “Aunque me fuera la vida” de Gema Hassen-Bey.
Proyección Documental
SI ME UNTO EL CORAZON CON GLICERINA RONCO
Textos, guión y realización
: Carmelo Espinosa
Poeta vagabunda: Marina Oroza
Periodista: Mabel Morales
Cámara: Nicéforo Ortiz
Montaje: Josefa Punkitel
Producción: Stico Films
Duración: 1 hora
Idioma: Español



LA BELLE CUISINE

Teatro

Compañía Teatro del Velador
Andalucía (España)

Sala Cuarta Pared
(Madrid)
17 y 18 febrero: 21 h

Teatro Salón Cervantes
(Alcalá de Henares)
19 febrero: 20.30 h


En una cocina de una institución de acogida, las camareras y cocineros bajo el yugo del jefe mafioso, preparan la fiesta del patrón de dicha Institución. Todo parece torcerse y entre gritos y requerimientos del jefe de cocina, entre amores y odios la cocina toma su propia vida arrastrando a todo el mundo al caos...

En 1990 Juan Dolores Caballero crea la compañía El VELADOR. En la búsqueda de un lenguaje propio la compañía ha investigado sobre los orígenes y raíces de la cultura andaluza siempre en la línea de un “teatro bruto” donde prima la deformidad y lo grotesco. En los últimos año la compañía ha recibido numerosos premios (entre ellos premio al mejor espectáculo y mejor Dirección por la Cárcel de Sevilla en la Feria de Teatro en el Sur/2003) y han participado en diferentes Festivales y Ferias.


Ficha Artística
Dramaturgia y dirección
: Juan Dolores Caballero
Intérpretes: Luis Ruiz-Medina, Benito Cordero, Mustapha Bahja, Eva Moreno, Rebeca Torres, Juanjo Macías
Diseño de Escenografía: Ana Luisa Sánchez
Iluminación: Antonio Valiente
Vestuario: Mai Canto
Música original: Inmaculada Almendral
Producción: Compañía El Velador
Producción Ejecutiva: Pedro Domínguez
Distribución: Escena Distribución Granda
Proyecto en colaboración con: Junta de Andalucía. Consejería de Cultura
Duración: 65 min
Idioma: Español.


I APOLOGIZE

Danza

Compañía DACM
Francia

¡MIRA!

La Casa Encendida (Patio)
(Madrid)
18 y 19 febrero: 22 h


I Apologize nace de la reconstrucción de un accidente. Esta reconstrucción es la base de la que derivan varias versiones de un mismo evento, con la intención de definir qué es verdad y qué realidad. Las diferentes versiones tienen una borrosa identidad, entre la representación de un hecho real y la de una fantasía. Un reflejo de la realidad y de las posibles representaciones de ésta.

Un joven es el responsable de estas versiones de la realidad, dirigiendo a un hombre y una mujer, dos iconos roqueros barrocos, y chicas de 12 años, todas representadas por muñecas articuladas. La confusión, lentamente, se introduce en nuestra percepción de la realidad, la cual aparece como un mundo de aproximaciones y subjetividad, cuyos profundos agujeros rellenamos a base de fantasías.

El escritor americano Dennis Cooper ha elaborado poemas y monólogos especialmente para este montaje teatral, que cuestionan la unión real o imaginaria entre éstos y los hechos que se suceden en la escena. El mismo autor se encarga de leer los textos, que están perfectamente acompasados por la música creada por Meter Rehberg. Tanto los textos como las interpretaciones interactúan con imágenes asociadas a deseos sexuales, muerte y crimen. Crean impresiones sobre la imaginación en relación a la fantasía y su imposible ejecución.

La música y los textos están como fondo de la obra, y los cuerpos y las muñecas se presentan como el eje central del montaje. El trabajo está diseñado para ser una exploración de las emociones que nacen de la unión entre lo erótico, la muerte y la incómoda quietud de las marionetas.

Gisèle Vienne ha coreografiado y representado Splendid's (2000), Showroomdummies (2001), Stéréotypie (2003) y Tranen Veinzen (2004) con Etienne Bideau-Rey. DACM centra su trabajo en la relación entre cuerpos naturales y artificiales. Ahora, con I Apologize pretende explorar los tópicos de forma más amplia y trabajar al mismo tiempo con la idea de rareza e incomodidad, a través de la reconstrucción de un accidente.

Ficha Artística
Creación
: Gisèle Vienne
Textos escritos y leídos: Dennis Cooper
Música: Peter Rehberg
Iluminación: Patrick Riou
Maquillaje: Rebecca Flores
Muñecas: Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak, Gisèle Vienne.
Textos traducidos: Laurence Viallet
Interpretación y creación en colaboración con: Jonathan Capdevielle, Anja Röttgerkamp, Jean-Luc Verna
Productor asociado: DACM
Co-producción: Les Subsistances /2004/ Lyon, WP-Zimmer/Antwerp. Con la ayuda y el soporte del Centre Chorégraphique National de Grenoble y Accueil Studio 2004, del Ministère de la Culture/ Drac Rhône-Alpes, el Conseil Régional Rhône-Alpes, el Conseil Général de l’Isère, y el de ske/Austria.
Agradecimientos: The Ateliers de construction du Théâtre de Grenoble, Boutique Catherine Lafon – Lyon, the Institut International de la Marionnette, Vidya Gastaldon, Robrecht Ghesquière, Mark Harwood, Jean-Paul Hirsch, Martin Lecarme, Antoine Masure, Paul Otchakov-Laurens, Isabelle Piechaczyk, Béatrice Rozycki, Estelle Rullier, Yury Smirnov, Alexandre Vienne, Jean-Paul Vienne, and Villa Gillet.
Duración: 75 min
Idioma: Francés con sobre títulos en español.



THE REAL FICTION

Danza

Compañía Cuqui Jerez
Comunidad de Madrid (España)

Sala Cuarta Pared
(Madrid)
20 y 21 febrero: 21 h


The Real Fiction de Cuqui Jerez propone su juego a través de un proyecto que investiga en los trufados de la bontínica y la oregomática. La herramienta que nos resulta más frutesílica es el culifi. El culifi significa kurzo, y el kurzo vuelve más delgado el límite entre alobi y bodenda. El culifi es lo que nunca puede merxear en escena. Los intérpretes sericumean durante horas para que el culifi nunca se dicada, ya que si se dicadiera el espectador podría botinar desde el mundo del alobi al mundo de la bodenda. Los culifis y los joerolos son fascinantes porque ziponean todo lo que está pasando en escena y los lumos son cuestionados. Por esa tatesa resulta una herramienta tan importante ya que supone el ñus de la imagen, el límite entre alobi y bodenda. La transformación del ziponeo hacia un espacio wombeado por la imaginación del espectador y de vuelta al sísero real; y por encima de todo acerca del frotipeyo de la sorpresa.

Ficha Artística
Concepto y dirección
: Cuqui Jerez
Creación en colaboración con: María Jerez, Amaia Urra y Gilles Gentner
Interpretación: María Jerez y Amaia Urra
Diseño de iluminación y técnico: Gilles Gentner
Producción: Cuqui Jerez
Coproducción: Plateaux – new positions in international performing arts/ Mousonturm, Frankfurt. Dirección General de Promoción Cultural de la Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid. María Jerez y Amaia Urra.
Con el apoyo de Aula de Danza de la Universidad de Alcalá de Henares y La Casa Encendida.
Duración: 120 minutos.
Idioma: Español.


 
TODO ES DISTINTO DE CÓMO TÚ PIENSAS

Teatro

Compañía Carlos Fernández
Comunidad de Madrid (España)

Sala Cuarta Pared
(Madrid)
23, 24 y 25 febrero: 21 h

La Fundición
(Bilbao)
21 y 22 enero: 20.30 h

Todo es distinto de cómo tú piensas se interroga por la naturaleza de las imágenes y sobretodo por su representación, con el deseo absurdo de transformar la escena con imágenes imposibles construidas desde la palabra. Gira en torno a la libertad de pensar y hablar; el pensamiento y la palabra como una de las pocas formas de rebelión que nos queda en una sociedad habituada a la apropiación y la manipulación del espacio personal, las relaciones y el lenguaje. Es una obra inspirada en Enrique IV de Shakespeare. Toma prestada la figura protagonista, Falstaff y algunas de las relaciones que plantea el drama para hacer una libre reflexión sobre el artista y la sociedad que le rodea, sobre la propia escena y las imágenes que genera y por encima de todo, sobre la libertad individual.

Todo es distinto de cómo tú piensas es el quinto trabajo escrito, dirigido y producido por el autor y director de escena Carlos Fernández López, que ha trabajado como intérprete de teatro y danza con Carlos Marquerie, Elena Córdoba, Antonio Fernández Lera, Olga Mesa, Ángel Gutiérrez y Etelvino Vázquez, entre otros. Los trabajos de Carlos Fernández López usan el espacio escénico como parte
fundamental e indivisible de la dramaturgia y como generador de intensidades y percepciones, ajenas a lo simbólico o decorativo. Utilizan la palabra y el movimiento, la profundización en la percepción escénica de ambas y en su organicidad, para encontrar formas de comunicación en las que ambas puedan fundirse en un solo cauce de expresión, que ambas cosas confluyan y tengan la misma capacidad efectiva de comunicar. Suele trabajar desde espacios no codificados, abiertos y personales para trasmitir esencias y energías que tengan su base expresiva en la organicidad del intérprete. Parte de lo subjetivo, lo personal,
lo privado con el propósito de llegar a un terreno de reconocimiento objetivo de la identidad y de todo aquello que puede provocar y ser reconocible para el espectador.

Ficha artística
Texto y dirección
: Carlos Fernández
Interpretación: Emilio Tomé, Quique Castro, Miguel Ángel Altet
Espacio sonoro: Nilo Gallego
Espacio escénico e iluminación: Carlos Marquerie, Carlos Fernández
Un proyecto ganador del Premio Casa de América- Festival Escena Contemporánea de Dramaturgia Innovadora 2005

Cuenta con una Ayuda a la producción de la Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid.
Duración: 2 horas
Idioma: Español.


 

INDIGNOS

FOTOS: OLGA PLANAS,
PERE THOMÁS

Teatro-Danza

Compañía Amaranto
Catalunya (España)

Teatro El Canto de la Cabra
(Madrid)
23, 24 y 25 febrero: 21 h


Indignos es una performance, una instalación y un documental que se desarrolla en un mismo espacio transformado. La utilización de varios elementos como soporte, es la línea de trabajo de investigación que la compañía pretende desempeñar en este nuevo proyecto. Indignos es una exposición consciente y personal de los artistas sobre las medidas que no alcanzamos, la ignorancia que poseemos y las
palabras que no entendemos... Un discurso digno de olvidar… partiendo de la oposición. Una oposición que es la base de la puesta en escena. Desde este asentamiento se polemiza sobre juicios para poner en evidencia la inoperancia de algunos valores sociales inmersos en los sistemas de convivencia vigentes y aceptados. Se cuestiona la idea mítica de dignidad, el molde estrecho al cual los valores sociales imperantes la someten. Es un itinerario por los barracones donde no faltarán ni el animal, ni la mujer enana, ni el hermafrodita... ni tampoco la vergüenza ajena, el sentimiento de culpa, la venta de carne humana y demás actos cotidianos...

Con Indignos la Cía, Amaranto se propone, como viene siendo habitual en sus proyectos, una nueva confrontación con el público, para compartir reflexiones con éste en el espacio y tiempo presente que el formato performance ofrece. Pretenden llevar a cabo este propósito apoyándose en un flujo de signos y pulsiones que vendrá dado desde la interacción en un mismo espacio de diferentes soportes expresivos: proyección de imágenes (fijas y en movimiento), acciones, música, sonidos, objetos y textos. El habitual uso de la tecnología en escena, viene dado por la búsqueda de un lenguaje acorde con las nuevas y desarrolladas capacidades perceptivas del individuo contemporáneo.

Ficha Artística
Interpretación y creación
: Ángeles Císcar, David Franch, Lidia González Zoilo
Realización de vídeo: Joan López Lloret, Alba Mora Roca
Edición de vídeo y sonido: Jordi Arqué
Animación: Eva Roca, Julian Lipman
Diseño y confección de vestuario: Marta Pelegrina
Música: Valle Piñero, Carlos Santos
Fotografías: Olga Planas, Pere Thomás
Comunicación: Ana Sánchez
Dirección y dramaturgia: Cía. Amaranto
Colaboran en el proyecto: Xavi Serrano, Cesc Casanovas, Mercé Moreno, Gisela Plana, Raúl Sebastián, Jordi Solé, Carlo-Mô, Vander Lemes
Coproducción de L’Antic Teatre, La Generalitat de Catalunya, Ass. Artistes Guaranà y Cía Amaranto.
Colabora l’Estruch de Sabadell.
Duración: 90 minutos
Idioma: Español.



DRESS-CODE + ME LLAMO WALTER

FOTO: KIKE SEGUROLA

Danza

Compañía Erre que Erre
Catalunya (España)

Teatro Pradillo
(Madrid)
24 y 25 febrero: 20.30 h


El Dress-code es la excusa, y el contexto, para hacer una reflexión sobre las relaciones que surgen en esos ambientes donde la persona se sacrifica voluntariamente en función del estereotipo. La apropiación de signos externos para crearse una identidad y buscar relaciones nos muestra una realidad generalizada y en aumento en las sociedades contemporáneas: la soledad y el aislamiento, la fuerte individualización y la necesidad que éstas generen una búsqueda de formas de relacionarse interpersonalmente que nos permitan la ilusión de estar con otros (incluso de manera íntima) sin necesidad de dejar de estar solo.

Teresa Navarrete presenta Me llamo Walter, un nuevo solo en el que muestra su particular sensibilidad creadora. En esta ocasión realiza un auténtico streeptease emocional para hablar de todo los que nos hace sentir el amor y su ausencia.

Me llamo Walter es la tercera entrega de la trilogía que comenzó con Lágrimas de Ciervo y continuó con Sólo lo que veo debajo de las piedras. Tras la colaboración de Guillermo Weickert en “A.P.A.A.I.”, éste vuelve a trabajar en un nuevo proyecto de la compañía. Creado e interpretado por Guillermo Weickert y Mario G. Sáez a partir de la anécdota de los Dress-code (códigos de vestimenta) presentan una pieza sobre la pérdida de identidad, el individualismo, la pertenencia a determinados códigos y cómo nos creamos jaulas de las que estar continuamente escapando.

Ficha Artística:
Me llamo Walter de Teresa Navarrete
Coreografía e interpretación: Teresa Navarrete
Iluminación: Carles Rigual
Técnico de iluminación: Carles Rigual
Estilismo: Jorge Pérez y Lidia Mombiela.
Espacio escénico: Erre que erre
Música: Maga, Barry Adamson, Plastikman, Mum.
Secuenciación y mezcla musical para “Me llamo Walter”: David Crespo
Producción: Myriam Swanson
Fotografía: Kike Segurola.
Agradecimientos: Fran M. Cabeza de Vaca, y al resto de erre que erre.
Me llamo Walter: 30 min.
(Pausa para cambiar espacio escénico)

Dress-code de Guillermo Weickert y Mario G. Sáez
Coreografía e interpretación: Guillermo Weickert y Mario G. Sáez.
Iluminación: Erre que erre.
Técnico de iluminación: Carles Rigual
Estilismo: Jorge Pérez y Lidia Mombiela.
Espacio escénico: Candela Reymundo.
Música: Maga, Barry Adamson, Plastikman, Mum.
Producción: Erre que erre.
Fotografía: Kike Segurola.
Agradecimientos: Fran M. Cabeza de Vaca, y al resto de erre que erre.
Duración: 45 min.

Erre que Erre sccl esta subvencionada por: Generalitat de Catalunya; Ministerio de Educación y Cultura (INAEM); Institut de Cultura, Ajuntament de Barcelona.



VOET

FOTO: JOCHEM JURGENS

Performance

Compañía Veenfabriek
Países Bajos

La Casa Encendida (Patio)
(Madrid)
25 y 26 febrero: 21 h


Voet es un proyecto musical con textos de Antoon Pollman, poeta de Leiden, Holanda. Es una performance con música en directo y claqué de Meter Kuit. Kuit es un bailarín internacionalmente solicitado y conocido por su novedosa técnica de zapateado, su paciente y potente carisma. Es también conocido bajo el nombre de “El Master”, por los americanos. Ambos, suelo y zapatos, son sus instrumentos. El suelo, está compuesto por diferentes tipos de madera, que producen continuamente diferentes sonidos.

La técnica del zapateado de Kuit no es tan envolvente como que contiene un lenguaje rítmico muy físico. Todo es relatado por la poesía de Antón Pollman, poeta autista y esquizofrénico que vivió en una institución mental durante gran parte de su vida. En Voet, Rik Elstgeest, recita la poesía de Pollman. Los pies de Kuit y las palabras de Pollman describen el pensamiento trastornado de Pollman y su visión personal de la vida y el amor.

Veenfabriek es un conjunto que va más allá del concepto musical, cuyo tipo de arte se mueve por diferentes disciplinas, que se integran en la puesta en escena de sus montajes. Es un grupo que apuesta por un tipo de creaciones vanguardistas e inusuales, que reflejan una estética que pretende impactar sobre el espectador. Veenfabriek, presenta anualmente espectáculos, caracterizados por la diversidad creativa y la multiplicidad de materias.

Ficha Artística:
Interpretación: Paul Koek, Peter Kuit, Rik Elstgeest, John van Oostrum, Ton van der Meer
Texto: Antoon Pollman
Fotografía: Jochem Jurgens
Duración: 1 hora
Idioma: Holandés
En Madrid con el apoyo de la Embajada Real de los Países Bajos


Más información

   www.veenfabriek.nl



CICLO EXPERIENCIAS


INSIDER

FOTO: LIDIA MOMBIELA

Performance

Compañía Rui Silveira
Portugal

¡MIRA!

Casa de América (Salón Simón Bolívar)
(Madrid)
3 y 4 febrero: 19.30 y 21 h


Insider habla de las distintas formas en que construimos nuestra intimidad, sexualidad e identidad, a la vez que invita al espectador a cuestionar el concepto de "diferencia humana". Es decir: ¿Qué aspectos de nosotros mismos o de de nuestra intimidad, podremos identificar en el otro? Es una especie de diario íntimo hecho público, que explora la relación entre espectador e intérprete al margen del voyeurismo, pero en la cual el voyeurismo, no existe con el objetivo de chocar o escandalizar al espectador, sino de invitarlo a identificar, asociar o reconocer reflejos de sí mismo o aspectos de su propia intimidad. En Insider un espacio privado e íntimo -una habitación- se hace público y en él, una cama funciona como foro y el cuerpo como un campo de batalla en la cohabitación entre espectador e intérprete.

Ficha Artística
Idea, concepción, dirección artística e interpretación
: Rui Silveira
Asistente de dirección artística: Abraham Hurtado
Música original y manipulación sonora en tiempo real: Iván Roca Cors
Espacio escénico: Iván Roca Cors con Rui Silveira
Diseño de iluminación: Vicente Pouso
Asistencia de ensayos: Laia Galdón
Fotografía: Lidia Mombiela
Co-producción: Degrau Zero (Lisboa), La Mekanica (Barcelona), C.E.N.T.A - Centro de Estudos Para Novas Tendências Artisticas (Vila Velha do Ródao, Portugal), Número - Arte e Cultura / Festival Portugais 2005 (Lisboa, Point Ephémère - Centre de Dynamiques Artistiques (Paris).
Duración: 45 min
Aforo reducido: 25 butacas
En Madrid con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões.



OF ALL THE PEOPLE IN ALL THE WORLD, EUROPE

Instalación

Compañía Stan´s Café
Reino Unido

Madrid Chamartín
Estación FF.CC (Cota 13)
6 al 11 febrero: De 15 a 20.30 h

Festival VEO (Valencia)
Naves del Greenspace 1
Del 17 al 25 de febrero: de 16 a 21 h


Of All The People in all the world se presentó en el Thetre De Welt acumulando 104 toneladas de arroz.Cada grano representa a cada persona del plantea. En el transcurso de tres semanas, esta enorme cantidad de arroz se dividió en montones clasificados, organizados por un rango de estadísticas populares.

El espectáculo se presenta en España por primera vez. Se usarán 12 toneladas de arroz, un grano por cada persona del continente. Un grupo de performes combinará local, nacional e internacionalmente las estadísticas, históricas y contemporáneas, triviales y profundas, para hacer una muestra del desarrollo y evolución del planeta, que debe cambiar la forma en que miremos al mundo en adelante.

Stan’s Cafe vive y trabaja en Birmingham, desde allí concibe sus extraordinarias experiencias teatrales que después lleva de gira por todo el mundo.

Ficha artística
Interpretación
: Sarah Archdeacon, Eva Bredow, Heather Burton, Alison Carney, Stjepan Durkin, Volker Gebhard, Charlotte Goodwin, Ina Granzow, Mike Kirchner, Inna Mantel, Jake Oldershaw, sula Predft, Craig Stephens, Vannesa Valk
Iluminación: Paul Arvisdson
En Madrid con el apoyo del British Council y ADIF


Más información

   www.festivalveo.com

   www.escenacontemporanea.com
   www.stanscafe.co.uk


UNTITLED ACTION FOR FESTIVAL ESCENA CONTEMPORÁNEA 2006

Performance

Compañía Kira O´Reilly
Reino Unido

ARCO (AVION… Nave Cultural)
(Madrid)
Previa reserva en AVION
(1 persona cada 12 min)
9 y 10 febrero: de 15 a 20.30 h


La artista inglesa Kira O´Relilly, practica un lenguaje teatral influenciado por un arte soterrado, empleando la instalación y la videocreación. Utiliza el cuerpo como método y lugar de narración de sus performances, para explicar que el elemento físico es el material básico donde se suceden las permutaciones personales, sexuales, sociales y políticas.

Trata de acortar el diálogo entre espectador y artista a través de un intercambio dinámico dentro de sus montajes, que es a su vez la forma de generar sus proyectos. Gracias a su intimidad, permite la intervención del receptor y consigue que la participación sea en algunas ocasiones tierna, en otras inquietante, pero siempre reveladora.

Untitled Action for Festival Escena Contemporanea 2006 se divide en la audiencia (el TÚ) y el artista (el YO), compartiendo algunos momentos delicados y otros más tirantes. Planteando como cuestión principal del trabajo las distintas posibilidades del “dónde termino yo y dónde empiezas tú”.

Ficha artística
Creación e interpretación
: Kira O´Reilly
Ayudante: Kim Ellen Simons
Duración: 12 min.



GIZON GALDUA 1

Video Instalación

Compañía No me compliques la vida
Reino Unido/España/Brasil

El Ojo Atómico
(Madrid)
9 al 18 febrero: de 18 a 22 h (juev,vier. y sáb).
Otros días reserva en: 91.41522.91


Love Party es una exposición anual que reúne obras sobre género, (trans)sexualidad y representaciones de lo romántico en la sociedad actual. En esta edición participan diez artistas que abordan los temas citados desde diferentes perspectivas.

En esta edición henos invitado a varios artistas que abordan los temas citados desde diferentes perspectivas: Eduardo Bonito (Brasil), Philippe Meste (Francia), María María Acha (Perú/España), Niña Yhared (México), Young-Hae Chang Heavy Industries (Corea), Carlos Ranc (México) y Annie Sprinkle y Beth Stephen.

Eduardo Bonito, brasileño, presenta Gizon Galdua 1, junto con el colectivo No Me Compliques La Vida. La obra Gizon Galdua 1 fué realizada entre los meses de junio y septiembre de 2003 en el País Vasco.

Este proyecto investiga qué hay detrás de los anuncios sexuales que solemos ver en los periódicos y utiliza esta cuestión como excusa para investigar sobre la cuestión de lo público y lo privado, tema de actualidad en un mundo en donde la invasión de la privacidad por parte de los medios de comunicación y la proliferación de reality shows, web cams, etc. nos convierte a todos en voyeurs pasivos.

En sus trabajos, No Me Compliques La Vida, reflexiona a través del proceso artístico acerca de cuestiones que preocupan al colectivo: el sexo como performance, la utilización del espacio privado en un contexto artístico, la hipocresía de la sociedad con respecto a la prostitución, la posibilidad de introducir producción artística sexualmente explícita en espacios dedicados al high art. El colectivo considera que el arte puede ser un vehículo para una visión alternativa de la sexualidad, un vehículo para la revisión de las diversas estéticas y políticas de la representación sexual contemporánea.

No Me Compliques La Vida, nace en Londres (2003) como un colectivo de artistas provenientes de diferentes ámbitos artísticos. Sus integrantes pretenden usar sus propias experiencias personales como inspiración artística y fuente de desafíos en sus vidas cotidianas. El motor del colectivo es la curiosidad personal y el deseo de alimentar esta curiosidad de una manera lúdica, desarrollando un trabajo que acompañe las preocupaciones y la experiencia del día a día de sus componentes. Su trabajo va dirigido nuevos formatos y medios de comunicación que puedan transmitir esta relación vida/arte.

Además de este colectivo participan, entre otros, María María Acha (Perú), con un fotografía tamaño natural de la serie Bathroom; Carlos Ranc (México), con Papel Tapiz, un papel decorativo para paredes; Philipe Meste (Francia), que desde hace años solicita al público masculino para sus exposiciones de arte; además del programa de vídeo: X-treme Kiss (Annie Sprinkle y Beth Stephen)

Las obras se presentan en un escenario construido dentro de la sala de exposiciones del Antimuseo de Arte Contemporáneo, que representa el interior de un pequeño departamento. Todos los trabajos quedan integrados como elementos propios de este ambiente, sumiendo al espectador en un mundo en el que la sexualidad y todos sus conflictos adquieren una presencia abrumadora.

Ficha artística
Autor colectivo
: No me Compliques la Vida.



SPERMCUBE

Instalación

Compañía Phillippe Meste
Francia

¡MIRA!

El Ojo Atómico
(Madrid)
9 al 18 febrero: de 18 a 22 h (juev,vier. y sáb).
Otros días reserva en: 91.41522.91


Philippe Meste, es un artista plástico nacido en Rennes, que vive y trabaja en París. Establece las premisas de una guerrilla crítica decididamente urbana utilizando nuevas armas artísticas. Sus temas más recurrentes son las armas, la guerra, el sexo y la pornografía.

En esta ocasión Philippe presenta en Madrid su proyecto Spermcube que pretende reunir 1 metro cúbico de esperma congelado preservado en un cubo transparente refrigerado. Se trata de un proyecto colectivo, internacional, abierto a la participación de todo interesado.

El artista ya presentó sus proyectos en intervenciones en forma de stand de información al público en varios festivales y galerías.

Ficha artística
Concepto y creación: Philippe Meste
En Madrid con el apoyo de la Embajada de Francia


Más información

   www.spermcube.org

   www.g-a-s-m.org


PARADISE 2 – EL SONIDO INCESANTE DE UN ÁRBOL CAÍDO

FOTO: MAGDALENA USA

Performance

Compañía Rosa Casado
Comunidad de Madrid/La Rioja (España)

ARCO (Nexo 5-7 / Chill out)
(Madrid)
10 y 11 febrero: 14 h


Rosa Casado en colaboración con el artista visual Mike Brookes, ha creado un espectáculo que reflexiona sobre el turismo y la migración. Esta creadora/performer confronta su propio viaje de vacaciones de España a Mali con el desplazamiento migratorio del Señor Boyé a España.

Rosa Casado es una artista preocupada por sacar a escena paisajes sonoros y desplazamientos humanos, con la intención de descubrir nuevos planos de percepción. Creadora independiente y performer, su trabajo artístico tiene dos líneas de acción fundamental: la re-escritura de la realidad a través de acciones cotidianas des-contextualizadas que exploran nuevas maneras de “pensar” y “hacer”; y el desarrollo de espacios interdisciplinarios que promueven la diseminación de la práctica artística contemporánea.

En 1975 inicia sus estudios de danza; en 1992 su formación actoral en España, que continua en el Istituto d’Arte Scenica (Italia), Nordisk Teater Laboratorium/Odin Teatret (Dinamarca) y Studium Actoris (Noruega). Además, ha participado en diversos proyectos de investigación y creación escénica en Holanda, Italia, Suecia, España y USA. En 1998 inicia su trabajo de piezas unipersonales con el montaje Jo-O. Y más tarde, colabora con la creadora escénica galesa Jill Greenhalgh y con el artista visual inglés Mike Brookes, trabajando juntos en diferentes proyectos. En 2003 traslada su residencia a Peroblasco, La Rioja, donde está desarrollando el proyecto La Casa del Burro, una sala de creación artística y un proyecto de residencia para creadores.

Ficha artística:
Creación e interpretación: Rosa Casado
Desarrollo: Mike Brookes y Rosa Casado
Texto: Rosa Casado inspirado en el corto documental Ilha das Flores
Ayudante técnico: Luis Fernández
Fotografía: Magdalena USA.
Duración: 40 minutos
Idioma: Español.



ESPECTÁCULO NATURAL 2-ME GUSTAN TUS HUESOS,
TU ALMA Y TU CEREBRO. CONVERSACIONES CON ANIMALES

Performance

Compañía Sonia Gómez
Catalunya (España)

ARCO (Nexo 5-7 / Chill out)
(Madrid)
10 y 11 febrero: 19 h


El espectáculo recorre cuatro gabinetes, con cuatro colaboradores en cada uno de ellos. En los gabinetes se presenta: una puesta en escena sencilla, una conversación y la serie de acciones titulada: Take my body. Sonia Gómez pasa por cada uno de estos gabinetes y se presta como objeto de arte normal. Se presenta ante ellos como una persona corriente, formada por huesos, alma y cerebro, materias primas comparables al barro, al lienzo o al vídeo. Es decir, como identidad compleja, pero maleable dentro de unas coordenadas propuestas por la artista.

De esta manera, Sonia Gómez, cuestiona la identidad, la construcción de uno mismo y la forma de encontrarse de un modo contrastado: es decir, esa que se ve no soy yo, es mi imagen. Algo dificulta ese cara a cara con el espectador, es ese diálogo entre ella y la cámara, el tiempo -directo o diferido- que cabe en el espacio de un plano fijo.

En los montajes de Sonia Gómez aparecen habitualmente la identidad, la profundidad, el movimiento y el ritmo. Y todo lo trata de una manera muy irónica. Preocupada por la búsqueda de la idiosincrasia, en particular de sí misma, conduce al espectador a plantearse la personalidad propia. Vídeo, textos poéticos o no, y una potente energía física se desprende en los montajes de esta artista catalana.

Ficha artísitica:
Creación: Sonia Gómez,
Dramaturgia: David Cauquil
Textos: Sonia Gómez y Ceferino Galán
Iluminación, escenografía y vestuario: Emily
Selección musical: djd!,
Audiovisuales: Txalo Toloza
Colaboradores: Eduardo Miravalles, Ceferino Galán, David Cauquil y Joan Morey
Natural 2 es una producción de M.O.M-El Vivero y Sonia Gómez
Duración: 70 min
Idioma: Español

Más información

   www.martaoliveres.com
   www.ciasoniagomez.blogspot.com


LA FUNDICIÓN (Bilbao)

BASS, CONCIERTO DE ANIMALES (DANZA)
 

 

Compañía Sonia Gómez
Catalunya (España)

La Fundición (Bilbao)
4 y 5 marzo: 20.30 h


TEMATICA DRAG QUEEN Y KING


En la sexta edición del festival se produce un encuentro novedoso de temática drag, queer y king. Cuatro representantes de una escena apartada de los montajes teatrales se unen para mostrar términos transgresores a cerca de la sexualidad y la transformación.

El encuentro comienza con el Taller DRAG KING, dirigido por: Diane Torr, Beatriz Preciado (King Beto Sterona), con la presencia de Victor Little King, y continúa al día siguiente con las actuaciones en directo Huevos de purpurina: show drag king de Diane Torr, Victor Little King y Bridge Markland.

TALLER KING

FOTO: SUSANA P. ALONSO
INÉS MARTÍN

PERFORMANCES

Compañía Beatriz Preciado y Diane Torr
Reino Unido/España

La Juguetería
10 febrero: de 14 a 22 h y
11 febrero: de 12 a 15 h
(Previa inscripción)
Inscripción


El Taller Drag King está abierto a la participación de 20 bio-mujeres, lesbianas, mujeres transgéneros y transexuales. Las participantes deberán aportar ropa y zapatos masculinos y un calzoncillo de caballero.

Horario: 14h- 22h

Este Taller Drag King trata de explorar desde la práctica colectiva (feminista, post-feminista y queer) la construcción preformativa de la masculinidad, sus beneficios sociales y corporales y sus posibilidades para la acción política. Las participantes aprenderán a practicar la performance de la masculinidad y podrán experimentar el acceso diferencial al espacio público y a la palabra. Los objetivos de esta práctica preformativa son: poner de manifiesto el carácter construido de la masculinidad, generar una forma de acción y de visibilidad política de las mujeres que difiere de la del esencialismo feminista y que permite la re-citación subversiva de ciertos códigos culturales de la masculinidad. De este modo, se trata de potenciar el júbilo político y sexual para las mujeres, las lesbianas, las transgéneros y transexuales, para intervenir colectivamente en las tecnologías performativas de los códigos culturales del género en la memoria y en la acción corporal.


HUEVOS DE PURPURINA: SHOW DRAG KING

FOTO: CATHY PEYLAN

Performance

Compañía Diane Torr, Vitor Little King y Bridge Markland
Reino Unido /Francia/Alemania

¡MIRA!

EL Perro de la parte de atrás del coche
(Madrid)
11 febrero: 24 h


Diane Torr Artista interdisciplinar, performer, curator y profesora. Activa en la escena performativa de Nueva Cork desde hace 25 años y pionera de la cultura drag king. Codirige junto con Bridge Markland “Godrag!”, el primer Festival Internacional de mujeres sobre las performances de la feminidad, de la masculinidad, de la androginia y la cultura del drag. Actualmente dirige su propia compañía de teatro en Glasgow.

Victor Little King, También conocido como Mister PIG, se define como performer y activista King. Su trabajo desvela la construcción bio-social de los estereotipos de género dejando al espectador cara a cara frente a sus propias paradojas de normalización y fallo en la repetición de los rituales de la feminidad y la masculinidad. Sus performances cuestionan la mediatización de la identidad gay, los códigos de la pornografía dominante, la mercantilización del queer chic o la racialización de la homofobia. Ha actuado en las escenas King de París y Nueva York, con, entre otros, Antonia Baehr, King Murray Hill y Los Kinas del Berry.

Bridge Markland, Artista alemana, que trabaja en el terreno de la performance transgresora y crítica. Actriz y cantante camaleónica, cuya especialidad en la transformación, le otorga una enorme eroticidad encima del escenario. El humor forma parte de sus montajes, que buscan la ambiguedad y la dualidad de los andróginos. Montajes que proponen una diversidad sexual y que juegan con la transformación de la intérprete con la intención de sacar a relucir los mundos de cada género y cuestionarlos de manera provocativa.

Más información

   www.bridge-markland.de


CAMERA OBSCURA

Performance visual

Compañía Petr Niké
República Checa

La Casa Encendida (Patio)
(Madrid)
10, 11 y 12 febrero: 22 h


Camera Obscura es una performance audiovisual, no verbal que encadena imágenes al azar, las cuales necesitan la atención activa de los espectadores. Un collage de microhistorias imaginativas, sin guión previo, en las que el artista Petr Nikl desempeña el papel de un pescador errante, que en un baño de luz pesca trocitos de asociaciones. Gracias a un efecto óptico, cámara obscura, en un instante se puede convertir en una ilusión bidimensional y translucida en la pantalla. Las cosas y objetos que le rodean cobran distintos contextos y pierden su significado original. El artista trabaja con ellos según cómo lo exige la situación. De esta manera, se convierte en un niño con cuerpo de adulto, en alguien que percibe la realidad como si fuera la primera vez y mantiene un diálogo silencioso y abierto con los objetos.

El objeto, es la superficie de agua con espejos, que da lugar a reflejos luminosos en movimiento, proyectados en la pantalla. El juego es siempre abierto por el hecho de que ningún espectáculo es idéntico, aunque se usan los mismos medios y elementos, ya que su constelación es irrepetible. El artista parte de las posibilidades que le ofrece el propio espacio del juego, su disposición y sus particularidades.

Ficha artísitica
Creación
: Petr Nikl
Duración: 1 hora
En Madrid con el apoyo del Centro Checo
En el marco de la Temporada de la Escena Checa en Madrid.



ESPECTÁCULO RAPIDINHA

Vídeo Instalación

Compañía No me compliques la vida
Reino Unido/España/Brasil

La Juguetería
(Madrid)
11 al 22 febrero: de 14 a 22 h


Rapidinha es un trabajo de No Me Compliques La Vida con imágenes grabadas desde un balcón enfrente de la playa de Copacabana en Rio de Janeiro. Rapidinha es un término muy común en Brasil para referirse a una relación sexual rápida y casual (en inglés quickie).

En la video-instalación se muestra al público las imágenes grabadas por un artista del colectivo desde el momento que este decide hacer una rapidinha, escoge a una persona al azar en la playa, habla con ella y acaba teniendo relaciones sexuales, todo ello en un espacio de tiempo de 30 minutos. El formato de la obra es una proyección tríptica en loop de diez minutos donde se muestra simultáneamente las tres etapas del ligue. Con diálogos metartísticos, el artista y su invitado especial anónimo hablan de arte y sexo en esta situación insólita y divertida.

No Me Compliques La Vida, nace en Londres (2003) como un colectivo de artistas provenientes de diferentes ámbitos artísticos. Sus integrantes pretenden usar sus propias experiencias personales como inspiración artística y fuente de desafíos en sus vidas cotidianas. El motor del colectivo es la curiosidad personal y el deseo de alimentar esta curiosidad de una manera lúdica, desarrollando un trabajo que acompañe las preocupaciones y la experiencia del día a día de sus componentes. Su trabajo va dirigido nuevos formatos y medios de comunicación que puedan transmitir esta relación vida/arte.

Ficha artística
Autor colectivo
: No Me Compliques La Vida
Duración: 10 minutos
Idioma: Portugués con subtítulos en español.



UNTITLED

Danza

Compañía Miguel Camacho
Comunidad de Madrid (España)

El Ojo Atómico
(Madrid)
23, 24 y 25 febrero: 20.30 h


Poner un título es un acto más de la necesidad de clasificar las palabras por su significado. Untitled indica que con palabras no se puede y no se debe explicar. ¿Se puede desnombrar una obra? El desnombramiento implica que en otro momento tuvo nombre y que éste ahora se queda obsoleto, como si fuera que lo que sucede, en el instante de su revelación, supera su propio título. Entonces, no es lo mismo que no tener nombre.

Miguel A. Camacho, quiere con Untitled plantear una propuesta arriesgada pero, a la vez, sincera y de un gran reto profesional y personal. Una situación que encierre un sentido de estética y emociones muy profundas, sin evitar reacciones polémicas. Habla de lo difícil de entender el cuerpo, el deseo, el sexo y la masturbación. Y cómo ese cuerpo bello, pleno de deseo, se va transformando con el paso del tiempo, en menos bello, mas flácido, menos apetecible, donde el sexo va jugando un papel cada vez menos importante y, a pesar de ello, la masturbación puede perdurar como una forma de placer solitario, en una sociedad como la nuestra, donde lo individual es cada vez más predominante.

En Untitled, la coreografía, entendida como movimiento organizado y estructuración del espacio, sirve, sobre todo, como vehículo que conduce el vínculo entre lo inmóvil, lo poco móvil y lo móvil. La coreografía da movilidad a una situación donde no hay necesidad de crear drama, rompe con lo estático y utiliza la acción y la espera para aportar otra capa de tensión al cuadro. El cuerpo es el argumento, no hay que dar argumento al cuerpo.

Ficha artistica:
Dirección: Miguel Camacho
Coreografía e interpretación: Michelle Man
Espacio escénico: Miguel Camacho
Iluminación: Miguel Camacho
Vestuario: Elisa Sanz
Duración: 15 min.


CICLO PERFIL: PAULO CASTRO
Portugal
Teatro y Performance


El Ciclo Perfil es una de las secciones del festival que se ocupa de una figura escénica y analiza algunos de sus montajes más representativos en el ámbito de la creación contemporánea. Esta edición ha seleccionado al autor, director, actor y bailarín portugués, Paulo Castro. La retrospectiva de este creador pretende dar a conocer su línea de trabajo a través de la representación de diversos montajes.

Paulo Castro, de nacionalidad portuguesa, mantiene cierta actividad en el entorno teatral europeo (Berlín, París, Oporto, Madrid…). Ha dirigido en el Teatro Nacional de Oporto, textos de autores como Lars Noren, Edward Bond and Heiner Müller y ha llevado a cabo piezas para grupos independientes con textos de: Arrabal, Dagerman, Bughner.

En sus montajes predomina una temática centrada en la política y la violencia de los tiempos modernos, con un estilo corrosivo.


WAKE UP-HATE

Teatro

Compañía Paulo Castro
Portugal

¡MIRA!

Teatro El Canto de la Cabra
(Madrid)
4 y 5 febrero: 21 h


En Wake up-Hate, un hombre regresa de la muerte para filmar la vida con sus propios ojos. Todo lo que graba, todo lo que realiza, está siendo observado. Cree que es un ángel intocable, y se mueve como tal en un entorno cargado de repeticiones. Con un corrosivo y solitario discurso, pretende atacar el voyeurismo de la humanidad.

Ficha Artística
Dirección e interpretación
: Paulo Castro
Basado en el texto: Angel of Death, de Jan Fabre
Fotografía: Nuno Patinho
Duración: 1 hora
Idioma: Español y portugués.



ESPECTÁCULO NIGHTING-GALE IN THE CATHOLIC CHURCH

FOTO: NUNO PATINHO

Teatro

Compañía Paulo Castro
Portugal

¡MIRA!

Teatro Pradillo
(Madrid)
6 y 7 febrero: 20.30 h


Nighting-gale es una pieza de teatro sobre un grupo de mujeres que viven en una iglesia abandonada, convertida en un hospital psiquiátrico. Un lugar de soledad y religiosa reverencia, donde lo profano y lo sagrado van unidos. Los personajes viven en este sanatorio, en delirio y con la creencia de que están alojados en un gran hotel. A través de la obra, un pintor va trabajando sobre un largo lienzo de Cristo, en la pared de la iglesia, y el psiquiátrico se vuelve una verdadera obsesión con su fresco. Entusiasmado por su fe, el pintor elabora una profunda charla sobre la vida y el arte. Los personajes tratan de encontrar la forma más religiosa para llevar adelante sus vidas. Obsesionados por la dependencia de su fe son conducidos a la distracción. Creer en dios es su comodidad contra la catástrofe inminente.

Ficha artística
Dirección y texto
: Paulo Castro
Basado en la novela Fabulación de Passolini y otros trabajos.
Interpretación: Jo Stone, Paulo Castro, Sven Seeger, Sara De Castro, Miguel Moreira
Co-Producción: Teatro Vila Real-Portugal, Compañía Utero Lissabon-Portugal, Mimem Zentrum Berlin, Sophiensaele Berlin, Escena Contemporánea
Duración: 1 hora
Idioma: Inglés, portugués y español.



B-FILE

CEASAR FERNÁNDEZ,
SILVIA Y KAREN
FOTO: ALISTAIR BONNIN

Performance

Compañía Paulo Castro
Portugal

¡MIRA!

Teatro Pradillo
(Madrid)
8 y 9 febrero: 20.30 h

La Nave de Cambaleo
(Madrid)
11 y 12 febrero: 21 h

La acción de B-File, se sucede en una habitación claustrofóbica de un aeropuerto de algún lugar. Un grupo de pasajeros son sometidos a un riguroso, absurdo y violento interrogatorio forzados por la autoridad. La policía comienza a abusar de su poder según la gente aterriza de diferentes países. En una situación de preguntas y respuestas, el juego comienza a ser más peligroso según la estructura narrativa avanza.

Ficha artística
Dirección
: Paulo Castro
Textos: Deborah Levy, & Interpreters
Interpretación: Jo Stone, Karen Lawrence, Paolo Dos Santos, Paulo Castro, Sylvia Pinto Coelho
Interrogatorios directamente traducidos por la policía a cada uno en el lenguaje del país donde se representa.
Fotografía: Ceasar Fernández, Silvia y Karen por Alistair Bonnin
Co-Producción: Tanzfabrik-Berlin, Casa Das Artes De Famalicao-Portugal,
Teatro De Vila Real-Portugal

Duración: 1 hora
Idioma: Varios.
En Madrid con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões

 

 

 
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